Pictures at an Exhibition by Voyager IV
Progressive Rock des 21. Jahrhunderts vereint mit Klassik und Jazz

Der klassische Klavierzyklus „Bilder einer Ausstellung“ von Modest Mussorgsky aus dem Jahr 1874, gewidmet seinem Freund und Maler Victor Hartmann, ist nur der Ausgangspunkt einer abenteuerlichen Musikreise.
Voyager IV machen dabei nur einen „Zwischenstopp“ bei der Supergroup der 70er, Emerson, Lake & Palmer (E.L.P.), die auf ihrem Album „Pictures at an Exhibition“ im Jahre 1971 bereits drei der Mussorgsky „Bilder“ bearbeiteten.
Angekommen im 21. Jahrhundert erfahren diese 3 und 5 weitere „Pictures“ auf dem aktuellen Voyager IV Album und live auf der Bühne nun noch einmal eine komplette Erneuerung mit Vocalsongs und virtuosen Instrumentals im Progrock-Genre.
Für das aktuelle und frische Sounddesign stand kein geringerer als der Londoner Rockproduzent Jon Caffery (Wir Sind Helden, Rainbirds, Tote Hosen) am Mischpult.
Verbunden mit einer konzipierten Licht & Lasershow, ausgefallenen Instrumenten wie der Laserharfe von Jean-Michel Jarre, Theremin, Keytar und kosmischen Space-Rock- Klängen aus Synthesizer und Klavier mischt die Band ein Programm aus Vocal- und extrovertierten Instrumentaleinlagen. Damit stellen Voyager IV wohl eines der interessantesten Crossover Projekte der internationalen Prog-Rock-Szene dar.
Bandleader Marcus Schinkel tritt weltweit als Pianist auf, war 2018 in China als Kulturbotschafter für NRW und spielt im Oktober 2019 in Honduras Konzerte mit Rockband und Orchester. Die Rhythmusgruppe mit dem niederländischen Superdrummer Wim de Vries und Fritz Roppel am Bass lässt die energiegeladenen Sounds von Rush, Led Zeppelin oder Pink Floyd wiederaufleben. Sänger/ Songwriter Johannes Kuchta weckt mit seiner individuellen, charismatischen Stimme Erinnerungen an Peter Gabriel, Greg Lake, Phil Collins oder Fish.

Presse Shots:

„This is a great combination of old and new. I am surprised. because this is not a copy of existing stuff, but a completely new interpretation of the „Pictures“
(German Rock Magazin)

„Eine ideale, spannende, nie da gewesene Kombination“
(Ingo Saeger, German Rock Musikmagazin).

“Courageous, diggin’ deep in the universe of Modest Mussorgsky and ELP, masterfully, creative, without wanting too much, absolutely admirable and worth listening!“
(Jazzrock TV)

“I love this! I love it when musicians make ELP pieces their own…Keith did too. He would go crazy over this versions! Thank you!“
(Mari Kawaguchi, fiancee Keith Emerson)

„Really enjoyed the new album! Some very bold and adventurous avenues taken with Modest Mussorgsky. I always enjoy listening to someone’s interpretations of otherwise wellknown themes. I like that fact that you incorporated those ideas in your own way and varied them enough to make it your own. Well done!“
Marc Bonilla (recorded 4 albums with Keith Emerson)

„Marcus Schinkel’s ‘New Pictures At An Exhibition‘-Projekt ist ein exzellentes Thema mit hochkarätigen Musikern, das sich von den gewöhnlichen Tribute-Geschichten mit einigem Abstand abhebt. Ein Konzert, das ich mir ausnahmsweise nicht nur im eigenen Club, sondern auch zudem nochmal an anderer Stelle live reingezogen habe. Erfreulich, dass es so gut ankommt und uns die Hütte schon zweimal nahezu voll gemacht hat.“
Wolfgang „Kolli“ Koll (Harmonie Bonn)

Blues Caravan 2020 Der Blues Caravan von Ruf Records ist nicht zu stoppen. 15 Jahre, nachdem Europas angesehenstes Blues-Label seine erste Showcase-Tour auf die Beine gestellt hat, ist das Konzept Bluesfans längst vertraut: Jeden Abend rocken drei aufstrebende Talente Clubs vielerorts in den USA und Europa und katapultieren den Blues in die Neuzeit. Aber damit nicht genug: Mit dem Line-up, das jedes Jahr aus der Palette von Ruf-Künstler/innen ausgewählt wird, hat jeder Caravan einen frischen Vibe, eine prickelnde Atmosphäre und lässt die Funken nur so fliegen. Und mit drei höchst unterschiedlichen Künstler/innen, die ein breites stilistisches Spektrum abdecken, scheint 2020 alles möglich zu sein. Jeremiah Johnson ist ein Bluesmann aus St. Louis, der durch eine harte Schule gegangen ist. Nach frühen Tagen als das bestgehütete Geheimnis der Clubszene der Südstaaten rückte das gefeierte 2018er-Album „Straitjacket“ den Bandleader mit einer intensiven Performance, smarten Hooklines und geerdeten Texten ins Rampenlicht. „Ich stehe für Südstaaten-Bluesrock“, erklärt Jeremiah. „Er ist in meinem Blut, meinem Herzen und meiner Seele. Ich singe meine Songs immer mit Herzblut, mit derselben Leidenschaft, die ich spüre, wenn ich sie schreibe. Sie gründen in dem Blut, dem Schweiß und den Tränen eines Malochers aus dem Mittleren Westen der USA. Meine Begeisterung über das Line-up des Blues Caravan könnte nicht größer sein – das wird eine verdammt heiße Kiste werden!“ Ryan Perry war schon als Teenager ein Phänomen, als er 2007 bei der International Blues Challenge in Memphis mit seiner Homemade Jamz Blues Band Furore machte und sein Talent für pointierte Geschichten, markante Gitarrensounds und gefühlvollen Gesang unter Beweis stellte. Diese Talente des charismatischen Bandleaders haben sich im vergangenen Jahrzehnt weiter entfalten können, und nach seinem 2019er-Solodebüt auf Ruf Records ist Ryan ein ausgereifter Künstler, der mit einer Setlist antritt, die die Clubs zum Beben bringt. „Fans dürfen beim Blues Caravan ein hohes Maß an Action und wenig Ego erwarten“, sagt er. „Meine Liveshows sind vollgepackt mit Leidenschaft und Gefühl, machen immer Spaß und sind energiegeladen – wie sie eben nur ein Bluesmann aus Mississippi abliefern kann. “ Bei Whitney Shay gibt es kein Vertun. Wenn dieses Energiebündel aus San Diego die Bühne betritt, wird man als Erstes ihre feuerroten Haare und die Glitzerklamotten bemerken. Doch beim diesjährigen Blues Caravan wird auch die Show der Sängerin ihrem Stil entsprechen, wenn Whitney die R&B-Nummern ihres gefeierten „A Woman Rules The World“-Albums raushaut, mit denen sie den Tanzboden in Schwingungen versetzt – und euch schon einmal ahnen lässt, was da noch an Studioproduktionen von ihr zu erwarten sein wird. „Wenn ich auftrete“, sagt sie, „möchte ich, dass die Leute tanzen und aktiv werden. Für mich ist es beim Blues immer um Katharsis gegangen, um das Vergessenmachen von traurigen Erfahrungen. Wenn ich es schaffe, dass das Publikum mit einem Lächeln nach Hause geht und das Gefühl hat, dass sie den Alltagsärger vergessen haben, dann habe ich meinen Job gemacht.“

Die Wahlberliner COOGANS BLUFF sind ein bandgewordener Schmelztiegel aus Art-Rock, Psychedelic-, Fusion und Stoner-Rock, sie erforschen das musikalische Nerdterritorium, in dem Motorpsycho, King Crimson, Colosseum oder Zappa wohnen und sich an 70s Hardrock und Kraut-Rock versuchen. Was sich so liest, als könne ihre Musik nur selbstverliebtes, akademisch überhöhtes Gedudel sein, ist in der Realität etwas völlig Anderes: Eine Live-Wuchtbrumme von mitreißender Kraft, ein berauschender Sturm, groß angelegte cineastische Sounds, ständig befeuert von Bläsersätzen und Jam-Passagen. Der Rolling Stone schwärmt, dass die Band „zwischen 60s/70s-Hardrock, Hippie-Funk und einer Art Blues-Dekonstruktion im Sinne von Captain Beefheart“ changiert, MINT konstatiert, sie seien „angekommen in einer erdnahen Umlaufbahn, ganz alleine, ohne Konkurrenz, alles überstrahlend.“ COOGANS BLUFF sind zeitgemäß und retro zugleich, experimentierfreudig und dennoch Rock-Traditionalisten, waghalsig und frisch. Tatsächlich, das ist Art-Rock in gut. Ein Spektakel.

Im Januar 2020 erscheint das neue COOGANS BLUFF-Album „Metronopolis“ (Noisolution) gefolgt von einer Tour, präsentiert von eclipsed Rock Magazin und Classic Rock!

Facebook
Instagram
Bandcamp
Noisolution
Magnificent Music

Es ist die 26. und letzte offizielle UK Subs Platte in ihrer alphabetischen Albumfolge, die sie 1979 mit „Another Kind of Blues“ begonnen haben, und die nun „Ziezo“ endet.

Mit dem fantastischen Line Up bestehend aus Charlie Harper am Gesang, Steve Straughan an der Gitarre, Alvin Gibbs am Bass und Jamie Oliver am Schlagzeug, ist es weiterhin das Ziel der UK SUBS ihre Fans zu begeistern und eine fesselnde Live-Show zu bieten.

Wie ein edler Wein werden die UK SUBS besser und besser.

U.K.SUBS MAIN LINE UP:
Charlie Harper – Gesang
Steve Straughan – Gitarre
Alvin Gibbs – Bass
Jamie Oliver – Schlagzeug

Der Name verrät offensichtlich ein musikalisches Konzept.
Die Climax Blues Band reduziert dieses aber nicht allein auf den Blues, sondern reichert ihn äußerst geschickt mit klassischen Bluesthemen, karibisch-maritimen Stimmungen, Up-Tempo-Rock und Jazztemperament an. Dies formt ihren unverkennbaren Sound, der sie nun schon viele Jahre durch Höhen und Tiefen begleitet und sie unverwechselbar gemacht hat.
Die Climax Blues Band steht heute für eine mit elektrisierender Schärfe gespielte Melange aus verfremdetem Blues, rhythmischem Rock, Soul und Funk.
Nun sind sie mit ihrem neuen Album „Hands of time“ zurück und zeigen uns, dass sie auch nach 50 Jahren Bandgeschichte fähig sind, absolut zu überzeugen.
Wir freuen uns sehr, dass wir die diesjährige Deutschlandtournee unter dem Motto „Hands of time“ exklusiv präsentieren können.

Ausverkaufte Konzerthallen, Headliner auf internationalen Festivals von Skandinavien bis Spanien, kreative Zusammenarbeit mit bekannten Filmregisseuren(Uli Brée, Jonas Mohr), … auf der anderen Seite eine ungebrochene Liebe zu kleinen Clubs(z.B. in Johnny Depp ́s „Viper Room“), zufälligen Events und Songs aus dem Leben.Dafür stehen Jimmy Cornett (Vocal, Guitar), Dennis Adamus (Leadguitar), Frank Jäger (Bass) und Claudia Lippmann (Drums): JIMMY CORNETT & THE DEADMEN.Eine Band, die, wie selbstverständlich,Musikrichtungen wie Southern Rock, Blues undCountry zu einemperfekten neuenSound vereinigtund nebenbei 2018 mit dem German Blues Award für das beste Album gekürt wurde.Begeisterte Unterstützer der Band sind unter anderemdie bekannten amerikanischen Schauspieler Eric Roberts und Emilio Rivera (dieser spielte in den Video „Road to Heaven“ an der Seite von Jimmy Cornett), die Musiker Willie Nelson und die Band ZZ TOP (die für ihr Frankreichkonzert die DEADMENals Vorgruppe auswählten)und die tausenden begeisterten Konzertbesucherseit der Entstehung der Band.Texte und Musik von Cornetterwecken John Steinbecks und Jack Kerouacs unbequeme Sicht auf emotionale Höhen und Tiefen des Daseins zu neuem Leben, schaffen eine Brücke zwischen Gegenwart und Vergangenheit und lassen, fernab einer digitalen Welt, wieder an die Seele der Musik glauben.

DiscografieJimmy Cornett / Jimmy Cornett & The Deadmen:
Jimmy Cornett „Rhythm of …“ (2007)
Jimmy Cornett „California Session“ (2010)
Jimmy Cornett & The Deadmen„Raise The Dust“ (2012)
Jimmy Cornett & The Deadmen „The Ride“ (2014)
Jimmy Cornett & The Deadmen„Guardian Light“ (Maxi Version) (2015)
Jimmy Cornett „Campfire“ (2016)
Jimmy Cornett & The Deadmen „Shut Up `N` Dance“ (2017)
Jimmy Cornett & The Deadmen“Live in Roth” (2018)

Guitar:
„..Musik von der Straße, dreckig, erdig….der kompakte vierer groovt unwiderstehlich“
Blues News:
„…ungehobelte Musik von der Straße ist hier angesagt…mit unwiderstehlichem Groove sowie eingängigen Melodien….“
Esslinger Zeitung:
Golgelb Festival/Aichwad
„Als Jimmy Cornett schließlich Southern Rock auf der Bühne spielte, gab es für viele kein Halten mehr. Der Platz vor der Bühne wurde zur Tanzfläche.“
Elmshorner Nachrichten:
City Blues Festival Elmshorn
„….der Hauptact des Abends, Jimmy Cornett And The Deadmen,…das Quartett um Frontmann Jimmy Cornett traf mit seiner Musik zu 100 Prozent den Nerv der Zuschauer.“
Holsteiner Allgemeine:
City Blues Festival Elmshorn
„Geheimtipp Jimmy Cornett war der große Abräumer“
DeWeZet:
Lalu/Hefehof
„….Jimmy Cornett And The Deadmen präsentierten sauberen, teilweise richtig harten Rock. ……Cornett rockte das Lalu in allerbester Manier…..“
Harburg Aktuell:
„….“Shut Up ‚N‘ Dance“. Der Aufforderung kamen die Fans im ausverkauften Marias Ballroom gern nach.
Jimmy Cornett and The Deadmen auf heimischen Boden. Mehr geht nicht. Der Ballsaal brodelt, wenn Cornett, Dennis Adamus, Bassist Frank Jäger und Drummerin Claudia Lippmann wie jedes Jahr kurz Weihnachten im Phoenix-Viertel die Bühne rocken.“
Hilpoltsteiner Volkszeitung:
Resümee zum Rother Bluesfestival 2017
„….Jimmy Cornett war echte Entdeckung und eines der Highlights des Festivals“
„Das Herz des deutschen Blues schlägt in Hamburg“
Hiltpoltsteiner Kurier:
Über Jimmy Cornett And The Deadmen bei den Rother Blues Tage 2017
„Großartige Musik, die treibt und einen keine Sekunde stillstehen oder kalt lässt.“

25 Jahre hat BIG DADDY WILSON die Welt bereist und seine Liebe zum Blues mit den Menschen überall in der Welt geteilt. 2018 ging er auf Jubiläumstour und beeindruckte die Fans in ganz Europa mit einer energiegeladenen Bühnenshow.

Die „Deep in my Soul“ Tour 2019 wird eine intime und intensive Show werden, denn er nimmt uns mit auf eine Reise in sein Herz und seine Seele. Er nimmt uns mit über den großen Teich, an den singenden Fluß in Muscle Shoals / Alabama, in das berühmte FAME Studio, wo große Legenden spielten und unvergessliche Aufnahmen von Musikern wie Aretha Franklin, Etta James, Otis Redding, Wilson Picket und vielen mehr entstanden.

Auf seiner neuen Tour singt er von den tiefsten Gefühlen in seinem Herzen, über Leid und über Freude, über das Leben und die Liebe. Wie wir im Leben durch Liebe weitermachen und daran zusammenwachsen. BIG DADDY WILSON wird seine Fans berühren mit einer unglaublichen Show, großen Momenten und einem wunderbaren Abend, der in Erinnerung bleiben wird.

Auf seiner aktuellen Tour begleitet Ihn seine Band, mit der er bereits im letzten Jahr verschiedenste Preise entgegennehmen durfte – the Goosebumps Brothers. BIG DADDY WILSON verspricht mit seiner unglaublich starken Bühnenpräsenz und seiner Ausstrahlung für unvergessliche Abende zu sorgen.

» Blues is a feeling, feel me! «

„Eine Stimme, die Autos entlackt!“

Diese Stimme klingt wie hundert Leben. Daniel Welbat singt, als hätte er Jahre in den dunkelsten Bars abgehangen und dabei all die Geschichten dieser vielen kleinen Welten aufgesogen. Roots Rock verliebt sich in Hip Hop. Jazzige Geistesblitze werden vom Blues wieder auf den Teppich geholt. Herrliche Melodien und catchy Hooks laden zum Verlieben ein und lassen einen nur schwer wieder los. Alles eingebettet in den packendem Groove seiner großartigen Band.

HEARTBEAST ist eine Hommage an Welbats große Liebe: den Film. Als Spross einer Künstler-und Filmemacher-Familie verbrachte er seine Jugend größtenteils auf Filmsets. Dieses vierte Album versteht sich als Soundtrack zu einem Film, der niemals gedreht wurde. Brennstoff für seine mitreißende Live-Performance! Diese hat der Band TV-Auftritte bei ARD, ZDF, RTL und 3SAT eingebracht und für die Teilnahme an Festivals in Memphis, Toronto und dem europäischen Ausland gesorgt. Vorläufiger Höhepunkt wird in diesem Jahr eine Kanada Tour im Juli 2019 sein. WellBad live zu erleben ist ein echtes Highlight!

Am 07.Juni erscheint das neue Album „Heartbeast“ bei Blue Central Records / Sony-Membran. Ab 18.September geht WellBad auf Clubtour in Deutschland.

Man brauchte nur in den Gesichtern der Fans vor der Bühne zu lesen und wusste gleich: So gut war das Rock-Nebelhorn aus Detroit schon lange nicht mehr.

Landauf, landab hat Mitch Ryder im vergangenen Winter schmerzgetränkte Messen der Rockmusik zelebriert. 28 Konzerte in 32 Tagen. Er kommt auf die Bühne und gibt alles. Zwei Stunden lang. Beseelt gingen die Leute nach dem Konzert heimwärts. „So würde Jim Morrison mit 71 klingen“, schrieb die ehrwürdige ZEIT, der WDR widmete dem Rock-Haudegen eine einstündige Hörfunk-Reportage und die Berliner Zeitung fragte: „Wann haben die Stones ‚Gimme Shelter’ zuletzt so hingelegt, vor dreißig Jahren vielleicht?“ Jetzt ist der Sänger mit dem lauernden Vibrato in der Stimme wieder unterwegs durch die Clubs und Säle mit einer brandneuen  CD „Stick This In Your Ear“  im Tourgepäck, „Das wird vielleicht mein wichtigstes und ganz sicher eines der besten Alben, die ich je gemacht habe“, sagt Mitch Ryder über dieses Album das den Vergleich mit seinem 1979er Meisterstücks „Naked But not Dead“ nicht zu scheuen braucht.

Seit der „Vacation“-LP und Ryders legendärem TV-Auftritt im ARD-Rockpalast sind mittlerweile 38 Jahre vergangen. Jene Vollmondnacht, jenes alptraumhaft entrückte Konzert in der Essener Grugahalle ist längst zur Legende verklärt. Für Mitch Ryder war es der Beginn seiner Beziehung zu Deutschland, die seitdem nicht abgerissen ist. Jetzt auf 3 -fach CD und Doppel – DVD !

„Diese Nacht war für mich eine Chance“, sagt er heute, „wie man sie vielleicht nur einmal im Leben hat.“ In Amerika wollen seine Fans vor allem die Uralt-Hammerhits aus den Sechzigern hören. „In Europa mache ich völlig andere Musik“, sagt Ryder. „Hier erlaubt man mir, Künstler zu sein. Deshalb liebe ich Europa.“ Seit nunmehr 23 Jahren ( 452 Konzerte ) wird er in Europa von der ( Ost) – Berliner Band Engerling begleitet.

„Schwitzend, schluchzend und schreiend irrt er durch die fiebrigen Sümpfe seiner Songs, verbeißt sich in die Wörter, saugt sie ein und stößt sie wieder aus, jedes Wort ist eine Waffe. und sein Gegner, das ist er selbst.“ – Berliner Zeitung

„Als ich mein Comeback versucht hab‘, war’s mir völlig egal, ob ich damit Geld verdiene oder nicht. Es war, als ob Du eine alte Geliebte anrufst und sagst, Hey Schatz, da bin ich wieder. Und sie war da. Sie hatte schon auf mich gewartet.“ – Mitch Ryder im WDR

„Dann steht er oben am Mikro. ‚Good evening, ladies and Gentlemen’, sagt er nur, mit einer Stimme, die geradewegs aus den Tiefen der Hölle zu kommen scheint. ‚My name is Mitch Ryder, I’m from Detroit.’ Und plötzlich ist alles gut.“ – Wirtschaftsmagazin brand eins

„Ryders größtes Talent ist Dynamik, die Stille hinter dem Schrei. Bodag beorgelt die blauschwarze Messe, Manne Pokrandt basst fett, die Gitarristen Heiner Witte und Gisbert Piatkowski halten Ryders schwere Lok unter Dampf und auf doppeltem Gleis. Wie betäubt ballt sich das Volk im heißen Qualm.“ – DIE ZEIT

Just can’t get enough Depeche Mode?

Sogar Johnny Cash und Marilyn Manson coverten die erfolgreichste Synthie-Pop-Gruppe aller Zeiten. Aber wer führt die Hits in der Originalversion live auf, wenn nicht Depeche Mode selbst?

Remode ist die angesagteste Depeche Mode Tributeband aus Deutschland. Keine andere reicht so nah an die Power und Leidenschaft der Jungs aus Basildon heran wie diese Band aus Bielefeld.

Was im Januar 2006 zunächst als Fan-Projekt für ein einziges Konzert auf einer Depeche Mode Party geplant war, sollte sich kontinuierlich weiterentwickeln. Die Resonanz der Zuschauer beim Bühnen-Debut war seinerzeit so groß, dass man sich kurzerhand dazu entschied, das Projekt Remode weiter auszubauen und zu perfektionieren. Mit dem Konzept „Das Original ist der Gral“ und einem handgemachten Fundament aus Bass, Gitarre und Schlagzeug erspielte sich Remode schnell eine treue und stets wachsende Fangemeinde.

Die Erfolgsgeschichte von Remode fand bereits 2007 ihren ersten Höhepunkt. So titelte das Musikmagazin Subway Remode zur „Europas besten Depeche-Mode-Tribute-Band“. Gefeiert wurde das mit einem Konzert in der Braunschweiger Volkswagenhalle vor über 4000 begeisterten Besuchern. Mit einer beeindruckenden Bühnenpräsenz und bestechender Authentizität brachte Remode ab diesem Zeitpunkt auch die kritischsten Stimmen schließlich zum Mitsingen. Von Depeche Mode erwartet die Fangemeinde viel, von einer Tributeband ungleich mehr. Dieser Herausforderung stellt sich die Band ohne Kompromisse.

Kommando zurück. SAGA lösen sich nicht auf. Was im Januar 2017 noch wie ein offizieller Abschied klang, ist Geschichte. Es war lediglich ein Missverständnis, sagt Michael Sadler, Sänger der Neo-Progrocker: „Wir wollten bloß aus dem üblichen, jahrzehntelangen Album-Tour-Album-Rhythmus heraus. Nach über 40 Jahren war es an der Zeit, ein wenig Luft zu holen. Wir sind glücklicherweise in der Lage, uns auszusuchen, wann wir spielen wollen. Es muss Spaß machen und sich nicht wie ein Job anfühlen, auf die Bühne gehen zu müssen. Dabei geht es auch nicht um Geld. Wir haben nie konkret formuliert, dass wir uns auflösen werden, dazu sind wir auch noch immer viel zu kreativ.“ Und füllen auch hierzulande vor allem noch immer die Hallen.

Zuletzt in diesem Sommer. Deutschland und SAGA, das ist eine Verbindung, die schon von Beginn an eine besondere war. Sadler spricht nicht umsonst von „unserer zweiten Heimat“, der 65-Jährige lebte in den Neunzigern sogar einige Jahre lang in Saarbrücken. Gitarrist Ian Crichton, neben seinem Bruder Jim (b) und Sadler Gründungsmitglieder der Kanadier, wird in einem Interview sogar zitiert, für SAGA habe „alles in Deutschland angefangen“. Sadler weiß auch, warum: „Die zahlreichen TV-Auftritte und der Gig bei ‚Rock am Ring‘ 1985 waren sicherlich ein Grund dafür, warum wir in Deutschland unsere gesamte Karriere lang so erfolgreich gewesen sind. Aber natürlich darf man die allererste Tour im Juni 1980 im Vorprogramm mit Styx nicht vergessen. Deutschland war das erste Land, das uns mit offenen Armen empfangen hat. Nicht zu vergessen Puerto Rico, wo wir ebenfalls richtig erfolgreich sind.“ Unterschiedlicher könnten ihre Hochburgen nicht sein, einen Grund dafür kann Sadler auch nicht benennen: „Am Anfang ist es doch so, dass man eine Band gründet, Songs schreibt, sie aufnimmt und auf den Markt bringt. Dann hofft man, dass sie irgendjemanden interessieren. Und in den beiden Ländern war und ist das der Fall.“

Es gibt Theorien, der damalige Wechselkurs des kanadischen Dollar habe die Importe nach Europa so billig gemacht, aber Sadler wiegelt ab: „Das mag ein Grund gewesen sein, aber letztendlich haben wir so viele Importe verkauft, dass Polydor damals gar nicht anders konnten, als uns unter Vertrag zu nehmen. Dasselbe passierte in Puerto Rico, wobei dort die Live-Präsenz entscheidender war.“ Davon konnten sich auch die Zuschauer der Styx-Tour im Sommer 1980 überzeugen. Sadler erinnert sich noch gut an die erste Show in Nürnberg am 5.6.in der Hemmerleinhalle: „Unser Manager hatte uns vorher gesagt, dass wir schon viele Fans in Deutschland hätten; für die war das Package natürlich musikalisch ein Traum, beide Bands passten gut zueinander. Ich war nervös an dem Abend, denn wir hatten eine Setlist, die mit ‚Ice Nice‘ begann. Du spielst das erste Mal in einem Land und fängst mit einem, zumindest in der ersten Hälfte, langsamen Song an. Aber es hat funktioniert. Der Styx-Manager stand auf der Bühne neben unserem und meinte nach der Show, als wir Standing Ovations bekamen, dass das Ganze wohl nicht funktionieren würde. Die Band sei zu gut. Da wusste ich, dass sich alle Mühen vorher gelohnt hatten und wir eine Zukunft haben.“

In der haben SAGA dann weltweit bis heute von ihren 21 Studio- und 9 Live-Alben 10 Millionen Exemplare verkauft und über 1000 Konzerte in Nord- und Südamerika und Europa gespielt. Und das Ende ist nicht in Sicht. Ein anderer Grund für die enorm loyale Fan-Basis in Deutschland waren auch die von Sadler erwähnten TV-Shows; in einer Prä-Internet-Zeit, in der MTV noch nicht so präsent war und Rock-Konzerte im TV Ausnahmen darstellten. Neben dem ARD-‚Rockpalast‘ waren es vor allem die ‚Rock Pop In Concert‘-Aufzeichnungen im ZDF, die für Furore sorgten. Die Sendung vom 19.12.1981 mit Foreigner, Meat Loaf, Spliff und eben SAGA gilt als eine dieser Sternstunden der Rockhistorie hierzulande. „Wir mussten als letzte auf die Bühne, hatten eine knappe Stunde und die haben wir genutzt. Danach war alles anders.“ Ändern würde er im Nachhinein bis auf sein damaliges Outfit (Lockenkopf, Schnurrbart) nichts, schmunzelt der inzwischen kahlköpfige Sänger. „Mein elfjähriger Sohn hat mir alle meine Veränderungen in den letzten 40 Jahren verziehen, aber mein Aussehen damals mag er überhaupt nicht“, lacht er.

Was sich ebenfalls nicht geändert hat, ist Sadlers Stimme. Im Gegensatz zu den meisten anderen Sängern seines Alters klingt der 65-Jährige wie vor 40 Jahren. Woran liegt das? „Ich habe im Kirchenchor angefangen, benutze eher Bauch- statt Kopfstimme. Zweitens bin ich Alkoholiker und seit 19 Jahren trocken. Seit meinem letzten Drink ist die Stimme noch besser geworden. warum auch immer. Das Ganze sehe ich als Segen, der mir ermöglicht, meinen Traumjob auch noch im Rentenalter auszuüben. Wer kann das schon von sich behaupten? Ich reise durch Länder, die viele niemals sehen werden und werde noch dafür bezahlt!“ Er habe niemals den Respekt vor dem Glück verloren, das er mit SAGA im Laufe der langen Karriere gehabt habe. Er mag das Touren und die damit verbundene Routine noch immer, aber „wenn man zu lange von der Familie getrennt ist, macht es keinen Spaß.“

Das sei auch der Grund für seinen zeitweiligen Ausstieg 2007 gewesen, er wollte seinen Sohn aufwachsen sehen. „Ich hätte sonst zu viele erste Male verpasst.“ Von denen hat er mit SAGA allerdings auch einige erlebt: Original-SAGA-Drummer Steve Negus war einer der populären Pioniere der elektronischen Simmons-Drums, ohne die die Achtziger-Popmusik wohl niemals so geklungen hätte; SAGA spielten am 14.2.1982 in Budapest als erste kanadische Band überhaupt in einem Ostblockland; das teilweise in München mitgeschnittene Live-Album „In Transit“ von 1982 war das erste digital aufgenommene (Produzent: Dieter Dierks); SAGA waren eine der Hauptattraktionen des allerersten ‚Rock am Ring‘-Festivals am 26.5.1985; SAGA starteten ihre „Heads Or Tales“-Tour am 29.9.1983 in Suhl/DDR, der Gig wurde komplett im TV übertragen. „Damals haben wir dort drei Tage für die Europatour geprobt. Ich konnte nicht glauben, wie anders die DDR damals war. Die Fans haben unseren Müll nach Coca Cola-Dosen durchwühlt, weil sie keine westlichen Produkte bekamen. Wir hatten von den Zuständen gehört, aber wenn du es mit deinen eigenen Augen siehst, ist das schon beeindruckend.“ Apropos: Ein weiteres historisches Datum deutscher Geschichte konnten SAGA ebenfalls live erleben: „Wir waren in Berlin am 9.11.1989, als die Mauer fiel. Wir alle konnten kleine Stücke davon mit nach Hause nehmen. Das werde ich nie vergessen.“

Ein weiteres einschneidendes Erlebnis für Sadler waren die Arbeiten an Ozzy Osbournes Album „No Rest For The Wicked“ 1988. „Der Produzent Keith Olson hatte ursprünglich Howard Kaylan und Mark Volman, die beiden Sänger der 60er-Popband The Turtles, vorgesehen, aber das klappte nicht. Da Jims Studio nebenan lag, fragte er mich, ob ich einspringen könnte. Also habe ich dann Texte wie ‚Crazy Babies‘ gesungen; es dauerte 2 oder 3 Tage. Ein Job, für den ich viel Geld, aber keine Credits auf dem Album bekommen habe.“ Bei SAGA liegt die Sache anders: Es ist eben kein Beruf, sondern eine Berufung für Sadler, jeden Abend mit den Crichton-Brüdern, Keyboarder Jim Gilmour und Drummer Mike Thorne auf der Bühne zu stehen. Der Lohn dafür sei nicht das Geld, sondern eine Bezahlung der anderen Art: „Wenn du nach einem Konzert von einer 17-Jährigen angesprochen wirst, die von ihrem Vater seit ihrem sechsten Lebensjahr auf SAGA-Konzerte mitgenommen wird und die jeden Song deiner Band kennt, dann musst du etwas richtig gemacht haben, oder?“

Aus diesem Grund wird es auch zur kommenden Tour im Frühjahr 2020 ein neues Album von SAGA geben, allerdings möchte Sadler noch nichts Genaues dazu sagen, außer „dass das aufmerksame deutsche Publikum schon wissen wird, wovon ich spreche.“ Diese Loyalität wird belohnt, alle letzten neun SAGA-Alben landeten in den oberen Rängen der deutschen Charts, das letzte, „Sagacity“ (2014) auf Platz 17, der Vorgänger „20/20“ (2012) auf Platz 13. „Es scheint, dass wir in den letzten Jahren eine Art Renaissance widerfahren haben, dass unsere Musik auf einmal von vielen wieder neu entdeckt und gewürdigt wird. Wahrscheinlich liegt es daran, dass wir live noch nie so gut waren.“ Warum sich also auflösen? Sollte es doch passieren, wie möchte Sadler seine Band erinnert wissen? „Wir waren ehrlich zum Publikum und zu uns, haben keine Kompromisse, nie Musik um der Charts willen gemacht. Ich höre auf, wenn es sich wie ein Job anfühlt, auf die Bühne zu gehen. Musik werde ich aber bis zum Ende machen, denn das ist das, was mich ausmacht.“

Jörg Staude (Classic Rock, Rock Hard)

Wer es wagt, sich an das Material der kanadischen Prog Rockband RUSH heranzutrauen, muss schon ein großes Vertrauen in sein musikalisches Können haben.
Die drei Mitglieder der italienischen Band LA VILLA STRANGIATO haben genau das! Die aus Rom stammende Band, benannt nach einem alten RUSH Titel, wurde 2010 von Gabriele Ferrari und Carlo Fattorini gegründet. Seither ist es ihr Anliegen, die Songs aus der Zeit der größten Popularität von RUSH, in den 70er und 80er Jahren, wieder zu beleben.
In den letzten Jahren haben die drei Italiener ihr Programm stetig weiterentwickelt und hinterließen auf vielen Shows begeisterte Fans Im aktuellen Programm Permanent Changes für 2020 stellt sich die Band der Herausforderung das gesamte Album Permanent Waves und eine faszinierende Auswahl an Songs, die RUSH seit damals nicht mehr gespielt hatte darzubieten. Sie
liefern damit endgültig den fulminanten Beweis als einzige Band in Europa fähig zu sein, das komplexe Material von RUSH zu spielen.

Endlich… The Time Bandits are back in town.

Die legendäre TB-Bandparty kann nach zweijähriger Abstinenz wieder steigen! Wir freuen uns, Euch mit Mathias Henke unseren neuen Drummer vorstellen zu können und Euch wieder Cover Rock vom Feinsten zu bieten. Das heißt? Die geballte Power, der präzise Druck und die volle Spielfreude unserer 12-köpfigen All-In-Besetzung. Mit exzellenten Vokalist/inn/en wie Michael „Momo“ Grimm, Katja Gutowski und Anja Kinkela. Dazu die Pustefix-Bläser um Klaus Dapper und unsere drei Luxus-Gitarristen. Komplettiert werden die Banditen durch groovige Drums, treibende Bässe und harmonische Keys.

Wir freuen uns darauf, Euch einen unvergesslichen und schweißtreibenden Abend mit Rock- Klassikern der letzten vier Jahrzehnte zu präsentieren – Eure Time Bandits.

Die populäre und mit Preisen ausgezeichnete Band bringt ein neues Album an den Start: „Come On In“. Intensiv wie gewohnt, lässt es auch Raum für Melancholie. In über 1.000 Konzerten in 21 Ländern hat diese dynamisch swingende und hochgelobte Formation das Publikum zum Lächeln und zum Tanzen gebracht. Denn das kann der Blues: die Probleme des Lebens mit seinen Grooves vertreiben. Der Frontmann weiß dies besser als viele andere, und auf dem zehnten Album – mit seinem einladenden Titel „Come On In“ – geht er Themen wie sein eigenes Alter oder die politische Realität an.

In diesem Sinne symbolisiert der Titel alles, wofür Thorbjørn Risager & The Black Tornado stehen. Dazu Thorbjørn: „Einige Leute meinen, der Blues sei traurig, weil er nach der Farbe der Melancholie benannt und aus der Musik der Sklaven in den USA entstanden ist. Aber man muss bedenken, dass dies eine Musik war, zu der sich die Leute versammelten, wenn sie die Mühen ihres Alltags vergessen wollten. Der Blues wurde bei festlichen Anlässen gespielt und war Tanzmusik. Und diese Tradition würde ich gerne weiterführen: eure Probleme durch unsere Musik erträglicher zu machen, damit ihr mit einem Lächeln auf euren Lippen nach Hause gehen könnt.“

Auch 2019 arbeiten die Musiker noch immer auf die gleiche Art und Weise, wie sie begonnen haben. Thorbjørn Risager sitzt zu Hause mit seiner akustischen Gitarre und entwickelt die Grundstruktur eines Songs, bevor sie ins Studio gehen, wo die anderen Vorschläge für Grooves, Basslinien, Bläsersätze, Backgroundgesang oder Fills machen. All das ergibt einen Sound, der einem das Gefühl gibt, alles drehte sich um Risagers Stimme.

Ihr undogmatischer und innovativer Umgang mit dem Blues kombiniert diesen mit Elementen aus anderen Genres wie Funk, Gospel, Soul oder Rock’n’Roll. Dabei hängt alles vom Feeling und der Ausrichtung des jeweiligen Songs ab. Eine weitere Nuance steuern auf dem neuen Album die melancholischen Songs mit akustischer Gitarre bei. Das hat sich instinktiv so ergeben, da sein Blues hier reflektiert, wo Risager aktuell in seinem Leben steht.

„Der Blues gibt mir die Möglichkeit, Dampf abzulassen. Und dieses Mal habe ich einige Songs geschrieben, in denen es um meine Zweifel geht, ob ich in meinem Leben alles richtig gemacht habe. Allerdings geht es bei meinem Songwriting auch immer um das Licht am Ende des Tunnels. Was wiederum bedeutet: die Zähne zusammenbeißen und sagen: ‚Ich mache einfach weiter’.“

„Never Givin’ In“ ist genau so ein Song, während es in „Last Train“ um die Problematik geht, sich zu sehr mit sich selbst zu beschäftigen. „Nobody But The Moon“ zeigt Thorbjørn Risagers selten artikulierte politische Seite, wenn dort die Frage gestellt wird: Wer hat die Kinder gesehen, die im Mittelmeer ertrunken sind, und wer hat ihre Schreie gehört? Worauf als Antwort folgt: Niemand außer dem Mond.

Bei aller Ernsthaftigkeit betont der Titelsong „Come On In“ das erbauliche Gefühl der Gemeinsamkeit, das Thorbjørn Risager & The Black Tornado schaffen wollen. Hier geht es um eine Bar, wo jeder willkommen ist, und Risager hat den Song mit der Kopenhagener Mojo Blues Bar im Hinterkopf geschrieben. Denn: „Dort sind wir groß geworden und viele von uns haben ihre Freundinnen da kennengelernt.“

Einige Bands schaffen den Durchbruch und das war es dann auch schon. Andere geben auf, wenn sich der Erfolg nicht schnell genug einstellt. Und dann gibt es noch diejenigen, die sich mit Leib und Seele dem Musikmachen verschrieben haben und die beständig an Popularität gewinnen, indem sie ihre hohen Standards über die Zeit beibehalten. Zu dieser letzten Kategorie zählen auch Thorbjørn Risager & The Black Tornado. Sowohl in Dänemark als auch im Ausland wird man sich immer mehr der Explosivität ihrer Konzerte bewusst, in denen Gitarre, Bass, Schlagzeug, Orgel und Bläser Risagers kraftvolle Stimme umkreisen, die Kritiker bereits zu Vergleichen mit Ray Charles und Joe Cocker angeregt hat.

Den Blues hat Thorbjørn Risager im Blut, seit er als Zehnjähriger etwas für ihn absolut Magisches gehört hat. Bei ihm zu Hause in Jyllinge legten seine Eltern, die beide Musik unterrichteten, nur Klassikplatten auf, aber im Nachbarhaus eröffnete sich ihm eine neue Welt. Thorbjørn war noch zu jung, um die Wurzeln dieser Musik zu verstehen, all das Elend und den großen Schmerz, aber eben auch die Euphorie, wenn man sich diesen aus dem Hals sang. Er wusste lediglich, dass er sie zu sich nach Hause mitnehmen musste. Also besorgte er sich Kassetten mit dieser exotischen Musik und schlief über Jahre hinweg zu den Sounds von Fats Domino und Muddy Waters ein.

In an era where pedalboards, laptops and samples have become commonplace, Eric Steckel goes against the grain and harkens his listeners back to the days when great guitars were played loudly through great amps. Hailed by many as the top rising star of Blues/Rock, Eric delivers a powerhouse performance that has left audiences in 25 countries (and counting) mesmerized. He brings an energy and passion to the stage that never disappoints and is a must see for fans of vintage guitar rock.

Few young guitarists can improve on Eric Steckel’s impressive resume. Eric’s debut CD, „A Few Degrees Warmer“, was recorded live in April 2002 when he was just 11 years old. It wasn’t long until he appeared at the 2003 Sarasota Blues Festival where Eric’s powerful set became the talk of the day. Before the night was over Eric was introduced by British Blues/Rock legend, John Mayall as the youngest guitarist ever on stage with the Bluesbreakers. Eric left a lasting impression on Mayall and, in 2004 Mayall invited Eric to appear in Sweden, Norway and Denmark during The Bluesbreakers’ Scandinavian Tour. In early 2005, Eric traveled to Los Angeles where he joined Mayall for session work on the „Road Dogs“ record.

Eric then spent the following years filled with marquee festival dates and sold out concert tours in Holland, Germany, Belgium and Italy. He opened for Johnny Winter at The Paradiso in Amsterdam, thrilled audiences at the Tegelen Bluesrock Festival and shared the prime-time bill with Gregg Allman at the legendary Pistoia Blues Festival.

Throughout his teens and young adulthood, Eric released several critically acclaimed live and studio albums. 2006’s „Havana“ was a hit among Blues guitar lovers and tracks from this album are still featured often on SiriusXM’s Bluesville station. 2008’s „Feels Like Home“ featured the talented Duane Trucks on drums and recalled the 70’s southern rock era. Hits from this album such as „The Ghetto“ and „Just Walk Away“ receive regular airplay to this day. In 2012, after years on the road, Eric entered the studio once again to record a powerful modern Blues record. „Dismantle The Sun“ emerged. In 2015, Eric embarked on a quest to record a fully transatlantic studio album with some of the finest producers, engineers and musicians he knew. This led to „Black Gold“ being recorded in both Nashville, Tennessee and Amsterdam, Netherlands. Eric’s current album „Polyphonic Prayer“ is his most successful album to date and features Eric on every instrument besides the drums.

Road-tested and seasoned from 20+ years on stage and in the studio, Eric delivers his signature blend of Bluesmetal worldwide to appreciative guitar lovers in 25 countries and counting.

Eric has been featured in Top Guitar Magazine, Guitar World Magazine, Classic Rock Magazine, Blues Rock Review Magazine, Maxazine, Nightwatcher’s House of Rock, The Allentown (PA) Morning Call, The Doylestown (PA) Intelligencer, The Philadelphia Inquirer, The (NY) Times-Herald Record, Music Head Magazine, The Warren (NJ) Reporter Forum, The Easton (PA) Express, The Bridgewater (NJ) Courier Times, The Sarasota (FL) Herald-Tribune, the Lancaster (PA) Sunday News and The Florida Times Union. International press includes features in the Haagshe Courant, De Telegraaph, BluesMagazine (NL) and a MusikMaker (NL) feature. Eric was also featured in a Comcast CN8 TV News Extra and he has appeared on NBC 10 in Philadelphia, Comcast CN8, Fox Philadelphia, SNN6 in Sarasota and Reuters TV.

BOUNCE ist zweifelsohne die authentischste BON JOVI Tribute Band Europas!
Zur Zeit tourt die Band mit Ihrer 15-Years Tour durch ganz Deutschland und das angrenzende Europäische Ausland. In den mehr als 15 Jahren ihres Bestehens hat die Band in so ziemlich jedem angesagten Club, jeder Konzerthalle, bei einschlägigen Festivals sowie auf Open Air Shows alles „abgeräumt“: Die Herzen der Zuschauer, zufriedene Gesichter, ekstatische Fangesänge – sprich: Ein restlos begeistertes Publikum… und das in beständiger Besetzung!
Dreh- und Angelpunkt dieser energiegeladenen Show ist der charismatische Sänger und Frontmann Olli Henrich. Er steht dem Original in nichts nach und wurde wegen seiner unglaublichen Stimme von der Presse sogar schon als „der bessere Bon Jovi“ gehandelt („so echt klingt noch nicht mal der wirkliche Jon Bon Jovi…“)
Der Band geht es nicht darum, als “Double“ oder “Look-alike“ aufzutreten. BOUNCE bringen mit eigener Note und trotzdem originalgetreuen Sounds und Arrangements das nahezu unerschöpfliche Repertoire aus fast 30 Jahren BON JOVI auf die Bühne:
Welthits, die Rockgeschichte geschrieben haben, Rocksongs, die an Power nicht zu überbieten sind, und Balladen, bei denen nahezu jeder Musikliebhaber dahin schmilzt. Vom ersten Hit „Runaway“ über All-Time-Favourites wie “You Give Love A Bad Name”, “Livin’ On A Prayer”, “Keep The Faith”, “Bed Of Roses”, “It’s My Life” oder “Have A Nice Day” bis hin zu aktuelleren Songs wie “We Weren’t Born to Follow” wird wirklich nichts ausgelassen!
Mit viel Liebe zum Detail, typischen Posen – die niemals aufgesetzt wirken – und unzähligen Originalinstrumenten erspielen sich BOUNCE nach wie vor einen immer größer werdenden Kreis an Fans, die mitunter mehrere 100 Kilometer Fahrt auf sich nehmen, um die spektakulären Shows von BOUNCE zu erleben.
Nicht nur eingefleischte Bon Jovi Fans attestieren BOUNCE, die “No. 1 Bon Jovi Tribute Band“ zu sein.
Viele sind erst wegen BOUNCE zum Bon Jovi Fan geworden…!

Mit großem Stolz, präsentiert MAXIMUM Booking, dass Joe Satriani & Steve Vai Bassspieler STU HAMM mit seiner Band für Konzerte in Februar / März 2020.

Stu Hamm:  bass
Felix Dehmel:  drums
Torsten de Winkel (https://en.wikipedia.org/wiki/Torsten_de_Winkel):  guitar

Felix Dehmel is a professional drummer from Hamburg, Germany. After studying at the Drummer’s Collective in New York City, Felix has build a reputation all across Germany and Europe.  Despite his young age (born in 1993), Felix has performed and/or recorded with Marcus Deml, Dan Patlansky, Vladyslav Sendecki, Gary Campbell, Marshall Keys, Rocket Men, The Blue Poets, Leon Gurvitch, Omar Rodriguez Calvo, San Glaser, Ingolf Burkhardt, to name a few. He has perfomed extensively all over Europe and has played some of the biggest festivals in Europe (JazzBaltica, Elbjazz, Fusion Festival, and many more) as well as teaching workshops in his home country.

Das ist die Show auf die die Fans seit langem warten!

Die Show beinhaltet Material aus Stu Hamm´s gesamter Karriere sowie Repertoire das er gemeinsam mit Steve Vai, Joe Satriani, Eric Johnson und Frank Gambale aufgenommen hat!

Meist bekannt für seine Arbeit mit den besten Gitarristen diese Generation, gibt Stu Hamm die Show auf die die Fans seit langem warten!  Stu wird seine bekanntesten und beliebtesten Songs, Die er mit Vai, Satriani, Eric Johnson und Frank Gambale aufgenommen hat, präsentieren. Die Setliste wird u.a. den Bahnbrechenden „Attitude Song“ beinhalten welchen er mit Vai auf dem Album Flex Able aufgenommen hat sowie das funky Stück „Animals“ vom Album Passion and Warfare.  Nicht fehlen darf natürlich „The Greatest Bass Solo Ever“ (https://www.youtube.com/watch?v=nnq3ZW6OyTI), und auch die innovative Tapping Bass Linie Melodie von Satch´s „Always with me.  Always with you.“  Stu greift tief in Satch Album Diskografie und spielt u.a. „Memories“ von Dreaming #11 was die Fans begeistern dürfte!  Die Zuschauer können Stu´s Hit mit Eric Johnson „Lone Star“ erwarten, sowie seine bekanntesten und rockigsten Songs von Hamm´s eigenem Katalog. Nicht zu vergessen seine Werke die er mit Frank Gambale als Mitglied von Gambale/Hamm/Smith aufgenommen hat.

Erwarte die Hits sowie Überraschungen!

PHYSICAL GRAFFITI performen 50 Jahre LED ZEPPELIN´s Klassiker Alben I & II

PHYSICAL GRAFFITI – Schon zahlreiche Bands haben versucht die Songs von Led Zeppelin so originalgetreu wie möglich wiederzugeben und zu interpretieren, doch nur wenige waren wirklich erfolgreich. Im Jahre 1997 änderte sich dies allerdings. Die Band Red Stuff, die hauptsächlich Songs aus den siebziger Jahren spielte, wurde von ihren Fans aufgefordert ihr Led Zeppelin Repertoire auszuweiten, was zur Gründung einer der wahrscheinlich besten Tribute-Bands – namens Physical Graffiti– führte.

Der Name Physical Graffiti ist gleichzeitig Titel des 1975 erschienenen Albums von Led Zeppelin, wodurch ein direkter Bezug zur Originalband hergestellt wird, denn wenn dieses Stichwort fällt, weiß jeder Rockfan, was und vor allem wer gemeint ist. Letztere sind in gewisser Weise Vergangenheit, doch ihr musikalisches Erbe wird mit großem Stolz und Leidenschaft von Physical Graffiti am Leben erhalten.

Jedes Bandmitglied weißt einen enormen musikalischen Background auf. Der englische und in Holland lebende Sänger Andrew Elt beispielsweise spielte bereits in Bands wie Gin On The Rocks, Sleeze Beez und tourt mit dem Gitarrenvirtuosen Walter Trout. Dort fungierte er zunächst als Tour-Manager, später stand er gemeinsam mit der Band auf der Bühne und gab sowohl sein gesangliches als auch instrumentales Können zum Besten. Generell ist Andrew Elt als ein sehr gefragter Sänger für Rocksessions, denn mit seiner Stimme vermag er die originären Tonlagen von Bands wie Led Zeppelin, Deep Purple, Guns N’ Roses, AC/DC, Van Halen usw. verblüffend gut nachempfinden.

Der irische Bassist Dave Harrold brachte sich das Gitarre spielen selbst bei, widmete sich jedoch relativ schnell dem Bass und stellte mit diesem sein Können in den holländischen Bands Re-Experience, Clemens V.D. Ven Band und Boerenleenband unter Beweis. Schließlich hat er noch die Mandoline in sein Repertoire aufgenommen, womit er seine Kollegen von Physical Graffiti bei einigen wundervollen Led Zeppelin Akustik-Nummern in typischer John Paul Jones-Manier begleitet.

Der Gitarrist Daniel Verberk begann mit 11 Jahren mit diesem Instrument, arbeitete später als Backline-Techniker für Vengeance, war daraufhin Gitarrist in den Bands Heavy 70’s und The Moon und tourte seit 2006 als Stagemanager und Backline-Techniker für diverse internationale Acts.

Jan Gabriel ist der Schlagzeuger von Physical Graffiti. Seit langer Zeit tourt er mit seiner Big Band durch die USA und Europa. Zudem unterstützt er u.a. Bands wie die Guano Apes auf der Bühne. Ferner ist er in unterschiedlichen klassischen Orchestern aktiv und als Lehrer betreut er das Projekt Band Apart, in dem Quentin Tarantino´s Filmmusik gespielt wird.

Physical Graffiti zeigen auf der Bühne ihr großes künstlerisches Talent, indem sie gekonnt die Songs von Led Zeppelin interpretieren. Physical Graffiti rocken!

Line Up:
Andrew Elt: vocals
Dave Harrold: bass, violin
Daniel Verberk: guitars
Jan Gabriel: drums, percussions
Remco Van Zandvoort: keyboards

Curse Of Lono’s cinematic blend of harmony-laden Americana and gothic alt-rock has earned them two Top 10 albums in the Official UK Americana Charts in eleven months and saw them receive the prestigious Bob Harris Emerging Artist Award at the 2019 UK Americana Awards in January.

Curse Of Lono, who formed in London in 2015, are Felix Bechtolsheimer (vocals, guitar), Joe Hazell (lead guitar and vocals), Dani Ruiz Hernandez (keys and vocals), Charis Anderson (bass and vocals) and Neil Findlay (drums).

The five-piece has toured extensively in the UK and around Europe, both as a headline act and as support to artists like Steve Earle, Samantha Fish, Chuck Prophet, Southside Johnny & The Asbury Jukes, David Ramirez and Alabama 3. The band made their US debut at the SXSW Music Festival in March this year and returned to the US in September for performances at AmericanaFest and at the Rhythm & Roots Reunion Festival in Bristol, TN. They will be heading out on a 10-date UK headline tour in October.

Curse Of Lono were the subject of the short documentary ‘Somewhere In Their Heads’ (2018), which won Best Short Documentary at numerous international film festivals, including the LA Edge Film Awards, the Hollywood Sun Awards, the Changing Face International Film Festival in Sydney, the Oniros Film Festival in Rome, Feel The Reel International Film Festival in Glasgow, the Mindfield Film Festival in New Mexico, The New Renaissance Film Festival in Amsterdam and the Calcutta International Cult Film Festival in India.

The band have released three albums and one EP and they are currently working on their next studio album, which will be recorded at the beginning of next year.

In Dudley Taft Familienstammbaum findet man die Namen von US_Senatoren, Gouverneuren, ja sogar von einem US-Präsidenten. Dass sich Taft Jr. beruflich ganz anders orientierte, gereicht ihm zu Ehre. Statt in Familientradition eine politische Karriere einzuschlagen, gründete Dudley in der Highschool gemeinsam mit Gitarrenwizard Trey Anastasio (Phish, Grateful Dead) seine seine erste Band. Später, in Seattle lebend, und vom Grunge inspiriert, schaffte Taft mit Bands wie Sweetwater und Second Coming sogar den Sprung in die US-Charts und tourte mit Alice in Chains, Monster Magnet, Lenny Kravitz und anderen Größen.

Seit einigen Jahren hat sich Taft jedoch dem Blues verschrieben, die Inspiration durch T-Bone Walker, Albert und Freddie King, Buddy Guy, Stevie Ray Vaughan, aber auch der Einfluss von Link Wray und Surf-König Dick Dale haben Spuren hinterlassen. Und da ist natürlich Seattles Gitarrengott Jimi Hendrix, auch an ihm kam Taft nicht vorbei. Aus der Melange unterschiedlichster Einflüsse entwickelte der inzwischen knapp über 50-jährige Gitarrist und Sänger seinen eigenen Stil.

Wenn man den bärtigen Taft sieht, der eher wie ein Outlaw aussieht, wenn man die ersten Riffs hört, dann erwartet man eigentlich einen Typen mit rauer, whiskeygeschwängerter Reibeisenstimme. Doch der optische Eindruck leitet in die Irre, denn als Sänger klingt der Amerikaner eher feinfühlig, gefühlvoll.

Dass Dudley Taft zudem ein versierter Gitarrist ist, steht völlig außer Frage. „Bestaunens-werte handwerkliche Finesse“ bescheinigen ihm Fans und Musikmedien gleichermaßen, und – wenn er mit seiner Band auf der Bühne steht – „ansteckende, höllisch groovende Leidenschaft“. Taft live, das ist ein kraftvoller, kerniger, rotziger Trio-Trip, der freudetrunken auf der Schwelle zwischen bedächtig-sphärischem Bluesrock und halsbrecherischem Rock taumelt.

Im Frühjahr 2020 ist der virtuose Bluesrock-Zauberer aus Cincinnati, Ohio, einmal mehr mit seiner Band auf Tour um genau dieses Feuerwerk erneut zu zünden. Muss man erlebt haben!

Auch wenn er völlig zu Recht zu den anerkanntesten Künstlern der zeitgenössischen Bluesszene gehört, zählt für Mike Zito vor allem, dass er sich seine Aufrichtigkeit, Authentizität und Integrität bewahrt. Diese Eigenschaften waren von Anfang an für seine Karriere von herausragender Bedeutung und prägen auch weiterhin Zitos musikalisches Schaffen.„Ich habe nichts zu verbergen, und es scheint so, dass die Leute vor allem meine Aufrichtigkeit schätzen“,sagte er einmal der Zeitschrift Vintage Guitar.„Anders(Osborne) hat mir schon früh geraten: ‚Wenn du nicht an das glaubst, was du singst, wirst du nie ein guter Sänger sein.’ Ich versuche, kein belangloses Zeug zu schreiben; bei mir zählt jedes Wort.“Auf seinem neuen Album –seinem 16. insgesamt –, das in diesem November bei Ruf Records erscheint und den selbsterklärenden TitelRock’n’Roll: A Tribute to Chuck Berryträgt, geht Zito noch einen Schritt weiter, auch wenn es zugleich eine Rückkehr zu seinen Wurzeln darstellt. Das Album enthält 20 Chuck-Berry-Klassiker, die von Zito und einem beeindruckenden Aufgebot an Gastgitarristen interpretiert werden, darunter Joe Bonamassa, Walter Trout, Eric Gales, Robben Ford, Sonny Landreth, Luther Dickinson, Albert Castiglia, Anders Osborne und last, but not least Chucks Enkel Charles Berry III.Selbstredend gehörten Geduld und Durchhaltevermögen von Anfang zu Zitos Handwerkszeug. Er begann im Alter von fünf Jahren mit dem Gitarrenspiel und gegen Ende seiner Teenagerzeit war er bereits ein fester Bestandteil der lokalen Musikszene von St. Louis. Zunächst veröffentlichte er seine Musik in Eigenregie und unterschrieb dann 2008 bei Eclecto Groove Records. „Pearl River“, der Titelsong seines 2009er-Albums für dieses Label, brachte ihm einen Blues Music Award in der Kategorie „Song of the Year“ ein und stellte zugleich seine erste Kooperation mit Cyril Neville dar, mit dem er später bei der Royal Southern Brotherhood zusammenarbeiten sollte. Es folgte eine Reihe von positiv aufgenommenen Alben, die ihren Höhepunkt mit Greyhounderreichte, das als bestes „Rock Blues Album“ bei den Blues Music Awards nominiert war. Zwei Jahre darauf unterschrieb er bei Ruf Records und brachte mit Gone to Texas, auf dem er die Geschichte seines Wegs aus der Drogenabhängigkeit erzählte, eine emotionale Hommage an jenen Staat heraus, der für ihn zur neuen Heimat wurde. Gleichzeitig markierte das Album das Debüt seiner Band The Wheel.

Von 2010 bis 2014 spielte Zito zudem eine zentrale Rolle in der an eine Supergroup erinnernden Royal Southern Brotherhood. Mit dieser Band veröffentlichte er zwei Studioalben sowie das CD/DVD-Set Songs from the Road –Live in Germany, das mit einem Blues Music Award als beste DVD ausgezeichnet wurde. Darüber hinaus konnte sich Zito als Produzent einen Namen machen, so etwa für Alben von Samantha Fish, Albert Castiglia, Ally Venable, Jeremiah Johnson, Jimmy Carpenter und vielen anderen.Und Zitos Erfolgsgeschichte geht weiter. Sein Album Make Blues Not Warstieg in den Blues-Charts des US-Magazins Billboard auf Nummer eins ein und brachte ihm 2018 bei den Blues Music Awards den Sieg in der Kategorie „Rock Blues Artist of the Year“ ein. Mit seinem im letzten Jahr erschienenen Album First Class Lifekonnte er eine weitere Nummer eins landen, und das Magazin The Alternate Rooturteilte: „Warum er seinem neuen Album den Titel First Class Lifegab, wird deutlich, wenn man den Sound jenes Blue Soul hört, der wie Hitzewellen aus seiner Gitarre und seiner Stimme aufsteigt.“ Auf American Blues Scenewar zu lesen: „Mike Zitos Rückkehr zum Blues ist, um es mit einem Wort zu sagen, triumphal!“ Und bei No Depressionhieß es: „Einmal mehr hat Zito die Erwartungen erfüllt und ein erstklassiges Paket abgeliefert, ohne dass man dafür Porto bezahlen muss.“Mit Rock’n’Roll: A Tribute to Chuck Berryhat Zito nun erneut das getan, was er am besten kann: ein Album aufzunehmen, das demütig, von Herzen kommend, professionell gemacht und einfach großartig ist … und um Chuck Berry selbst zu paraphrasieren, es zugleich so richtig rocken lässt.Dies kann man 2020 live auf der Bühne erleben, wenn Mike in Europa die Bühnen rockt! Mit altbekannten Hits und den mitreißenden neuen Songs vom Album Rock’n’Roll: A Tribute to Chuck Berry! Das wird definitiv eine Show bei der niemand die Füße stillhalten kann!

Große Neuigkeiten von Dana Fuchs!
In einer persönlichen Nachricht erklärt die amerikanische Sängerin die Absage der geplanten Tour im März 2020:
„Ich freue mich sehr darüber, ankündigen zu dürfen, dass ich im kommenden Jahr bei Ruf Records ein neues Studioalbum veröffentlichen werde. Gemeinsam mit dem Produzenten und Grammy Gewinner Jim Gaines beginne ich die Aufnahmen in Muscle Shoals, Alabama, bereits im Januar 2020. Und nicht viel später, im Frühjahr, erwarte ich Familienzuwachs! Ich stehe vor einer aufregenden Zeit! Das macht mich sehr glücklich. Allerdings muss die geplante Deutschland-Tournee im März verschoben werden, um Zeit für das Baby und die Fertigstellung des Albums zu haben. Ich werde Euch über Neuigkeiten „auf dem Laufenden“ halten und hoffe, schon bald die neuen Tourdaten und auch das Datum für das Album Release bekanntgeben zu können. Vielen Dank für Euer Verständnis!
In Liebe und Dankbarkeit!
Dana

Die New Yorker Sängerin Dana Fuchs kommt wieder nach Deutschland. Nach ihrer überaus erfolgreichen „Love Lives On Tour“ in 2018, bereitet sie sich auf ein neues Album vor, mit dem sie 2020 auch in Deutschland zu sehen sein wird. In den Shows dieser Ausnahmekünstlerin erlebt man Dana mit ihrer ganzen Kraft, aber auch ihrer Verwundbarkeit und all ihren Gefühlen. Denn die Schaffenspause vor 2018 kam nicht von ungefähr. Auf viele harte Schicksalsschläge im engsten Familienkreis, zuletzt dem Tod ihrer Mutter, folgte die Geburt ihres Sohnes. Heute mehr denn je, so Dana, lebe ihre Liebe weiter, und findet ihren Weg in ihre neuen Songs. Indem sie sich selbst öffne, öffne sie die Herzen um sich herum. Ihre Fans kennen sie genauso, hochemotional und kraftvoll! Man fühlt sich mit ihr in dem einen Song am Boden zerstört, um im nächsten wieder neu zum Leben erweckt zu werden.
Für das Songwriting hatten Dana Fuchs und Jon Diamond zuletzt Scott Sharrard (Gregg Allman) mit ins Boot geholt und als Produzenten die Memphis Legende Kevin Houston verpflichtet. Neben eigenem Material interpretiert Dana auf ihre unverwechselbare Art u.a. auch Titel der Memphis Ikonen Otis Redding und Johnny Cash und präsentiert damit eine gelungen Kollektion von Memphis Soul und Bluesrock im typischen Dana Fuchs Stil!
Lange bevor sie 2003 ihre erste eigene CD veröffentlichte, war Dana live außerordentlich erfolgreich in der US-amerikanischen Rock, Blues und Soulszene aktiv, teilte die Bühne mit Stars wie Little Feat, Marianne Faithfull oder Etta James. Die Produzenten des Off-Broadway Musicals „Love, Janis“ gaben ihr die Hauptrolle der Janis Joplin und schließlich wurde sie auch für den Film entdeckt. In „Across The Universe“ spielt sie die Sängerin Sadie, in welchem sie Beatles Lieder mit einer solchen Ausdruckskraft interpretiert, dass diese Titel fortan fester Bestandteil ihres Repertoires wurden. Bald darauf lernte sie ihren musikalischen Partner, Jon Diamond, kennen. Mit ihm schreibt sie noch heute ihre großartigen Songs. Sie gründeten The Dana Fuchs Band und sind seitdem regelmäßig weltweit auf Tournee! Im Februar 2011 veröffentlichte Dana ihr
Studioalbum „Love To Beg“, zwei Jahre später „Bliss Avenue“ und in 2018 ihr Comeback Album „Love Lives On“. Nun darf man sich auf neues Programm freuen!

COLOUR HAZE aus München sind seit vielen Jahren DIE INSTITUTION der deutschen Psychedelic & Heavy Rock Szene.Die Band versteht es meisterhaft, mit ihrer Musik Bilder zu malen und Klanglandschaften zu erschaffen. Und wie in der Natur, so ist auch in ihrer Klangwelt ein stetes auf und ab angesagt. Da schweben ganz sanftmütige, leise Melodien durch den Raum, werden intensiver. Entspannte und doch bestimmte Rhythmen setzen ein, es entsteht ein packender Groove, der den Zuhörer sogleich hypnotisiert. Die Gitarre, eben noch verträumt und zärtlich gekost, wird zorniger, lauter, intensiver. Die Stücke entladen ihre „elektrohaschige“ Spannung in brodelnden, wuchtig brummenden Hardrockeruptionen, nur um dann wieder in sich selbst zusammenzufallen.
Die Band feiert in diesem Jahr Ihr 25 jähriges Bandjubiläum, umso mehr darf man sich auf die kommenden Shows dieser einzigartigen Band freuen. Pflichttermin !

„Lükaz on Tour“ präsentiert aufgrund der andauernden Brandsanierung des Lükaz-Gebäudes im Musiktheater Piano die dänischen Black Metal Formation DENIAL OF GOD, die gerade mit ihrem neuen Album „Hallow Mass“ touren. Als Support bringen sie NOCTURNAL mit und NEKROVAULT wird den Abend eröffnen.

Inzwischen sollte für DENIAL OF GOD keine Erklärung mehr nötig sein. Seit jenem schicksalhaften Jahr 1991, als die Band gegründet wurde, haben die Brüder Azter und Ustumallagam ihren eigenwilligen Black Metal Stil perfektioniert, der positiv vom Übernatürlichen durchdrungen scheint. Allerdings sind sie fest bei ihrer Linie geblieben, dem klassisch geprägten Songwriting. Tatsächlich könnte „Black Metal“ sogar die falsche Beschreibung sein, BLACK HORROR METAL wäre genauer. Ein Soundmix aus Black Metal und Heavy Metal, mit Einflüssen von allem was dunkel und heavy ist. Das richtige für Fans von Mayhem, Hellhammer, Infernäl Mäjesty, Alice Cooper, Death SS, Ripper, Bathory etc.

DENIAL OF GOD brachte 1992 das allererste Demo-Band heraus, als die zweite Welle des Black Metal kurz davor stand zu explodieren. Seitdem hat es zahlreiche Besetzungswechsel gegeben. Aber der Hauptkern der Band besteht bis heute aus den beiden Brüdern und Songwritern Azter (Gitarre) und Ustumallagam (Gesang). Im Jahr 2005 stieß Drummer Galheim dazu und seitdem ist das Line-Up konstant geblieben. In Live-Shows kommen zwei Musiker hinzu, um den unverwechselbaren Sound auf die Bühne bringen.

Die Show von DENIAL OF GOD ist energiegeladen, mit einem fast übernatürlichen Feeling. Mit Totenköpfen, Sarg, Trauerverzierungen, Kerzen und vielem mehr, verleihen sie ihrer Show eine einmalige Atmosphäre.
Zusammen mit allen möglichen Bands, von ANGEL WITCH bis VENOM, haben sie schon auf vielen großen Festivals gespielt. Im Laufe der Jahre sind sie durch Europa, Australien und Südamerika getourt.
Die Live-Auftritte von DENIAL OF GOD sind selten, aber unbedingt sehenswert!

NOCTURNAL

NOCTURNAL wurde 1997 als BESTIAL DESECRATION gegründet und im Jahr 2000 umbenannt. Die Band hat bisher drei Alben veröffentlicht und viele EP- und Split-Veröffentlichungen heraus gebracht. Vor allem das 2014er Album „Storming Evil“ erhielt eine fantastische Presse und brachte sie auf Festivals wie dem PARTY SAN und dem ROCK HARD!
Mit einem frischen und hungrigen neuen Line-Up ist die Band gerade von der ihrer zweiten Südamerika- Tour zurückgekehrt und bereitet nun ihr viertes Album vor.

www.unholythrashmetal.de

NEKROVAULT

NEKROVAULT sind Newcomer aus Süddeutschland, die 2018 mit ihrer EP „Obscure“ fast zu einem Geheimtipp, des deutschen Death Metal geworden sind. Zu dem Quartett finden sich bisher kaum Infos, man darf also auf ihre Show gespannt sein.

www.facebook.com/Nekrovault

Es lebe der König. Vier Jahre nach dem Tod des legendären B.B. King bleibt sein überragender Einfluss auf die Blueswelt – und darüber hinaus – ungebrochen. Von den langjährigen Fans, die von der einmaligen Konzertaufnahme Live At The Regal von 1965 noch immer fasziniert sind, bis zu den jungen Gitarristen, die mit einem Hauch von B.B.s berühmten Vibrato die Emotionalität ihrer eigenen Soli zu steigern versuchen, wird Kings Musik für immer und überall nachhallen. Dieses Jahr wird der Geist des unvergleichlichen Bluesman sogar noch stärker als sonst zu spüren sein – dank eines neuen, hochkarätig besetzten Albums namens The Soul Of The King.

Der Begriff Legende ist eigentlich zu wenig, um B.B. Kings Stellung im Pantheon des Blues zu beschreiben. Seine Geschichte, die auf einer Baumwollplantage in Mississippi begann und ihn bis an die Spitze des Blues brachte, steht in seinen gefeierten Studioalben und sagenumwobenen Liveauftritten geschrieben. Mit seiner soulgetränkten Stimme und seiner Fähigkeit, mit nur einer gespielten Note die tiefsten Gefühle zu erzeugen, hat er das Genre geradezu revolutioniert. Nun möchte die B.B. King Blues Band – bestehend aus Musikern, die ihn über 35 Jahre lang zur Seite standen – das nächste Kapitel schreiben. Ihr Album The Soul Of The King mischt liebevolle Versionen von Klassikern aus Kings Diskografie mit bandeigenen Stücken. „Es es wichtig, dass sein Erbe weiterlebt“, sagt der ausführende Produzent Terry Harvey.

Heutzutage traut sich kaum ein Musiker an den Songs von B.B. King ran, wohl aus Sorge, dass sie nicht annähernd so viel Soul ausstrahlen wie der Mann selbst. Kings ehemalige Begleiter dagegen – allesamt Jahrzehnte lang im Bluesgeschäft aktiv – haben seine Musik schon längst verinnerlicht. Bei den Sessions in den Paramount Recording Studios in Hollywood und in den Lucky Run Studios in Houston stellten sie ihr großes Können unter Beweis. „Nach 35 Jahren an B.B.s Seite, leben und atmen sie seine Musik“, sagt Harvey. „B.B. ist ein Teil von ihnen geworden.“

Auftrag ausgeführt: Auf The Soul Of The King werden einige von Kings bekanntesten Stücken mit neuem Leben erfüllt. Michael Lee singt The Thrill Is Gone mit sehr viel Herz.

Klar – die B.B. King Blues Band kann auf eine illustre Vergangenheit zurück schauen. The Soul Of The King zeigt allerdings, dass sie auch nach vorne blicken. Sie drücken damit die Liebe für ihren verstorbenen Kollegen aus und zeigen gleichzeitig, dass ihre Musik heute noch von Relevanz ist. „Mit diesem Album wollten wir der Welt zeigen, dass die Band von B.B. King noch gesund und munter ist“, resümiert Harvey. „Und, dass wir sein musikalisches Erbe in uns weiter tragen.“

2020 werden sie auch in Europa einige ausgewählte Konzerte spielen! Mit dabei sind Michael Lee und Claudette King als Special Guests! Ein echtes musikalisches Highlight!

Shooter-Promotion proudly presents:

Einer der erfolgreichsten Instrumental-Rock-Gitarristen der Welt kommt im April 2020 für einige Konzerte wieder nach Deutschland: Joe Satriani!

Satriani hat bis jetzt über zehn Millionen Alben verkauft, zwei seiner 16 Alben wurden mit Platin, vier mit Gold ausgezeichnet, genau wie das Debüt seiner Band Chickenfoot. Allein 15mal standen seine Werke auf der Nominierungsliste der Grammy Awards. Vor seiner Solokarriere wirkte er als Lehrer von Metallicas Kirk Hammett, Steve Vai und Testaments Alex Skolnick. Seit1996 setzt Satriani regelmäßig seine Idee in die Tat um, mit mehreren Gitarristen durch die Welt zu touren. Seitdem hat er sich die Bühne u.a. mit Steve Vai, Michael Schenker, Steve Lukather, Yngwie Malmsteen, Robert Fripp, John Petrucci, Paul Gilbert, Steve Morse geteilt. Satrianis JS Series beim Kult-Gitarren-Bauer Ibanez ist bis heute eine der populärsten und konstantesten Verkaufserfolge der Firma. Sein letztes Album „What Happens Next“ (in Zusammenarbeit mit Glenn Hughes und Chad Smith) erschien im Januar 2018.

Im April wird Satriani nicht nur Klassiker wie „Surfing With The Alien“, „Cherry Blossoms“, „Always With Me, Always With You“ oder „Flying In A Blue Dream“ live präsentieren, nein, auch brandneue Stücke wird er zum Besten geben! Das neue Studioalbum wird nämlich ebenfalls im April 2020 erscheinen (Legacy/SONY).

Die Band, die Satriani live unterstützen wird, ist wie immer…..Weltklasse!:

Kenny Aronoff (Drums, u.a. John Fogerty)
Bryan Beller (Bass, The Aristocrats)
Rai Thislethwayte (Keyboard, Thirsty Merc)
and
Joe Satriani (Guitar)

Die Hits „Down On The Street“, „Mr. Manic & Sister Cool”, „Night Birds” gibt es live im April/Mai 2020!

Shakatak servieren zum 40-jährigen Band-Bestehen einen betont frischen Cocktail ihres melodiösen Mixes aus Pop, Jazz und Funk
Till Brönner als Gast auf neuer Studio-CD „In The Blue Zone“!

Große Ereignisse werfen ihre Schatten voraus. Bei Shakatak ist dies ein neues Studio-Album, aus dem sie während einer Deutschlandtour (22. April bis 2. Mai 2020) anlässlich ihres 40-jährigen Jubiläums diverse Titel live präsentieren werden! Bekannt wurde die britische Pop-Jazz-Funk-Formation in den Achtzigern durch den Hit „Down On The Street“. Diesem folgten die erfolgreiche Single „Day By Day“ (mit Al Jarreau) sowie der clubtaugliche Charts-Stürmer „Mr. Manic & Sister Cool“. Für die CD „In The Blue Zone“ (Secret Records/Rough Trade) haben Shakatak ihren melodiösen, radiofreundlichen, teils instrumentalen Soft-Sound zeitgemäß aktualisiert. Die musikalische Frischzellenkur, der sich die Gründungsmitglieder Jill Saward (Leadgesang), George Anderson (Bass) und Roger Odell (Schlagzeug) um den tonangebenden Pianisten und Keyboarder Bill Sharpe unterzogen haben, entstand unter Mitwirkung einiger renommierter Gäste. Allen voran: Till Brönner! Der deutsche Trompeter/Sänger wirkt bei „Ready To Take A Chance“, einem der 14 Songs, mit. Außerdem nehmen an ihrem 30. Longplayer teil: Saxophonist Derek Nash (Jools Holland Rhythm & Blues Orchestra), Trompeter Sid Gould (Incognito, Bloc Party) und die Londoner Jazzsängerin Liane Carroll (Paul McCartney).

Die 1980 gegründete Gruppe kann für das Programm der gut 90-minütigen Auftritte ihrer „40th Anniversary Tour 2020“ (Tickets: € 22 bis € 29 im VVK) aus dem Vollen schöpfen und zeigen, warum sie über vier Jahrzehnte hinweg international live-konzertant derart konstant gefragt ist. Besucher ihrer Shows werden bestätigen können, was im Magazin des weltberühmten ‚Ronnie Scott’s Club’ zu lesen war: „Shakataks Musik funkelt auch heute noch genau so wie damals, als man sie zum ersten Mal gehört hat. Diese Formation ist nicht bloß eine Band, ihre Songs liefern auch den Soundtrack zum Leben vieler Menschen.” 

Glasgow Blues Rockers KING KING are pleased to announce their first concert dates for 2020 with a German Tour as part of a full European run to co-incide with the release of a new album in the spring of 2020.

KING KING who feature Alan Nimmo on Lead Vocals & Guitar, Jonny Dyke on Keyboards, Zander Greenshields on Bass and Andrew Scott on Drums were formed in Scotland in 2008 and have released four critically acclaimed studio albums plus a double live album & DVD.

Alan Nimmo “We are really looking forward to our return to Germany as part of our spring 2020 tour. A new year, new songs.. and possibly a new kilt!!!”

The Tour dates are as follows:

Sun 19^th April – Downtown, Hamburg DE
Mon 20^th April – Harmonie, Bonn DE
Tue 21^st April – OFF
Wed 22^nd April – Rosenhof, Osnabruck DE
Thu 23^rd April – Piano, Dortmund DE
Fri 24^th April – Ducsaal, Freudenburg DE
Sat 25^th April – Die Halle, Reichenbach DE
Sun 26^th April – OFF
Mon 27^th April – Ampere, Munich DE
Tue 28^th April – Spectrum, Augsburg DE
Wed 29^th April – Hirsch, Nurnberg DE
Thu 30^th April – Colos Saal, Aschaffenburg DE
Fri 1^st May – OFF
Sat 2^nd May – Jazzhaus, Freiburg DE
Sun 3^rd May – Museumskeller, Efurt DE
Mon 4^th May – Frannz, Berlin DE

Marc Amacher begeisterte nicht nur Publikum und Jury von «The Voice of Germany» im Jahre 2016: Seine rauchige Stimme fällt immer und überall auf. Einordnen lässt er sich nicht gerne – er macht spontan, emotional, dynamisch Musik.

Der Autodidakt bekam seine erste Gitarre von seinem Großvater, die seither zu seinem ständigen Wegbegleiter wurde. Marc´s musikalische Einflüsse reichen von John Lee Hooker und R.L. Burnside über Jack White bis hin zu Motörhead oder AC/DC

Amacher macht nicht Musik, er ist Musik, lebt Musik – mit Leib und Seele. Der echte Blues, der originale Boogie-Woogie und der authentische Rock n‘ Roll gehen mit seiner rauchiger Stimme direkt unter die Haut.

So verwundert es kaum, dass ihm und seiner Band die Ehre zu Teil wurde, im Jahre 2019 drei Arenen- Shows in Berlin, Mannheim und Wien für `Mister Slowhand` Eric Clapton eröffnen zu dürfen und für sein im April 2019 erschienenes Studioalbum `Roadhouse` (Jazzhaus Records/ In-Akustik) den Preis der deutschen Schallplattenkritik in der Sparte `Blues` entgegennehmen zu dürfen.

„Amacher“, das ist Musik aus Leidenschaft und eine mitreißende Show – faszinierend und immer wieder überraschend.

Ganz ungefährlich ist der Genuss nicht: Er macht süchtig.

Gerry McAvoy´s BAND OF FRIENDS
– A Celebration of Rory Gallagher´s 25th Anniversary –

Anlässlich des 25. Todestages von Rory Gallagher macht auch die Besetzung der Band Of Friends einen Wandel durch. Gerry McAvoy am Bass und Brendan O´Neill an den Drums werden verstärkt durch zwei Gitarristen. Paul Rose und Stephan Graf werden mit den beiden Originalmitgliedern das Gesamtwerk in bekannter leidenschaftlicher Weise zelebrieren.

Gerry McAvoy spielte von 1971-1991 mit Rory Gallagher und gründete 2012 die Band Of Friends. Am Schlagzeug wird er von Brendan O´Neill begleitet. Auch er spielte zusammen mit Rory Gallagher (1981-1991) und trat später der britischen R&B-Band Nine Below Zero bei.

Aber auch die beiden neuen Bandmitglieder sind leidenschaftliche Rory Gallagher- Anhänger. Paul Rose wurde bei einem von Fender ausgeschriebenen Wettbewerb unter 1.000 Gitarristen von Rory Gallagher persönlich zum Sieger ausgewählt und ist zwei Mal in Folge zum „Best UK guitarist“ ernannt worden!
Der Sänger und Gitarrist Stephan Graf hörte Rory Gallagher zum ersten Mal als er neun Jahre alt war und tourte seitdem mit seiner von Rory Gallagher inspirierten Band Double Vision durch ganz Europa. Dabei ist er so nah am Original, dass man sich die Augen und Ohren reiben muss!

Zwischenzeitlich bringt die Band Of Friends auch selbst eigene Alben auf dem Markt, die eine konsequente Weiterentwicklung der Musik von Rory Gallagher sind. Für 2020 ist ein weiteres Album geplant, auf das man sehr gespannt sein kann!

Anlässlich des 25. Todesjubiläums von R.G. wird sich die Besetzung der BOF verändern – das Line-up wird das folgende sein:

Gerry McAvoy: Bass
Brendan O´Neill: Drums
Paul Rose: Guitar
Stephan Graf: Guitar, Vocals

The award-winning, hard-touring, guitar slinger and singer Ana Popovic is back on the road promoting her new album ‚Like It On Top‚, that focuses on empowered, successful, inspiring female role models.

Like It On Top opened #2 at the iTunes most downloaded US blues albums. The album peaked at #2 of the Billboard Top Selling blues albums chart.

Recorded in Nashville, TN and produced by four-time Grammy winner Keb’ Mo’, the blues influenced album features guest appearances from Kenny Wayne Shepherd, Robben Ford and Keb’ Mo’. 

A trending theme in today’s world is women overcoming obstacles and breaking through the glass ceilings to reach the top. Like It On Top celebrates those that take initiative, develop, inspire and motivate. But it also credits the men who are motivated and enlightened enough to support women in their quest to be their best versions of themselves. 

“I hope that my music inspires others to motivate ladies all over the world to be successful, energetic, empowered women on a mission, and to motivate men to give them that chance,” Popovic says. “The majority of women need to work harder than men to prove themselves or need to cope with a feeling of constant pressure to never make a mistake and be perfect. I believe that women no longer only have the right to earn a living and to take care of themselves and their families. The time has come to step it up. Becoming the outstanding leaders of tomorrow. Corner-office ladies in business, politics, and the electric guitar!”

Moving west
Ana has been moving west all her life. She fell in love with American blues as a kid, starting back home in Belgrade, Serbia (ex-Yugoslavia), then moved to the Netherlands to study at the conservatory of jazz and world-music. She lived in Amsterdam for over ten years, and then in a single-minded pursuit of her art and career, she relocated to Memphis, TN to record and work with Southern musicians. Finally, two years ago, she moved her family to Los Angeles, California where she now lives.

Called “one helluva a guitar-player” by Bruce Springsteen and nominated for six Blues Music Awards, Ana has appeared on the covers of Vintage Guitar and Guitar Playermagazine. Her albums ‚Can You Stand The Heat‘ and ‚Unconditional‚ were USA Today Picks-Of-The-Week and featured on NPR Weekend Edition, who praised her „Fiery technique on the Stratocaster“. Nearly all of Ana’s albums reached the top of the Billboard Blues Charts. She and her six-piece band have toured tirelessly, sharing stages with B.B. King, Buddy Guy, Jeff Beck, Joe Bonamassa and many others.

Randy Hansen – Guitar, Vocal
UFO Walter – Bass, Backing Vocal
Manni von Bohr – Drums                  

Seit Jimi Hendrix´ Tod im Jahre 1970 gab es immer wieder Musiker, die versuchten, seine Musik so identisch wie möglich zu interpretieren. Doch so richtig gelang es keinem, bis Randy Hansen in den 80ern auftauchte.

Überraschenderweise ist er tatsächlich in der Lage, Jimi´s original Gitarrensounds verblüffend exakt nachzuempfinden. Aber damit nicht genug; wenn er singt,
meint man, Jimi´s Stimme zu hören. Randy Hansen hat Jimi Hendrix sozusagen bis ins Detail „studiert“. Nicht umsonst wird er von Musikkritikern -und Magazinen in der ganzen Welt als Reinkarnation von Jimi Hendrix betitelt. Wie ein Derwisch fegt das Energiebündel über die Bühne und zieht das Publikum, mit seinem „waffenartigen Sound“ in seinen Bann.

Bereits als Zwölfjähriger hörte er das erste Hendrix Album „Are You Experienced“.
Sein Ehrgeiz, sich Jimi´s außergewöhnliche Feedback-Sounds `draufzuschaffen` sollte sein weiteres Leben bestimmen. Mittlerweile in den USA hinreichend bekannt, tourte er mit vielen bekannten Musikern und Bands, unter anderem Jethro Tull, Ritchie Blackmore, Buddy Miles, John Mellencamp, Bob Seger, den Beach Boys, Mitch Mitchell und vielen
anderen.

Auch am Soundtrack von Francis Ford Coppola´s Antikriegsfilm “Apocalypse Now“ hat Hansen mitgeschrieben. Sein Debüt in Deutschland feierte Randy, als auch Uli Jon Roth von den Scorpions von Randy so begeistert war, dass er ihn für sein Konzert zu Ehren Jimi Hendrix engagierte, welches in Kölner E-Werk stattfand und vom WDR aufgezeichnet wurde. („Tribute to Jimi Hendrix“). Es läuft immer wieder auf deutschen TV-Sendern.

Inzwischen hat Randy, der es wie kein anderer vermag „his whole body and soul“ in seinen Gitarren Sound einfließen zu lassen in ganz Europa diverse Fernsehshows sowie unzählige Live-Gigs absolviert, und sich so eine feste Fangemeinde aufgebaut.

Sowohl in den USA als auch in Europa ist er zu einer Kultfigur geworden. Seine Konzerte werden nicht nur von Hendrix Fans sehnsüchtig erwartet und frenetisch gefeiert und sind vor allem in Europa und speziell in Deutschland immer regelmäßig gut besucht bis ausverkauft.

Auch Randy Hansen´s Band ist hinreichend bekannt in der deutschen Rockszene. Mit von der Partie sind nämlich Manni von Bohr, früher an den Drums bei der Krautrock-Institution Birth Control und Redakteur beim bekannten Magazin Drums & Percussion und UFO Walter am Bass, der langjährige Bassist von Marla Glen.

Ultimate Eagles ist mehr als eine Hommage. Die Band präsentiert die Songs der Eagles aus jedem Album und jeder Epoche in bisher nicht gekannter Perfektion.

Ultimate Eagles verzichten bewusst auf Verkleidungen und andere elektronische Hilfsmittel. Jede noch so kleine Interpretation Nuance wird genau auf den Punkt gebracht. Vergleichbar mehr mit dem Royal Philharmonic Orchester das Beethoven spielt.

Es reicht ihnen nicht nur die Musik ihrer Idole vorzutragen.

Die Band hat bisher vor mehr als 450.000 Menschen in über 12 Ländern gespielt.

Ihre You Tube links wurden mehr als 4,5 Millionen Mal in den letzten drei Jahren angeklickt. Ultimate Eagles begeisterten bei der BBC Show mit Chris Evans „Car Fest South and North“ über 20.000 Zuhörer.

Die Bandmitglieder sind alle erfahrene Profis die ihre Bühnenauftritte mit Größen wie: Joe Cocker, Paul Young, Roger Daltrey, Lulu, Bonnie Tyler, Tom Jones und auch Queen krönten. Einige Musiker der Band arbeiteten zusammen mit Barbara Streisand, Janet Jackson, Status Quo und Iron Maiden.

Ultimate Eagles hat auch einen BAFTA gekrönten Musikdirektor an Bord der die Weichen für die neue erfolgreiche X Factor Sendung Tenors of Rock gestellt hat.

Genießen Sie die hervorragenden Satzgesänge und Musikkompositionen geschrieben von Legenden. Lassen Sie sich in eine Zeit entführen in der Musik noch gesungen wurde.

Kommen Sie vorbei und erleben Sie einen Abend mit der umfassendsten und genauesten Hommage an die Eagles. Eine Show bei der Ihre Ohren Augen machen werden. Ultimate Eagles ein muß für Liebhaber der Musik und der Eagles.

BBC Radio Chris Evans: „The best Eagles Show in the world“.

“I thought I was listening the real thing”.

Performing all the Hits including:

HOTEL CALIFORNIA, LYIN’ EYES, ONE OF THESE NIGHTS, TAKE IT TO THE LIMIT, DESPERADO, TAKE IT EASY, AND MANY MORE

SOUND OF LIBERATION & METAL HAMMER proudly present:

Brant Bjork has spent over a quarter-century at the epicenter of Californian desert rock. From cutting his teeth alongside Fatso Jetson’s Mario Lalli in hardcore punkers De-Con to drumming and composing on Kyuss’ landmark early albums, to propelling the seminal fuzz of Fu Manchu from 1994-2001 while producing other bands, putting together offshoot projects like Ché, embarking on his solo career as a singer, guitarist and bandleader, founding his own record label and more, his history is a winding narrative of relentless, unflinching creativity.

For someone so outwardly laid back, he’s never really taken a break. And while Bjork has shown different sides of himself on albums like his funk-laden 1999 solo debut, Jalamanta, the mellow Local Angel (2004), 2007’s mostly-acoustic Tres Dias, and heavier rockers Somera Sól (2007), Gods & Goddesses (2010) and the two most recent outings with The Low Desert Punk Band, he’s maintained a natural representation of himself in his material, whether that’s coming across in the Thin Lizzy-isms of the faux-full-band 2002 release Brant Bjork and the Operators (actually just Bjork playing mostly by himself) or the weedy, in-the-jam-room spirit of “Dave’s War” from Tao of the Devil. When you’re listening to Brant Bjork, you know it, because there’s no one else who sounds quite like him.

That fact and years of hard touring have positioned Brant Bjork as an ambassador for the Southern California desert and the musical movement birthed there in the late ‘80s and early ‘90s. As underground interest has surged in recent years, Bjork has been a pivotal figurehead, realigning with his former Kyuss bandmate John Garcia to drum and write in Kyuss Lives!/Vista Chino, celebrating and building on that legacy while giving a new generation of fans the chance to see it happen in real-time.

Having told his story in films like Kate McCabe’s Sabbia (2006) and the documentaries Such Hawks Such Hounds (2008) and Lo Sound Desert (2015), he’s represented desert rock at home and abroad with no less honesty than that which he poured into the music helping to create it. The same impulse led to the founding of his Desert Generator festival which transformed into Stoned and Dusted, an annual festival held in Pioneertown, CA, with an international reach capturing the intimacy and timeless aura of the desert culture in a secret desert location, and an evolution that looks to continue into the foreseeable future.

Bjork’s work, with any project, has always had a rebellious sensibility. He’s always walked his own path. But more, his career through Kyuss, Fu Manchu, Ché, Vista Chino, and his crucial solo work has been about freedom through rock and roll, attained by the truest representation of the person and the place as art. This, along with a whole lot of groove, is what has helped Brant Bjork define desert rock as a worldwide phenomenon, and whatever comes next, it is what will continue to make him its most indispensable practitioner.

Brant Bjork Partial Discography:

With Kyuss as drummer, songwriter:

1990 Sons of Kyuss
1991 Wretch
1992 Blues for the Red Sun
1994 Kyuss, aka Welcome to Sky Valley
2000 Muchas Gracias: The Best of Kyuss

With De-Con as drummer:

1995 Balls for Days

With Fu Manchu as drummer:

1994 No One Rides for Free (Producer only)
1997 The Action is Go
1999 Eatin‘ Dust
1999 King of the Road
2001 California Crossing

With Ché as guitarist/vocalist/composer:

2000 Sounds of Liberation

With Mondo Generator as drummer:

2000 Cocaine Rodeo
2003 A Drug Problem That Never Existed

With Vista Chino as drummer/composer:

2013 Peace

Solo and solo bands:

1999 Jalamanta
2002 Brant Bjork and the Operators
2003 Keep Your Cool
2004 Local Angel
2005 Saved by Magic (Brant Bjork & the Bros.)
2007 Tres Dias
2007 Somera Sól (Brant Bjork & the Bros.)
2008 Punk Rock Guilt
2010 Gods and Goddesses
2014 Black Power Flower (Brant Bjork & the Low Desert Punk Band)
2016 Tao of the Devil
2017 Europe ‘16
2018 Mankind Woman
2019 Jacoozzi

Others:

1995 Solarfeast, Gossamer (Producer)
1998 Desert Sessions Vol. 1 & 2 (Drums, Bass)
1999 Desert Sessions Vol. 5 & 6 (Drums, Guitar)
2004 Auf Der Maur, Auf Der Maur (Drums)
2005 Yellow #5, Demon Crossing (Drums)
2006 Ten East, Extraterrestrial Highway (Bass)

”As one of the most prominent acts in the new generation of psych music, Swedish four piece MaidaVale create a reckless and experimental rock that keeps diverging from what’s expected.
After first emerging on the live rock scene in 2014, MaidaVale’s 2016 debut album ’Tales of the Wicked West’ was received with open arms and launched them as one of the most promising new bands. The band have had a busy schedule touring Europe exstensively since. Known for their musicality and the electric connection between both musicians and audience, the band’s reputation has grown with each show.
On their second album ’Madness Is Too Pure’, released in early 2018, MaidaVale followed up with an even more experimental and dynamic sound that confirmed their place in the psych rock scene. The album, produced by Jari Haapalainen, was praised amongst both critics and fans for its bold and innovative take on the genre. It also got the band nominated for the Swedish music prize P3 Guld in the rock/metal category, alongside acts like Graveyard and Lucifer.
Up until this point MaidaVale have played renowned festivals like Freak Valley, Desertfest Berlin and Duna Jam.”
Said about Madness Is Too Pure (The Sign Records, 2018)
”— but rather just to say that with Madness is too Pure, the band have exceeded even the hints they gave the first time around of who they were as a group, and perhaps in showcasing their willingness to get weird.”
– The Obelisk
“Now the band is back with the terrific follow-up album “Madness Is Too Pure”.
This album has some funky and groovy psych rock at the centre of a band whose sound shoots off in all sorts of directions. It sounds a bit like if Ace Frehley and Siouxsie Sioux jammed with The Doors at a late- night after party in a small and damp bedsit in London, if you know what I mean.
– Roppongi Rocks

Das fünfte Album der Norweger PRISTINE bedeutet konsequente Fortentwicklung und Diversifikation zugleich. Heidi Solheim, die aus Tromsö stammende Frontfrau und kreativer Kopf, vereint auf den elf Songs von „Road Back To Ruin“ hohe musikalische und textliche Vielfalt – die Band und ihre Stimme liefern dazu den roten Faden.
Der Albumtitel „Road Back To Ruin“ entstand, wie Sängerin sagt, aus Frustration. Über gesellschaftliche Zustände, in denen sich Meinungen und Werte in eine bestimmte Richtung verschieben. Die Trennung von bzw. die Furcht vor „den Anderen“, die von einflussreichen Menschen dazu missbraucht wird, mehr Macht zu erlangen. Blindes Misstrauen wird gesät und Mauern werden gebaut – Dinge, die schon mehrfach geschehen sind, und die Gesellschaft scheint nun dennoch wieder mit voller Geschwindigkeit in ebendiese Fallen zu laufen. Die Einstellung von Menschen, wo der Mangel an Edelmut und Empathie in Hass übergeht – dies bereite ihr Angst, so Heidi Solheim. Nicht umsonst lautet der letzte Satz der Album-Credits: “Take care of each other. Be generous, including and kind.”
Aufgenommen wurde „Road Back To Ruin“ im Paradiso Studio in Oslo, mit Produzent Øyvind Gundersen und Techniker Christian Engfelt. Die Basictracks wurden live eingespielt, der Drumsound mit Raummikrophonen eingefangen. Das Resultat ist ein authentischer, großer Sound – und Pristine‘s unglaubliche Live-Energie als Momentaufnahme festgehalten.
Der Song „Sinnerman“ entstand während der 2018er Tournee, eine Abgehnummer und perfekter Albumopener. Der Titeltrack kommt mit Wuchtigkeit und Heaviness daher. Ebenso „Blind Spot“, auf dem die Syrierin Racha Rizk ein kurzes arabisches Intro singt, gefolgt von einem mächtigen Riff von Espen Elverum Jacobsen, dem Gitarristen, der die „Geheimwaffe“ bei Pristine ausmacht. Am anderen Ende des Spektrums stehen „Cause & Effect“, das mit dem 20-köpfigen Streichorchester „The Arctic Philharmonic“ aufgenommen wurde und ein gewisses 007-Feeling verbreitet. Oder das recht untypische, aber wunderbare „Your Song“, welches von Neil Young‘s akustischen Aufnahmen inspiriert ist.
Heidi Solheim und mit ihr Espen Elverum Jacobsen(Gitarre), Gustav Eidsvik(Bass) sowie Ottar Tøllefsen(Schlagzeug) interagieren als Kern der Band facettenreich und mit höchstem gegenseitigen musikalischen Verständnis. Anders Oskal und Hansi Enzensperger steuern als Studiogäste den prägenden Hammond-Sound bei.
Nach den 2012 und 2013 nur in Norwegen erschienenen Alben „Detoxing“ und „No Regret“ wurde mit „Reboot“ 2016 erstmals auch ein Album außerhalb Pristines Heimat veröffentlicht. Mit „Ninja“ erfolgte 2017 die erste weltweite VÖ auf Nuclear Blast, der „Road Back To Ruin“ nun nachfolgt. Alle Alben sind digital, auf CD und auf Vinyl erhältlich.
Im Mai 2019 werden wir die Norweger bei schweißtreibenden Gigs auch wieder live erleben, wenn Pristine sowohl mit The Brew als auch eigene Tourdaten in Deutschland und Österreich vom 03.05.-25.05. spielen werden.

Das offizielle Info der Plattenfirma zur größten Rockband aller Zeiten, AC/DC, weiß folgendes zu berichten: „Am Silvesterabend des Jahreswechsels 1973/74 steht eine vielversprechende Newcomer-Formation auf der Bühne des Chequers Club im australischen Sidney, die in den kommenden Dekaden Musikgeschichte schreiben wird. Im Repertoire der auf den Namen AC/DC getauften, aus schottischen Einwanderern sich rekrutierenden Formation finden sich prägnante Rock’n’Roll-Klassiker von Chuck Berry, Rolling Stones und Beatles sowie einige knackige Eigenkompositionen mit eindeutig zweideutigem Inhalt. Niemand wäre wohl auf die Idee gekommen, dass dieser wilde Haufen an pubertierenden Rüpeln in nicht allzu ferner Zukunft zu den einflussreichsten Ensembles im Hard Rock- und Heavy Metal-Bereich gehören wird. Gegründet wurden AC/DC – übrigens die englische Abkürzung für Alternating Current/Direct Current (Wechselstrom / Gleichstrom), welche im Slang aber auch jemanden bezeichnet, der sowohl Männer als auch Frauen attraktiv findet – 1972 von Rhythmus-Gitarrist Malcolm Young ..“

Seien wir mal ehrlich: Das war der beste Moment unseres Lebens, auch wenn wir ihn nicht unmittelbar miterleben durften. In den Folgejahren machten AC/DC mit der legendären und am 19.2.1980 definitiv viel zu früh verstorbenen Sängerikone Bon Scott sechs Studioscheiben (Europäische Zählung) und lieferten nebenbei mit dem „If You Want Blood You’ve Got It“ Livealbum von 1978 und dem 79er Video „Let There Be Rock“, welches den Livemitschnitt ihres Pariser Konzertes mit anbetungswürdigen Interviewsequenzen mischt, auch noch das Neue und Alte Testament des Drecksrock noch bevor die Band ihr Zehnjähriges feierte. Von „High Voltage“ bis „Highway To Hell“ dauerte es gerade mal fünf Jahre, in denen AC/DC mehr schafften als andere Kapellen sich überhaupt vorstellen können. Und nicht nur das. Sie bauten darauf auf und erreichten mit ihrem neuen Sänger, Ex-Geordie Frontmann Brian Johnson, den Status von stadienfüllenden Rockgötter, die alleine vom mit Bon Scott begonnenen und mit Johnson beendeten „Back In Black“ – Album über 41 Mio Scheiben unters gierige Volk brachten.

Diesem Volk gehören auch die Herren von den Dirty Deeds ’79 an. Sie sind AC/DC-Verrückte reinsten Wassers und genau das ist der Grund dafür, dass sie auch nach über einem Jahrzehnt noch die fulminanten Stampfer ihrer Vorbilder wie „Whole Lotta Rosie“ oder „TNT“ mit Inbrunst und der vielfach gelobten Authentizität spielen. „Die 5 Bonner haben sich zum Ziel gesetzt, wie die Altmeister aufzutreten und covern jegliche AC/DC-Songs, so dass man meint, Angus und Konsorten stehen selbst auf der Bühne.“ urteilt bonnaparte.de. „Der Sound der Vorbilder wurde so originaltreu und mit solch einem Elan rübergebracht, dass einfach jeder aus dem Publikum mitgerissen wurde. Der Laden drohte auseinanderzubrechen…“

Angeführt werden die Deeds vom Ausnahmegitarristen Volker „Vangus“ Voigt, über den die Bibel der AC/DC-Coverbands, das Onlinemagazin „Daily Dirt“ zu berichten weiß: „Als Besonderheit würde ich noch „Vangus“ erwähnen. Mit „Spiegelglatze“ und aufgeklebten Hörnchen (Schuluniform sowieso) kann man anfangs noch schmunzeln, was jedoch schnell in Begeisterung umschlägt: Der Mann versteht sein Handwerk.“ Das Solinger Tageblatt schlägt in die gleiche Kerbe: „Neben der Schuljungen- Kleidung von Angus Young imitierte er auch dessen weltberühmte Bewegungen täuschend echt: Deutschlands authentischster Angus Young-Klon!“ Ihm zur Seite steht Sänger Alex „Big Bonn“ Kaiser wie Vangus Vorzeigemusikant und eine Rampensau erster Güte. „Bemerkenswert, wie der gewichtige „Big Bonn“ die AC/DC-Sänger Bon Scott und Brian Johnson bühnenwirksam zu verkörpern weiß und wie kraftvoll er seine aufmüpfigen Texte skandiert. Nicht zu überhören ist Lead-Gitarrist „Vangus“, der atemberaubende Soli spielt und dem legendären AC/DC-Gitarristen Angus Young kaum nachsteht.“ (General-Anzeiger, Bonn)

Da Eigenlob bekanntlich unangenehm riecht, hier ein Auszug der Kritik des Kollegen von Musicheadquater.de, der bestens trifft, wofür die Deeds stehen wollen: „Im komplett ausverkauften Prime Club zu Köln rockten die fünf Jungs aus Bonn alles in Grund und Boden. Über zwanzig Songs, darunter „The Jack“, „Sin City“, „Live Wire“ und natürlich „Dirty Deeds“ wurden zum Besten gegeben, was für ein Abend. Die Band selber ganz im Stil der Australier, Gesang (Big Bonn), Lead Gitarre (Vangus), Rhythmus Gitarre (KutA Young), Bass (Dr. Williams) und Schlagzeuger Gonz „the machine“ Rudd. Nach etwa zehn Minuten ist klar, wohin die Reise an diesem Abend gehen soll: Dirty Deeds ’79 rocken was das Zeug hält, man hat kaum Zeit zu verschnaufen, an meinem Shirt befindet sich keine trockene Stelle mehr, egal! Der Prime Club bebt, die Meute tanzt und singt jeden Song aus vollem Herzen mit als wolle man Bon Scott, der mit Sicherheit anwesend war, eine Botschaft schicken.“

Die Qualität der Dirty Deeds ’79 hat sich mittlerweile rumgesprochen und hat sich seither den Ruf der führenden AC/DC-Tribute- und Coverband im Land erspielt. Da kann man auch schon mal Vorzeigerocker wie Peter Brings gute zwei Stunden beim Haareschütteln begutachten und Rod Gonzales von den Die Ärzte weiß: „Es gibt nur zwei brauchbare AC/DC-Coverbands und das sind Bon Scott aus Hamburg und die Deeds aus Bonn.“ Ihre Konzerte sind schweißtreibende, zweistündige Andachten und in der Heimat nahezu durchweg ausverkauft. Aber auch auswärts wird gepunktet: So feierten sie mit 2500 Paulifans auf dem FC St.Pauli Saisonabschluss in den Hamburger Docks und ließen Jürgen Kohler auf seiner „Good bye, Jürgen“- Party hochleben. Beim Heimspiel auf der Bonner RhEINKULTUR rockten sie mit knapp 40.000 Fans das Graue vom Himmel runter. Sie traktieren auch die Nackenmuskel auf Bikertreffs und – festen, was sie bis auf die Balearen zur Ibiza Bikeweek 2003 und 2004 führte, wo sie mit jeweils zwei Shows den Playa D’en Bossa in Schutt und Asche legten. Im Juni 2004 schließlich feierten sie mit einem legendären Open Air vor über 5000 Fans ihr 15jähriges Bestehen. Zuletzt erlebten die Deeds einen absoluten Höhepunkt auf dem Stadtfest Minsk, wo sie als Mainact und „Kulturbotschafter“ ihrer Heimatstadt 60.000 euphorischen Weißrussen siebzig unvergessliche Minuten bescherten – ein Triumphzug par excellence. 2007 wartet der nächste Leckerbissen: Als erste Tributeband in der 30-jährigen Geschichte des WDR Rockpalastes werden die Dirty Deeds ‘79 am 20. März aufgezeichnet und dürfen sich über diesen Ritterschlag auch entsprechend freuen.

Die Dirty Deeds ’79 sind keine Profimucker, auch wenn ihre Konzerte in jeder Beziehung locker professionellen Ansprüchen genügen. Sie sind echte AC/DC-Fans und das ist, was sie antreibt. Um den australischen Rock’n’Roll Übervätern zu huldigen, sind sie zu (fast) allem bereit. Bei den Deeds gibt’s das Vollprogramm mit „Highway To Hell“, „Let There Be Rock“, „Hells Bells“und all den anderen Prachtstücken von Angus & Co. Bonnaparte.de erfasst ganz gut, was passiert, wenn sie sich durch den AC/DC- Backkatalog der Siebziger und allerfrühesten Achtziger rocken, was sie mit absoluter Hingabe tun: „Die Stimmung kam der auf einem AC/DC-Konzert gleich, auch wenn nur einige hundert Leute in die Harmonie reinpaßten: Voll, naß, heiß, laut und genial! Es schien als fegte Angus Young persönlich wie ein Wahnsinniger über die Bühne. Super Konzert, Headbanging, Bier, lauter Gesang. Ende. Gegröle. Zugabe.“ile

Hoodoo Lightning, the 7th full length album by long running Swedish three-piece Kamchatka is due for release Nov 29 2019. 10 brand spanking new slabs of relentless blues infused riffage, soulful hooks and wild playing. Mixed and mastered by Black Lounge Studios head honcho Jonas Kjellgren in Sweden.

After an unforeseen break during 2017 due to various injuries and surgeries Kamchatka came back last year to play live again. What was supposed to be a few low key gigs to get back together and write some new music quickly turned into 50 shows, headline tours, support slots and festival appearances. The band also recorded and released a well received 7-inch on the German boutique vinyl label H42 Records with 2 new exclusive tracks.

Thomas Juneor Andersson:

-I think all of us were a little bit surprised about the interest from European promotors after our break and not having any new released material under our belts, but it also made us more confident in recording a new album. Some of the shows we played in ’18 were the best ones we’ve ever done in the 15 year history of the band so I was definitely looking forward to write new songs.

One step back but two steps forward might be an appropriate way of describing Hoodoo Lightning as all the signature ingredients we’ve come to know are there. The guitar wizardry and heartfelt vocals from Thomas Juneor Andersson as well as the rock solid swinging rhythm section of Tobias Strandvik & Per Wiberg are present as always and guides the listener through all the rock and roll twists and turns imaginable.

Tobias Strandvik:

-We’ve never been a band that have relied on any studio-trickery. The joy of playing music together is the foundation for this band so when recording that’s what we do, we play the songs together until we’re happy with what we got. I’d like to think there’s more of an edge to the performances this time though. We just went for it and didn’t play it safe at all but that’s what makes it exciting.

Sonically it’s a grittier Kamchatka we hear this time and it’s evident that there’s a new level of energy shining through Hoodoo Lightning, a more confident take-no-prisoners kind of attitude and closer to the uncompromising experience of seeing the band live. Also introducing the shared lead vocals from Thomas & Per on many of the tracks gives the power trio format an extra punch and a wider dynamic range as well.

Per Wiberg:

-Since both me and Thomas sing it’s cool to mix it up and share verses and choruses. I’ve always liked rock bands that have two or more lead vocalists, like Kiss, Grand Funk & ZZ Top for example. It brings more life to the songs I think and also underlines the fact that we’re a band. Obviously it’s fun and entertaining for both us and the audience in a live situation as well and it takes away a little of the pressure of having one guy doing the majority of the lead vocals.

As usual the music itself is heavily rooted in the 60’s & 70’s but Jonas Kjellgren has managed to avoid all the pitfalls of the slick retro sound and instead found a great balance between an up to date powerful in-the-moment sound with lots of creative details. Combined with the classy as ever songwriting and vigorous performances it’s the sound of a band who knows what they want and what they’re good at!

Hoodoo Lightning strikes!

///

Produced by Kamchatka & Jonas Kjellgren
Mixed & mastered by Jonas Kjellgren at Black Lounge Studios
Recorded by Tobias Strandvik at Kamchatka Shelter
Thomas Juneor Andersson – Vocals, Guitars & percussion
Tobias Strandvik – Drums & Percussion
Per Wiberg – Vocals, Bass & Keys