DIE SHOW:

Die BALLROOM BLITZ Show soll die Fans zurück in die 70er schleudern; Die Zeit in der Handys und Computer noch Zukunftsmusik, ein Kamm in der Gesäßtasche Pflicht und gefönte Langhaarfrisuren total dufte waren. Den Interessierten erwartet eine Pop-Show im Stil der großen Zeit des Glam-Rocks. Die Band präsentiert im entsprechenden Outfit ausnahmslos alle großen Hits von THE SWEET. Von der ersten Nr.1 in Deutschland COCO bis LOVE IS LIKE OXYGEN sind alle Hit- Klassiker vertreten.

INFO:

Als sich THE SWEET 1978 mit ihrer letzten in Originalbesetzung aufgenommenen LP „Level Headed“ von den großen Bühnen verabschiedeten, hatten sie eine mehr als turbulente Karriere hinter sich gebracht.  SWEET waren eine der Bands, die erfolgreich auf der Glam– Rock Welle ritten, die in den frühen siebziger Jahren äußerst populär bei den Kids war. Ihre Single-Produktionen boten Zündstoff für die Charts und sie erzielten über Jahre hinweg Top 10 Platzierungen. In den Jahren 1971- 1975 feierten  SWEET ihre größten Erfolge, spielten bis zu 300 Konzerte pro Jahr und zierten fast wöchentlich die Titelseite der BRAVO und anderen Musikzeitschriften. In der ZDF DISCO waren sie Dauergäste. Sie begeisterten die Leute mit ihrem einzigartigen Auftreten, um das viele Bands sie zu Recht beneideten. Andererseits wurden sie auch von vielen wegen ihres Outfits und der Musik belächelt.

SWEET hatten aber speziell in Deutschland  immer treue Fans, die an die Band glaubten und sich nichts Negatives einreden ließen. Denn der Sound von  SWEET wurde von Kritikern gerne als zu simpel herabgewürdigt, und die vier Süßen kämpften spätestens seit dem Versuch, als echte Rockmusiker anerkannt zu werden mit der Tatsache, dass ein musikalischer Imagewandel schwerlich zu vollziehen ist.
Im Gegensatz zu Brian Francis Connolly, dem charismatischen Leadsänger der Band, wollte Gitarrist Andy Scott sich von ihrem kommerziell erfolgreichen Bubblegum-Sound entfernen und die Band im Hardrock-Sektor etablieren. Connolly hingegen wollte an dem erfolgreichen Prinzip festhalten, hatte aber nicht genügend Unterstützung in der Band um seine Wünsche durchzusetzen.
So machte die Band einen Spagat zwischen Pop und  Hard Rock, der für die damalige Zeit sehr gewagt war. Die  Fans reagierten auf die Veränderungen mit gemischten Gefühlen, nahmen den Wechsel aber durchaus positiv auf, zumal weiterhin Songs wie „Action“ oder „Lost Angels“ produziert wurden, die immer noch Hitpotential hatten.
Die Band entfernte sich jedoch Stück für Stück von der Basis, die sie einst berühmt gemacht hatte. SWEET produzierten mit „Love is like Oxygen“ noch einen großen Hit, bevor Connolly aus „gesundheitlichen“ Gründen die Band verlassen musste. Wurde der geänderte Stil der Band auch oft für den ausbleibenden Erfolg nach 1977 verantwortlich gemacht, so waren die Fans sich einig:  Der Ausstieg von Brian Connolly 1979 besiegelte das Schicksal der Band, denn ohne ihn wollte sich kein Erfolg mehr einstellen. THE SWEET hinterließen uns jedoch zeitlose Klassiker und kurzweilige Party-Hits die sich auch in heutiger Zeit noch großer Beliebtheit erfreuen.

Kanada ist bekannt für tolle Bands. Dieses Land hat schon in der Vergangenheit große Stars hervor gebracht, speziell auch im Bereich des Prog-Rock.

Man denkt zuerst an Rush oder auch an Musical Box, die berühmte Genesis-Tribute Band.

Es gibt auch eine Reihe von Neo-Prog-Bands. Die berühmteste ist ganz klar Mystery.

Der Stil erinnert stark an den von Genesis, Yes und Spocks Beard aber auch ganz einfache Pop und Rock Elemente finden sich wieder. So kommt es, dass der Sound von Mystery doch eine breite Fangemeinde gefunden hat, da eben nicht ausschliesslich verkopft und vertrackte Frickelsongs in ihrem Repertoire zu finden sind.

Nun kommen sie erneut nach Europa und werden ihr neues Album „Lies and Butterflies“ vorstellen.

AM 23.10. 2019 nimmt BERNHARD ALLISON im Piano eine Live-DVD auf. Eintrittspreis deshalb nur 12,-€ im VVK. Sichert euch rechtzeitig eure Karten….

Bernard Allison ist unaufhaltbar. Er ist das Gesicht auf den Zeitschriften und die Stimme im Radio. Er ist der Showstar, der beim Blues Caravan 2018 zusammen mit seinen Kollegen Mike Zito und Vanja Sky die Clubs zum Beben brachte. Er ist der Songwriter, dessen neuestes Studioalbum Let It Go bereits als heißer Tipp gilt. Er hat ein Arbeitsethos, das die meisten anderen Musiker nach Atem ringen lassen würde, doch für dieses kreative Energiewunder, das bereits mitten in seinen 50ern steckt, ist es nichts Besonderes.
Mit Let It Go startete das Blues-Jahr 2018 mit einem Knall und es fühlt sich an, als würde Bernard Allison zurück nach Hause kommen, denn sein neues Album wurde wieder bei Ruf Records veröffentlicht: dem Label, das 1994 für seinen Vater gegründet wurde – die viel zu früh verstorbene Chicagoer Blueslegende Luther Allison. Ebenso bezeichnend ist, dass Bernard Let It Go im Geburtsland des Blues, Tennessee, aufgenommen und sich beim Sound der zwölf Songs auf das Wesentliche konzentriert hat. „Let It Go wurde im Bessie Blue Studio in Stantonville, Tennessee, in Zusammenarbeit mit dem legendären Produzenten Jim Gaines aufgenommen“, berichtet Bernard. „Wir haben uns dazu entschlossen, die CD nicht mit Keyboards oder Bläsern zu überschwemmen, sondern uns wieder auf den echten, klaren Sound der Rhythmusgruppe zu konzentrieren – und auf noch besseres Songwriting.“
Seit er 1990 seine Solokarriere mit The Next Generation begann, haben sich Bernards Songwritingkünste stetig weiterentwickelt, was Let It Go eindrucksvoll unter Beweis stellt.
Als Künstler, der ständig auf der Suche ist und der einst sagte, dass es beim Blues ums Experimentieren ginge, scheut Bernard nicht davor zurück vom Schema F abzuweichen.
Ohne Zweifel sieht auch Luther von oben zu und er wäre sicherlich stolz auf die bisherigen Leistungen seines jüngsten Sohnes. Am 26. November 1965 in Chicago geboren beginnt Bernard früh damit, sich durch die Plattensammlung seines Vaters die Musik von Bluesgrößen wie T-Bone Walker oder B.B. King anzuhören. Sein eigenes Talent wurde offensichtlich, als er im Alter von 13 Jahren seinen Vater überraschte und dessen erstes Album Love Me Mama Note für Note mitspielte. „Er ist total ausgeflippt und sagte ‚Heute Abend nehmen wir zusammen auf’, erinnert sich Bernard, „und so entstand meine erste Aufnahme. Ich spielte ‚You Don’t Love Me No More’ und ‚Sweet Home Chicago’.“
Nach diesem ersten Live-Auftritt in Peoria, Illinois, bildete sich Bernard durch regelmäßige Sets mit seinem Vater weiter und sein Ruf war bald so gefestigt, dass er nach der Highschool direkt zu Koko Taylors Blues Machine ging. „Koko und Pops Taylor zeigten mir, wie es auf Tour Läuft“, erinnert sich Bernard.
In den 80er Jahren verkehrte Bernard schließlich in den gleichen Kreisen wie etwa dem befreundeten Gitarristen Stevie Ray Vaughan (eine Freundschaft, die seiner künstlerischen Gitarrenpalette noch mehr Farben brachte) und 1989 tat er es seinem Vater gleich und zog nach Europa. Von nun an hatte er seinen Wohnsitz in Paris. Die nächste Veröffentlichung The Next Generation im Jahr 1990 sollte der Startschuss für eine erstaunlich erfolgreiche Solokarriere sein und 28 Jahre später kann Bernard auf ein umfangreiches und viel gerühmtes Repertoire zurückblicken: Hang On, Funkifino, No Mercy, Born With The Blues, Keepin’ The Blues Alive und Times Are Changing. Im neuen Jahrtausend kamen Alben wie Across The Water, Storms Of Life, Kentucky Fried Blues und Higher Power hinzu, während aus jüngster Vergangenheit Veröffentlichungen wie das Live-Album Energized, Chills and Thrills, The Otherside und Live at the Jazzhaus, das in Zusammenarbeit mit Cedric Burnside entstandene Allison Burnside Express sowie In The Mix von 2015 zu erwähnen sind. Wie wir eingangs schon erwähnten: Er ist unaufhaltbar und wird auch 2019 auf seiner Tour die Säle zum Beben bringen.

Slowhand – The Eric Clapton Tribute – mittlerweile international erfolgreich – spielt die größten Songs quer durch das Lebenswerk Claptons – von Cream über Blind Faith zu

Derek and the Dominos bis in die Gegenwart. Klassiker wie Sunshine of your love, Layla, Wonderful tonight, I shot the sheriff u.v.m. werden von sechs Musikern und zwei stimmgewaltigen Chor-Sängerinnen professionell präsentiert. Authentische Gitarren und Amps, sowie Hammond Orgel mit Leslie bringen den originalgetreuen Sound auf die Bühne. Mit phänomenaler Stimmgewalt und Intensität interpretiert der Leadsänger Lukas Schüßler die Stücke, die zwei Generationen vor ihm komponiert wurden. Die Kombination langjähriger professioneller musikalischer Erfahrung, unbändige Spielfreude und jugendliche Frische machen den Zauber dieser außergewöhnlichen Band aus.

‚Das schönste Konzert seit langem, ich bin glücklich, daß ich dabei war‘ und

‚…es war der Hammer, Euer Konzert, ein Superlativ in jedem Punkt‘

sind zwei Stimmen aus dem Publikum.

Besetzung: Lukas Schüßler – voc., guitars / Gerhard Hoff – guitars /

Bodo Bode – bass, voc. / Bernd Wegener – drums / Markus Lauer – hammond, keys / Andreas Puster – hammond, keys / Florian Stein – fender rhodes, keys /

Kirsti Alho – background voc. / Caro Fournelle – background voc.

Sänger Kim Friehs konnte man 2017 noch bei The Voice Of Germany im Fernsehen verfolgen, doch nun geht es mit der Band zurück auf die Bühnen Deutschlands!

Max im Parkhaus sind 2018 mehr sie selbst, denn je: mit neuen deutsch-Pop Songs und einem großen Cover-Repertoire geht es für die 5 jungen Männer aus Dortmund und Umgebung wieder auf Tour.

Hinter ihnen liegen über 100 Konzerte – Von kleinen bis zu den großen Bühnen, als Vorband von JORIS, Christina Stürmer, Aura, den Bands Luxuslärm, Extrabreit und Ton Steine Scherben!

Nachdem im letzten Jahr alle Energien auf das Songwriting gerichtet waren, gilt es nun den Parkscheinautomaten aufzusuchen, das überfällige Ticket zu bezahlen und Vollgas zu geben!

„…wo bin ich?“ In den Autoscheiben spiegelt sich die flackernde Neonbeleuchtung. „Es schneit, meine Socken sind nass – wo ist meine Jacke? Ich hab doch fast gar nicht so viel getrunken. Wo sind meine Jungs und — warum lieg ich hier im Parkhaus?“

Max im Parkhaus sind Kim Friehs, Fabian Valentini, Max Klepatz, Fabian Kahl und Manuel Valentini, die schon seit 2011 bis heute über 100 Konzerte gegeben haben.

Für die Band ging der Weg bisher durch die unteren Parkebenen, langsam um die Kurve, immer höher in Richtung Parkdeck. So teilten Sie sich bereits die Bühne mit Namika, Christina Stürmer, JORIS, Aura und Luxuslärm. Aktuell arbeiten sie an neuen Songs. Also macht euch bereit, verlängert den Parkschein und besucht die Gigs in 2018.

50th anniversary celebration – Best of Jethro Tull

Martin Barre war von 1970 bis 2012 (42 Jahre) neben Ian Anderson das ständige Mitglied und Aushängeschild von Jethro Tull. Nach dem Jethro Tull eine längere Tourneepause einlegt, stellte Martin eine neue Band zusammen, um vor allem die in den letzten Jahren nie bis selten gehörten „classic“ Songs von Jethro Tull auf die Bühne zu bringen.
Die größten Erfolge von Jethro Tull der über 60 Mio. verkauften Tonträger waren unzweifelhaft die Erfolgsalben „Aqualung“ und“ Thick as a Brick“ der frühen 70ger Jahre.
1988 erhielt Martin den Grammy für sein Gitarrenspiel auf dem Album „Crest of a Knave“. Seine Soli auf „Aqualung“ brachten ihm Top 20 Platzierungen in den USA und UK ein. Neben seiner erfolgreichen Zeit bei Jethro Tull, teilte er die Bühne mit Künstlern wie Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Paul McCartney, Gary Moore, Pink Floyd oder Fleetwood Mac.
2018 feiert Martin mit seiner Band, das 50 jährige Jubiläum von Jethro Tull mit einer grossen Auswahl an Tull Klassikern, bei denen Martin die Power des Blues und Rock der frühen Geschichte Jethro Tulls Rechnung tragen wird. Daneben kommen auch die Tull Songs, die in den letzten 15 Jahren viel zu kurz kamen wieder auf die Bühne. Natürlich werden Thick as A Brick, Locomotive Breath, Aqualung u.a. im Programm nicht fehlen.
Line Up:
Martin Barre – Guitar, Bouzouki (Jethro Tull)
Alan Thomson – Bass Guitar
Dan Crisp – Vocals, Acoustic Guitar
George Lindsay – Drums

Laurence Jones is back and is ready to tear up Europe with new self titled album Laurence Jones Band. The accomplished new album recorded in Miami and produced by Gregory Elias is set for release on Friday 30th Sept 2019 on USA label Top Stop Music.

Laurence Jones has been writing songs and performing on stage for over half his age, the Blues Rock troubadour has been fine-tuning his sound playing to packed house across Europe, leading the way for the new generation of blues performers.

The Laurence Jones band is Laurence Jones – Vocals and Guitar / Phil Wilson – Drums /  Bennett Holland – Keys / Greg Smith – Bass

Award winning guitarist, Laurence Jones says: “ I’m really proud to bring you this new album, two years of hard work have gone into the planning and recording of it. I will let the music do the talking though and see you on the road at a show ! “

Zm ersten Mal wird die Classic Night Band am 31.10.2019 im Musiktheater Piano
live zu sehen und zu hören sein.
Trotz Halloween, wird auf Spinnenweben und Gruseldeko verzichtet – dafür nicht auf gute Livemusik…
12,5 Jahre konnte man die Band an jedem zweiten Freitag des Monats in der Zeche erleben.
Wie gewohnt, wird es zu dieser Premiere auch einen Mix aus 40 Jahren Musikgeschichte geben, quer durch alle Bereiche der Rock- und Popmusik.

Vorverkauf exklusiv über die Homepage der Band bis zum 08.09.2019 – www.cn-band.de
Preis: 15,00 Euro zzgl. Gebühren

„The Queen Kings“ gilt als eine der besten Queen-Tribute-Bands und tourt schon seit vielen Jahren durch Deutschland und Europa. In diesem Jahr präsentieren sie mit Sascha Krebs als Leadsänger ihre neue Show „A kind of Queen“. Kenner schätzen die Band für Ihre Authentizität – sie haben sich den Queen-Sound bis ins kleinste Detail zu eigen gemacht, bleiben aber dennoch sich selbst treu und behalten eine eigene Note. So wirken sie nicht wie eine farblose Kopie, sondern überzeugen das Publikum jedes Mal mit ihrer Leidenschaft und Begeisterung.
In der zu 100% live gespielten Show darf man neben den Welthits wie „A kind of magic“, „Don’t stop me now“ und „We are the champions“, auch einige Überraschungen erwarten. Ganz im Sinne des extrovertierten und theatralischen Freddie Mercury nutzen die Queen Kings das umfangreiche und vielseitige Repertoire von Queen, um mit feinem Gespür für Dramaturgie und einer genau abgestimmten Lightshow eine spannende und kurzweilige Show mit vielen Höhepunkten zu produzieren, die voll unter die Haut geht.
Leadsänger Sascha Krebs stößt 2017 zu den Queen Kings. Er spielte zuvor schon mit Bassist Rolf Sander beim Musical „We will rock you“, wobei es zur Zusammenarbeit mit den Queen- Musikern Brian May und Roger Taylor, und einem gemeinsamen Auftritt kam. Der gebürtige Heidelberger nimmt das Publikum mit seiner sympathischen Art für sich ein und überzeugt mit seiner ausdrucksvollen Stimme, die dem Tonumfang von Freddie Mercury entspricht.
Im Rahmen der „Rock meets Classic“ Tourneen trat er in Wacken vor über 75.000 Zuschauern auf und teilte die Bühne mit u.a. Alice Cooper, Bonnie Tyler, Rick Parfitt (Status Quo), Ian Gillan (Deep Purple), und Paul Rodgers (Free, Bad Company, Queen). Vervollständigt wird die Besetzung der Queen Kings durch die langjährigen Bandmitglieder Susann de Bollier (Gesang), Christof Wetter (Keyboard), Drazen Zalac (Gitarre), und Oliver Kerstan (Drums). Mit genauer Kenntnis der Queen-Arrangements, vierstimmig gesetztem Chorgesang, und Original Equipment schaffen es die sechs Musiker, den typischen Queen Sound zum Leben zu erwecken und getreu dem Motto „more than just a tribute“ neu zu interpretieren.

Live und in Farbe – die große Nacht der 70er Jahre Schlagerparade!

Ein unvergleichlicher Abend mit den Schlagerhelden und allen Hits der 70er Jahre.  Die Golden Glitter Band besingt die „Fiesta Mexicana“, erzählt vom „Bett im Kornfeld“ und feiert das „Festival der Liebe“ bei der wohl „größten deutschen Schlagerparade der Welt“ – mit allen Hits der 70er!!!

Sänger Brad Hering und seine Golden Glitter Band – „die Götter des Schlagers“ – sind auf der Erde in der „Mission der Liebe“ unterwegs und garantieren ganz großes Entertainment. Brad zelebriert einzigartig die kultigen Hits des deutschen Schlagers: ekstatisch, gefühlvoll und glamourös.

…und nicht selten vergießt das tanzende Publikum vor Glück auch mal die ein oder andere Träne…

Line up
Markus Engelstaedter „Brad“ / Stimme, Sax
Andreas Wildenauer / Gitarre
Roman Wirthl / Tasten
Thomas Wildenauer / bass / vocals
Matthias Baumann / Schlagzeug

From the moment that Andrew Roachford found himself sitting at a piano aged four, music has been his way of making sense of the world.  Growing-up in London around a vibrant melting pot culture, he was like a sponge absorbing diverse musical influences from reggae and punk, to rock, Jazz and soul music.

“ I started listening to the likes of Stevie Wonder, Al Green and Jimi Hendrix from a very early age and felt like I was tapping into an ancestry of music.  I felt a connection to these artists as people and the way they sing about love is etched into me”.

Andrew’s trademark has become his rare ability to put into words, feelings you didn’t even know you had, “It’s one of the reasons why I make music; to bring out those things that people feel, but haven’t always got a voice for. I like to bring the inner person to the forefront”.  And over the year’s, anthems like ‘Only To Be With You’, ‘The Way I feel’ and ‘Won’t Think Twice’ to name but a few have done just that.

“I’m always pushing myself as an artist.  When it comes to songwriting, I naturally gravitate to digging deep.  That’s how it works for me”.  With Platinum and Gold selling albums, a career that spans two decades, ever since busting onto the scene with his first hit song Cuddly toy and the last five years seeing him writing and singing on everything from top-five selling international dance tracks to co-writing and touring with Mike and the Mechanics, Andrew is undeniably a prolific and unique talent.

With his latest offering Andrew delivers a deeply honest and powerful album.  He is back doing what he does best – taking the daily challenges of life and love and helping the rest of us make sense of it all.  “You start off being what you’re not in life and then the path has this uncanny way of bringing you back to who you really are.  Life is really just a journey back home”.

Andrew’s New Album: “Twice in a Lifetime” Due out 2019

FISCHER-Z schwimmen mit Bandjubiläum auf Erfolgswelle

FISCHER-Z stellen im August 2019 ihr neues Album „Swimming in Thunderstorms“ vor. Mit der gleichnamigen Tournee durch zwölf deutsche Städte im Oktober und November 2019 haben FISCHER-Z einiges zu feiern: es sind genau 40 Jahre seit ihrem Durchbruch mit dem Album „Word Salad“ vergangen.

John Watts ist schon seit 42 Jahren mit seiner Band FISCHER-Z im Geschäft. In seiner erfolgreichen Karriere hat der Rockmusiker 20 Alben veröffentlicht und insgesamt 2 Mio. Alben verkauft. Dabei waren Künstler wie Peter Gabriel, Steve Cropper und Dexy’s Midnight Runners‘ Brass Section Feature Artists.

FISCHER-Z kann auf über 3.000 Konzerte weltweit zurückblicken und ist mit James Brown in Ost-Berlin, mit The Police und den Dire Straits auf Tour aufgetreten. Sogar Bob Marley begleitete er auf dessen letzter europäischer Festival-Tour. In den letzten Jahren hat sich der musikalisch vielseitige John Watts außerdem einen Ruf als Multimedia-Künstler zugelegt und schreibt auch Theaterstücke und Gedichte. Dabei ist all seinen beeindruckenden und facettenreichen Werken eine Begeisterung, Leidenschaft und Menschlichkeit gemeinsam. Watts‘ verschmitzte Kreativität lässt sich bereits am Bandnamen ablesen, ein Wortspiel mit dem Ausdruck „fish’s head“ (Fischkopf): mit britischen Akzent ausgesprochen ergibt sich klanglich „Fischer-Z“. Fish’s Head war auch der Name des fünften Albums der Formation.

Auch für die Entstehung seiner Alben greift John Watts, der sich als junger Künstler mit FISCHER-Z durch die Punk Clubs gerockt hat, zu kreativen Mitteln. Für das Album „It has to be“ sprach er mit Fremden in zehn europäischen Ländern und schrieb für jeden Menschen und seine Geschichte einen Song. Für „Ether Music & Film“ nahm er, ausgerüstet nur mit seinem Laptop, Songs mit Musikern auf Straßen und in ihren Wohnungen auf.

Das Jahr 2017 war ein besonders intensives für FISCHER-Z. Die Band feierte das 40. Jubiläum der ersten Show, die Veröffentlichung des 20. Studioalbums „Building Bridges“ und kehrte zu den Venues von früher zurück: große Locations ausverkauft, erneute Auftritte auf den großen Festivals der Welt. Mit dem Launch der innovativen F-Card, einer kreditkartengroßen USB-Chipkarte, die unveröffentlichte Tracks und Fanclub-Vorteile bereithält, beschreiten FISCHER-Z zudem neues Terrain im Marketing.

2019 feiern FISCHER-Z nun mit der Veröffentlichung von „Swimming in Thunderstorms“ am 30. August 2019 ihr Jubiläum „40 Jahre erfolgreiche Albumgeschichte“. Das neue Album ist persönlich, politisch, leidenschaftlich – wie viele seiner Vorgänger. Die Dekonstruktion der lange etablierten parlamentarischen Demokratie durch Online-Kanäle und -Einflüsse, die Verschiebung des Verständnisses von Moral, Diplomatie und Anstand im öffentlichen Sektor beschäftigt wohl jeden aufgeklärten Politikinteressierten. So auch John Watts, der seine Sicht auf die Dinge in einer zeitgemäßen Form musikalisch verarbeitet.

Während Watts sein Songwriting auf gewohnt höchstem Niveau und seinen eigenwilligen Beobachtungswitzes beibehält, hat er für das neue Album eine Gruppe von Musikern gefunden, die der Breite und Tiefe seiner musikalischen Ideen gerecht werden. Diese neue Formation aus John Watts als Sänger und Gitarrist, Sin Banovic am Schlagzeug, David Purdye am Bass, Adrien Rhodes am Keyboard und Marian Menge an der zweiten Gitarre wird als bleibende neue Band vorgestellt. Support Act auf der Tournee wird der brillante amerikanische Singer-Songwriter Luke Elliot sein.

Was hat Doyle Bramhall II nur an sich, dass die berühmtesten Musiker sich um eine Zusammenarbeit mit ihm reißen? Seit 2000 sind Eric Clapton und er auf der Bühne und im Studio ein unzertrennliches Team und auch andere Größen wie Roger Waters, T-Bone Burnett, Elton John, Gregg Allmann, Allen Toussaint, Sheryl Crow, Billy Preston, Dr. John, Michael McDonald, Erykah Badu, Questlove oder Meshell Ndegeocello schätzen das Talent des einzigartigen Gitarristen, Singer Songwriters und Produzenten.
Was ist das Besondere an diesem dynamischen, facettenreichen Künstler, der als Linkshänder seine Gitarre verkehrt herum spielt? Was macht ihn zur ersten Wahl von Musikstars der verschiedensten modernen Genres?

„Ich weiß nicht, ob ich das beantworten kann.“, lächelt der 49-jährige etwas verlegen. „Ohne überheblich wirken zu wollen, kann ich sagen, dass ich in meinem Leben einfach sehr viel Glück hatte. Eine musikalische Erfahrung folgte der nächsten und im Laufe der Zeit konnte ich mit so vielen Leuten arbeiten, die ich bewundere und die mich inspiriert haben. Vielleicht liegt es daran, dass ich immer tief in den Geist des anderen eintauche. Ich möchte mein Gegenüber verstehen, wissen woher er oder sie kommt und was sein Ziel ist.“ Er lacht und fügt hinzu: „Niemand hat es mir bisher gesagt.“

Doyle Bramhall II wuchs in Austin, Texas, auf und die Musik war ihm damals schon in die Wiege gelegt worden. Sein Vater, der ältere Doyle Bramhall, spielte mit Gitarrist Jimmie Vaughan, einem Freund aus Kindertagen, in der Band „The Chessman“ (die sogar einmal eine Show für Jimi Hendrix eröffnen durfte). Er arbeitete auch mit dessen Bruder Stevie Ray sowie mit Freddie King und Lightnin‘ Hopkins zusammen. Es dauerte nicht lange, bis Doyle Junior seine erste Gitarre in Händen hielt und mit seinem Vater jammte.
Im Alter von 15 Jahren tat er sich mit den Vaughan Brüdern zusammen („Sie waren wie eine Familie für mich.“), spielte in verschiedenen Bands und verdiente bei Konzerten am Wochenende bis zu 400$.

Mit 18 folgte er dem Rat von Jimmie Vaughan und schloss sich den Fabulous Thunderbirds an. Zwei Jahre später, kurz nach dem tragischen Tod von Stevie Ray Vaughan, gründete er mit seinem Kumpel, Gitarrenass Charlie Sexton aus Austin, die Arc Angels. Die Band, der auch Schlagzeuger Chris Layton und Bassist Tommy Shannon aus Stevie Rays ehemaligen Projekt Double Trouble, angehörten, veröffentlichte 1992 ein starkes, selbstbetiteltes Debüt. Die Gruppe brauch jedoch auseinander, bevor ein Nachfolger aufgenommen werden konnte.

Anschließend widmete sich Doyle Bramhall II verstärkt seiner Solokarriere und unterschrieb einen Vertrag bei Geffen Records. Die Alben „Bramhall II“ (1996) und „Jellycream“ (1999) folgten und gewannen nicht nur die Herzen von Kritikern, sondern auch von niemand geringeren als Roger Waters und Eric Clapton.

Kurz darauf fand sich Bramhall auf Roger Waters „In The Flesh“-Welttourne (1999-2000) wieder, wo er nicht nur Gitarre spielte, sondern auch die Leadvocals und den Backgroundgesang beisteuerte. Seine Auftritte sind auf der CD / DVD „In The Flesh – Live“ dokumentiert.
Der Bund mit dem Pink Floyd-Sänger hätte vielleicht auch noch länger angedauert, hätte er keinen Anruf von Eric Clapton persönlich bekommen. „Eines Tages nahm ich den Hörer ab und hörte ihn sagen ‚Hi, hier ist Eric und ich bin ein großer Fan von Dir. Ich mache gerade eine Platte zusammen mit B. B. King und würde gerne mit Dir zusammenarbeiten‘.“, erinnert sich Bramhall.

Das Ergebnis ist, das im Jahr 2000 veröffentlichte, mit einem Grammy und Doppelplatin ausgezeichnete „Riding With The King“. Darauf ist nicht nur Bramhalls virtuoses Gitarrenspiel zu hören, sondern auch zwei Stücke von „Jellycream“ – „Marry You“ und „I Wanna Be“. Clapton gefielen die beiden Tracks so gut, dass er sie umgehend coverte. „Ich fühlte mich so geehrt, überhaupt mit Eric und B. B. spielen zu dürfen. Doch dass Eric auch zwei meiner Songs covern würde, hätte ich nie zu träumen gewagt.“, strahlt Bramhall.

„Riding With The King“ war der Beginn einer inzwischen zwei Jahrzehnte dauernden Partnerschaft von Bramhall und Clapton. Auf Claptons 2004 veröffentlichten Tributalben „Me And Mr. Johnson“ (2004) und „Sessions For Robert J” ist er an der Gitarre zu hören. Eigens geschriebene Stücke von Bramhall integrierte Clapton schließlich auf seinen Alben Reptile“ (2001), „Back Home“ (2004) und „The Road To Escondito“ (2005). Schließlich wurde Bramhall sogar Co-Produzent von „Clapton“ (2010) und „Old Sock“ (2013). Auf der Bühne ist er Claptons feuriger Gitarren-Gegenpart.

Wenn Bramhall einmal nicht mit Clapton auf der Bühne oder im Studio stand, flog er rund um den Globus um mit anderen Musikern zu arbeiten, die jetzt um seine Aufmerksamkeit buhlten. Unter ihnen war auch Sheryl Crow. Bramhall co-produzierte und schrieb Songs für ihr 2011 erschienenes Album „From Memphis“ und ging anschließend mit Sheryl auf Tour. Auch auf ihrem letztjährigen Album „Be Myself“ steuerte er die Gitarrenparts bei. Außerdem begann er eine langjährige Partnerschaft mit der Tedeschi Trucks Band: er begleitete die Gruppe auf ihren Tourneen und schrieb Songs für die Soloalben ihrer Gründungsmitglieder, Derek Trucks und Susan Tedeschi.

Während seiner Karriere als Sideman und Produzent legte Bramhall sein Soloprojekt auf Eis. 2016 kehrte er jedoch mit seinem selbstproduzierten Album „Rich Man“ zurück. Die Texte sind infolge des Todes seines Vaters im Jahr 2011 sehr tiefgründig und persönlich. Zu hören sind glühender Bluesrock, grooviger Southern Soul sowie Elemente des Nahen Ostens, die er auf seinen Reisen nach Marokko und Indien aufgeschnappt hatte.
Die Kritiken zu „Rich Man“ überschlugen sich. American Blues Scene schwärmte, das Album sei ein „großes Hörvergnügen und voller lebendiger und lebhafter Klanglandschaften“. AllMusic meinte, dass Bramhalls erstes Soloalbum nach 15 Jahren auch sein bestes sei. „Es startet explosiv und bleibt explosiv.“

„Durch dieses Album bin ich zu dem Künstler und Produzenten geworden, der ich immer sein wollte.“, sagt Bramhall, der seine kreative Mission nun auf seinem fünften Soloalbum „Shades“ fortsetzt. „Das Album war auf gewisse Art mein Durchbruch, um der Künstler und Produzent zu werden, der ich immer sein wollte.“, sagt Bramhall, der nun seine kreative Mission mit seinem fünften Soloalbum „Shades“ fortsetzt. „Shades“ wurde hauptsächlich in Brooklyn und Los Angeles aufgenommen und ist ein faszinierender Mix aus dreckigem Blues, rauem Garagenrock, transzendentem Psychedelic und herzergreifenden Balladen. Als Multi-Instrumentalist, Produzent und Sänger legte er seine eigene Messlatte nochmals um ein Vielfaches höher. Als Texter und Arrangeur folgte er der Stimme seines Herzens.

„Ich nannte das Album ‚Shades‘, nachdem ich nach Fotos dafür gesucht hatte.“, erklärt er. „Schatten können durch Farben und Licht entstehen, aber auch durch Musik und Emotionen. Ich glaube, ein Album repräsentiert immer eine bestimmte Zeit im Leben, so wie ein Schnappschuss. Meine letzte Platte thematisierte eine bestimmte Art von Gefühlen, doch inzwischen bin ich persönlich und emotional an einem ganz anderen Ort angekommen. Viele der Songs handeln von Verständnis und innerem Frieden und es hat lange gedauert, bis ich diesen für mich gefunden habe. Ich hoffe, dass sich die Zuhörer ebenfalls damit identifizieren können.“

Neben Bramhall sind auf „Shades“ Bassist Chris Bruce, Multi-Instrumentalist und Gitarren-Arrangeur Adam Minkoff sowie die Schlagzeuger Carla Azar und Abe Rounds zu hören, mit denen er seit vielen Jahren zusammenarbeitet. Außerdem schmücken zahlreiche Gastauftritte befreundeter Musiker sein Werk. Eric Clapton darf dabei natürlich nicht fehlen. Sein glühendes Back-And-Forth-Spiel auf dem bebenden, R&B-lastigen „Everything You Need“ lässt die Herzen aller Axe-Gitarrenliebhaber höher schlagen.

Bramhall und die Pianistin und Sängerin Norah Jones machen bereits seit mehreren Jahren gemeinsam Musik. Schon auf „Rich Man“ sang sie gemeinsam mit ihm das Duett „New Faith“. Auf der eleganten Ballade „Searching For Love“ standen sie nun erneut gemeinsam vor dem Mikrofon.

Eine überraschende klangliche Wendung ist das rockige „Live Forever“, für das sich Bramhall seine Kumpels aus Austin, die Greyhounds, in Studio geholt hat. „An einigen Songs schraubst und feilst Du wochenlang herum. Und andere sprudeln einfach so aus Dir heraus. ‚Live Forever‘ gehört zu letzteren. Ich rief die Jungs an und sagte ‚Hey, lasst uns was im Austin-Style machen.‘ Und innerhalb von drei Stunden war das Stück fertig.“

„Shades“ schließt mit einer ehrfürchtigen Version von Bob Dylans „Going, Going, Gone“, ein Juwel aus dessen Album „Planet Waves“ (1974). Bramhall hatte den Song erst im letzten Jahr mit der Tedeschi Trucks Band bei einem Gregg Allman Tributkonzert gespielt (Allman selbst coverte den Dylan-Klassiker auf seinem letzten Album „Southern Blood“) und glaubte, dass dies das passende Ende für sein Album sein würde. „Den Song mit Derek und Susan einzuspielen fühlte sich sehr natürlich an. Ich nahm ihn mit der kompletten elfköpfigen Band im Studio auf.“

„Man hört, dass ich mich in meiner Haut rundum wohlfühle und dass ich niemandem außer mir selbst etwas beweisen muss. Ich wollte mich so ehrlich wie nur möglich ausdrücken.“, sagt Bramhall. „Als Künstler, Schreiber und Produzent bin ich dort angekommen, wo ich hinwollte. Dieser musikalische Flow hat sich nun zu einem realen Körper geformt, den meine Fans schätzen werden. Ich kann es kaum erwarten, sie auf diese Reise mitzunehmen.“

Tracklisting
1. Love And Pain
2. Hammer Ring
3. Everything You Need (feat. Eric Clapton)
4. London To Tokyo
5. Searching For Love (feat. Norah Jones)
6. Live Forever (feat. Greyhounds)
7. Break Apart To Mend
8. She’ll Come Around
9. The Night
10. Parvanah
11. Consciousness
12. Going Going Gone (feat. Tedeschi Trucks Band)

First New Studio Album In A Decade +++ First single Tonight Belongs To Us +++ Released 11th June 2018

TONY HADLEY zählt zu den bekanntesten Sängern der Popmusik. Mit SPANDAU BALLET, den Pionieren der NEW-ROMANTIC-Bewegung in den 80er Jahren, schrieb der Brite mit Hits wie “Gold”, “Only When You Leave”, “Lifeline”, “Through the Barricades” sowie “True“ internationale Popgeschichte. Zusätzlich machte sich Hadley durch die musikalische Beteiligung an der Band Aid UK Charity-Single “Do They Know It’s Christmas“ und seinem Auftritt beim Live Aid 1985 in London weltweit einen Namen. Außerdem performte er bei dem legendären Konzert zu Gunsten Nelson Mandelas im Wembley Stadium im Juni 1988.
London, 30. April 2018, drei Jahrzehnte später: Hadley veröffentlicht sein neues Solo Album TALKING TO THE MOON, welches ein neues Kapitel seiner selbst signalisiert. An der Produktion des Albums waren neben Tony auch einige andere talentierte Songschreiber beteiligt: Der erste Song „Tonight Belongs To Us“ und „How I Feel About You“ wurden von Toby Gad geschrieben, der bereits mit Künstlern wie Beyoncé, Shakira und John Legend zusammengearbeitet hat.
Hadley reflektiert den Titel des Albums folgendermaßen: „Haben wir nicht alle schon mal irgendwann zum Nachthimmel hinaufgeblickt, den Mond und die Sterne angestarrt und uns gefragt, was für ein Sinn hinter all dem steckt? Oder haben mit dem Mond gesprochen, nach Antworten gesucht, vielleicht um Hilfe gebeten oder waren einfach nur von seiner Schönheit fasziniert?“
Im März 2019 kam TONY HADLEY im Rahmen seiner TALKING TO THE MOON
Europatournee bereits für sechs Shows nach Deutschland Neben der Darbietung seiner elf neuen Songs, hat Hadley selbstverständlich auch alle großen Hits der SPANDAU BALLET-Ära performt. Fast dreißig Jahre nach dieser Zeit ist seine Stimme noch genauso einzigartig und leidenschaftlich wie damals.

Contra Promotion & MusiX präsentieren:
TALKING TO THE MOON
02.11. MOSBACH, ALTE MÄLZEREI
03.11. MEMMINGEN, KAMINWERK
07.11. DORTMUND, PIANO
08.11. BERLIN, COLUMBIA THEATER
10.11. ASCHAFFENBURG, COLOS-SAAL
23.11. BREMEN, SCHLACHTHOF
24.11. KÖLN, CLUB VOLTA

Die LenneBrothers Band ( früher Lennerockers) hat in den letzten 35 Jahren europaweit über 2700 Konzerte gespielt . Ihr Stilmix aus Rock`n`Roll , Rockabilly , Country , Blues und Skiffle bringt einen unverwechselbaren Sound auf die Bühne. Lennerockers – Klassiker wie „High Class Lady“ und „Boogie Woogie Queen“ gehören genauso zum Repertoire wie die aktuellen LenneBrothers Band Scene-Hits „Rocking and Trucking“ und „Picking Berry`s“.

Angereichert wird die Show mit ausgewählten Coversongs von Johnny Cash über Jerry Lee Lewis bis hin zu Crazy Cavan .

Als besonderen Gast hat die LenneBrothers Band diesmal den englischen Rock`n`Roll und Blues Gitarristen Earl Jackson dabei, der wie kein anderer eine Ikone des Rock`n`Roll verkörpern kann : Chuck Berry! Ob bei Mimik , Gestik , Stimme , Gitarrenspiel ,Bühnenoutfit oder Bewegungsablauf – niemand ist näher dran am Original ! Earl Jackson ist der Knaller ! Als Support konnten die „Milestones“ aus Schwerte gewonnen werden.

Ein Rock`n`Roll-Abend der Extraklasse erwartet Euch!

Aktuelles Album “Back Road” +++ Make my Day Records

Wieder ein schönes Werk von Jaimi Faulkner: Der Australier spielt seine Musik mit großer Wärme und einem feinen Gespür für sanfte grooves zwischen Americana, Rock und Songwritersoul…Back Road konzentriert sich auf den musikalischen Kern des Sängers und – sehr versierten – Gitarristen. Die Arrangements sind gut justiert, das Zusammenspiel von einem genauen Gespür für die gemeinsamen sweet spots gekennzeichnet. – ROLLING STONE

Der Australier Jaimi Faulkner ist ein Riesentalent! Als versierter Gitarrist, der gleichermaßen mit der elektrischen und akustischen Gitarre bestens vertraut ist und als ausdruckstarker Sänger der mit warmer, souliger Stimme seine Fans begeistert. Seine spannenden und zugleich eingängigen Lieder besitzen einen hohen Wiedererkennungswert mit ausgefeilten Melodien und raffinierten Arrangements.
Herrliche Balladen auf der einen – kräftig, groovende Songs auf der anderen Seite füllen das Spektrum, das dieser packenden Singer-Songwriter ausfüllt. Seine handgemachte, authentische Musik kennt keine Grenzen: Folk, Rock, Soul, und Blues vermischen sich zu Ohrwürmern, die punktgenau ins Herz treffen.
2017 erschien die Single „Early Morning Coffee Cups“, die inzwischen mehr als 12 Millionen Streams bei Spotify verzeichnen kann. Ein beeindruckendes Indiz dafür, welche wachsende Popularität Jaimi Faulkner genießt. Im gleichen Jahr erschien sein neues und mittlerweile sechtes Album „Back Road“.Obwohl auf „Back Road“ die Songs immer im Mittelpunkt stehen, spielt Faulkners hervorragendes Gitarrenspiel eine tragende Rolle als perfekte Ergänzung zu seinem Gesang und beeindruckt mit einer Reihe sengender Soli. Das von Faulkner selbst produziertes Album wurde von Kritikern und Fans zugleich in den höchsten Tönen gelobt und ist wohl seine bisher stimmigste und überzeugendste Arbeit.
Wegen seinen unbestrittenen Talenten konnte Faulkner im Vorprogramm diverser bekannter Künstler wie Paul Young, Crosby, Stills & Nash, Max Giesinger, Chris Isaak, Tom Odell, Tony Joe White oder Holmes Brothers. u.v.a. überzeugen.

Jaimi Faulkner – Vocals, Acoustic, Dobro, Weissenborn & Electric
Sebastian Gieck – Vocals, Bass / Contra Bass
Bernhard Pricha – Vocals, Drums / Percussion
Lukas Häfner – Vocals, Electric / Acoustic Guitar

CD Rezensionen „Back Road“
“Sehr rootsig und soulig rockt sich Faulkner mit seinem angenehmen Timbre und Fingerfertigkeit durch elf starke Nummern. Ein leichter Country-und Americana-Touch rundet das Album perfekt ab.”
– MUSIX
Wieder ein schönes Werk von Jaimi Faulkner: Der Australier spielt seine Musik mit großer Wärme und einem feinen Gespür für sanfte grooves zwischen Americana, Rock und Songwritersoul…Back Road konzentriert sich auf den musikalischen Kern des Sängers und – sehr versierten – Gitarristen. Die Arrangements sind gut justiert, das Zusammenspiel von einem genauen Gespür für die gemeinsamen sweet spots gekennzeichnet.
– ROLLING STONE
Ein Riesentalent, jubelte die Presse 2004, als der junge Australier seinen Unterhaltungsschwerpunkt aus Folk, Country, Roots und Rock präsentiert, mal mit seinem Trio, mal als Solokünstler rein akustisch. Fünf Alben hat Faulkner veröffentlich und wird stets für sein eingängiges, nie einfältiges Songwriting gelobt. Erneut spielt er mit “Back Road” seine Asse aus: die Sonore Stimme, die
australische Lässigkeit, das Gespür für Groove
–AUDIO
“Die elf neuen Songs weisen den charismatischen Sänger als meisterhaften Songwriter aus. Mit leichter Hand vermengt Faulkner Folk, Gospel, kraftvollen Rock’n’Roll, dezenten Jazz und reichlich Blues zu einem unterhaltsamen, vitalen Sound gebräu. Besonders schmackhaft und gehaltvoll fällt der Mix bei dem Titeltrack und dem kompromisslos rockenden Blues „I Can’t Hold On“ aus. Seine
anstehende Tournee sollte ein sicherer Tipp sein.”
–CLASSIC ROCK
“Like You Did Back The” klingt nach zuhause, nach gutem Rock’n’Roll und einer gediegenen Prise Americana. Und dieses Eröffnungsstück des vierten  europäischen Albums des Australiers Faulkner zieht uns mit starken Melodien und einer spielfruedigen Band rein in ein gelungenes Album. Besonders gut gefällt mir das erstklassige Gitarrenspiel von Faulkner, das durchweg den Ton angibt von dem rest der Band unterstütz wird. Sein klarer, kräftiger Gesang setzt sich in der weit nach rechts und links aufgefächerten Abmischung problemlos durch. Das liegt an den gut strukturierten Arrangements, die die Klasse von Faulkner als Songwriter und Produzent unterstreichen. Neben den genannten Rock-und Americana-Elementen spielen auch Folk und Blues eine Rolle auf “Back Road” ohne aber zu sehr in eine einzelne Richtung abzudriften. So überzeugt die Platte vor allem durch eingängige Songs, den schönen Live-Charakter und den ausgewogenen Klang.
–HIFI-STARS

Konzert Rezensionen
Faulkner ist ein versierter Gitarrist, der den Saiten geradezu orchestrale Klänge entlockt.. Virtuos und mit hoher Geschwindigkeit flitzen seine Finger über den Hals seines Instruments… Herrliche Balladen und traurige Liebeslieder auf der einen, kräftige Songs zum Mitsingen auf der anderen Seite füllen das
Spektrum, das dieser moderne Troubadour ausfüllt.“
–NEUE OSNABRÜCKER ZEITUNG
„Um es gleich zu sagen: Der Mann ist ein Riesentalent: Als Komponist spannender und zugleich eingängiger Songs, als versierter Akustikgitarrist, als bombensicherer Sänger mit sehr ausdrucksstarker Stimme und natürlich auch als überaus sympathischer Entertainer…Auf der Bühne entpuppt er sich als Unterhalter, dem sein Publikum spätestens nach zwei Songs zu Füßen liegt. Sehr
geschickt verbindet er seine Fähigkeiten zu einer Show von der sich auch alterfahrene Künstler eine Scheibe abschneiden könnten.“
–DONAU KURIER
„Jaimi Faulkner ist zwar jung aber musikalisch gesehen schon ein alter Hase, der alle Tricks drauf hat und weiß, wie man seine Zuhörer zwei Stunden lang fesselt…Mit unglaublicher Dynamik und gewaltigem Stimmumfang wickelt Faulkner sein Publikum um den Finger… Ein außergewöhnlicher junger Mann mit großem Talent!„
–STRAUBINGER TAGBLATT
„Die einen lauschen mit geschlossenen Augen, andere wippen mit den Köpfen – auf welche Art auch immer, es scheint jedenfalls, als ob sich das gefüllte Zelt in einer musikalischen Traumwelt befindet. Als Jaimi Faulkner dann seine ruhigen Melodien mit rockigen Klängen vermengt, ändert sich die Stimmung schlagartig. Das Publikum erwacht aus seinen Träumen und lässt sich von leidenschaftlichem Soul und Rock’n‘ Roll mitreißen…Als er sich am Ende des Konzertes mit einem
liebenswürdigen Lächeln, einem typisch australischen „Cheers“ und einem bombastischen Gitarrensolo verabschiedet, belohnt ihn das Publikum mit tosendem Applaus.“
–SCHWÄBISCHE ZEITUNG
„Kurz, das Instrument gestimmt, schließt Faulkner die Augen und läßt die Gitarre sprechen. Es sind Songs bei denen sich Welten öffnen und das Bilderkino im Kopf angeht…Was für ein Sound! Was für ein Groove! Was für Energie!“
–DACHAUER NACHRICHTEN
„Besonderer Gast war der Gitarrist und Sänger Jaimi Faulkner. Solo schaffte er es innerhalb kürzester Zeit, die Leute zu Beifallstürmen zu bewegen, rockte mit erstklassigem Gitarrenspiel und toller Stimme.“
–PEINER ALLGEMEINE ZEITUNG
„Das Café in der Altstadt war knallvoll. Denn dass Faulkner ein guter, nein ein phantastischer Musiker ist, hat sich längst herumgesprochen in Dachau und Umgebung. Viele Gäste sahen und hörten Faulkner nun zum zweiten oder dritten Mal. Wer nicht da war, der hat was verpasst!“
–MERKUR-ONLINE

MALINA MOYE – BAD AS I WANNA BE

N 77052 (CD) / N 78052 (LP)

Durch das auf den Kopf stellen einer Fender Stratocasters hat die gefeierte Sängerin/Songschreiberin und linkshändige Gitarrenspielerin Malina Moye erfolgreich eine Lücke in der Unterhaltungsindustrie besetzt. Moye, die vom Guitar World Magazine als eine Musikpionierin und eine der besten Gitarristin gefeiert wurde, hat für sich eine eigene Nische in der heutigen Musikszene geschaffen – als einer von nur wenigen Künstlerinnen in der Geschichte gelingt es ihr, den Graben zwischen Rock und Soul zu überbrücken. Darüber hinaus ist sie eine der führenden Gitarristinnen ihrer Generation geworden.

Moye hat „das Talent, das Aussehen, die Energie, einfach alles“, attestierte die Huffington Post. Seventeen Magazine konstatierte: „Auf der Bühne liefert Malina eine berauschende Mischung von Funk, Rock und Soul ab.“ Ihr bisher letztes Album Rock & Roll Baby wurde 2014 veröffentlicht und begeisterte die Sozialen Medien mit der Funk-Rock Hymne Kyotic, die auf Platz 5 des Billboard Twitter 140 Chart debütierte. 2016 landete Malinas Hit-Single Are You The One auf Platz 32 des Billboard National R&B Airplay Chart, was vor allem auf den großen Erfolg beim Radiosender Sirius XM zurückzuführen war. Guitar World Magazine pries Rock & Roll Baby als „wahnsinnig gut“ und lobte „die verführerischen Leidenschaft und das große Gespür mit dem sie Gitarre spielt.“ The Examiner erklärte Moye zu „einer der besten 10 U.S. Independent-Künstlerinnen“ und das Billboard Magazine nannte ihre Zusammenarbeit mit Bootsy Collins „explosiv“.

Im Jahr 2011 erreichte Moyes von der Kritik gelobte LP Diamonds & Guitars Platz 35, sowohl auf Amazon.com als auch bei iTunes, was einmal mehr beweist, dass ihre vielseitige Musik durchaus auch die Massen anspricht. Zwei Lieder aus diesem Album landeten in die Billboard-Charts: Girlfriend (Platz 48), das es auch in eine Episode von „The Hills“ auf MTV schaffte und Alone, das es auf Platz 93 von Billboard’s Hot R&B/Hip Hop Songs schaffte und über sechs Wochen nicht aus den Charts fiel. Danach blieb Alone noch über 15 Wochen in den Top-10 der Billboard R&B/Hip Hop Charts. 2012 nahm Malina als erste weibliche Gitarristin überhaupt an der Experience Hendrix Tour teil und trat in der Dokumentation „Stratmaster: The Greatest Guitar Story Ever Told“ auf. Abroad und stateside, Moyes Diamond & Guitars Tour, diente ihr auch als Vorprogramm für die Robin Thicke and legendary rock group Journey.

Moyes musikalisches Schaffen ist eindrucksvoll und vielseitig; so war sie einerseits die erste Afro-Amerikanerin, die bei einem professionellem Sportereignis auf der Gitarre die Nationalhymne gespielt hat, und ist andererseits in der Rock & Roll Hall of Fame bei einem Konzert zu Ehren des Musikpioniers Chuck Berry aufgetreten. Erst vor kurzem ehrte Malina die Königin von England zu deren 60. Thronjubiläum und spielte „God Save the Queen“ beim Goodwood Festival of Speed.

Malinas Modestil, ihre Bühnenpräsenz und unorthodoxe Art ihre Gitarre zu intonieren, haben ihr sowohl von alten Hasen der Musikbranche als auch von Neulingen viel Lob eingebracht. Als einflussreiche Künstlerin definiert Moye Musik und die Mainstream-Popkultur neu; vor allem auch dadurch, dass sie einige speziell auf eine stärkere Rolle von Frauen in der Musikwelt abzielende Programme, wie der „Girl Rock Nation“ von Fender, der von Victoria Secret’s organisierten Kampagne „Love Rocks“ oder Steve Maddens „Music“, tatkräftig unterstützt.

Malina engagiert sich auch in der Zivilgesellschaft und hat unter anderem DriveHope.org mitbegründet, eine non-profit Organisation, die sich zum Ziel gesetzt hat, einzelnen Menschen dabei zu helfen, über sich selbst hinauszuwachsen und damit auch der Community in der sie leben, Auftrieb zu geben.

Malina Moye steht mit vollem Einsatz hinter ihrer einmaligen Marke. Wie keiner anderen Musikerin unserer Zeit gelingt es ihr, Charisma, Feuer und starke Emotionen mit ihrer Musik zu verbinden. Als fähige Geschäftsfrau hat sie ihren Kindheitstraum in ein aufblühendes Reich verwandelt.

Wenn eine Band die Bezeichnung „einzigartig“ verdient, dann sicher die US-amerikanische ProgRock Formation Pavlov`s Dog. Als Pavlov’s Dog 1974 bei ABC für $ 650.000 ihren ersten Plattenvertrag unterzeichneten, war dies die höchste Summe die je einer Newcomerband bezahlt wurde. Das Debütalbum Pampered Menial wurde vom englischen Musikmagazin Mojo in die Top 30 der bedeutendsten Progressive Rock Alben aller Zeiten gewählt. Pavlov’s Dog tourten mit Kraftwerk, Journey, Heart, Bob Seger oder Nazareth, die z.T. im Vorprogramm von Pavlov’s Dog spielten. Da sich der Sound der Band und die einzigartige Stimme von David Surkamp jedoch als zu extrem für die großen amerikanischen Radiostationen erwies, blieb der ganz große Durchbruch aus. Pavlov’s Dog lösten sich bereits 1977 wieder auf.
Es folgte eine Pause von fast 30 Jahren und die Legende, David Surkamp sei beim Inhalieren von Helium gestorben. Die Reaktionen auf das Anniversary-Konzert 2004 waren weltweit so überwältigend, dass Surkamp die Band neu formierte. Das 2010er Comebackalbum Echo & Boo wurde von Eclipsed auf Platz 13 der bedeutendsten Veröffentlichungen des Jahres gewählt. 

5 DECADES OF CLASSIC ROCK – 2019 feiern EPITAPH ihr 50-jähriges Bandjubiläum. Grund genug, dies mit einem neuen Album und einer Tour zu begehen.

Das neue Album „Long Ago Tomorrow“ ist der Höhepunkt einer langen Reise durch fünf Jahrzehnte Rock. Es ist ein sehr abwechslungsreiches und zugleich persönliches musikalisches Statement, von den Kellern des Fantasio über das Spukhaus der Black Hills bis zu den Wolkenkratzern von
Chicago. Dieses Album bringt all die Prüfungen, das Trübsal, die Erfolge und die gebrochenen Träume zusammen, die EPITAPH zu dem gemacht haben, was sie heute sind. – Eine Top-Classic-Rock-Band, die auch heute jede Bühne rockt!

Vorgestellt wird das neue Album auf der gleichnamigen „Long Ago Tomorrow – Tour“ VÖ 26. April 2019

Nur eine Handvoll Rockbands in Deutschland darf für sich den Zusatz „legendär“ beanspruchen. EPITAPH gehören dazu. Die 1969 gegründete Formation hat insbesondere in den 1970ern Musikgeschichte geschrieben. Als erste deutsche Band tourten sie mehrfach in den USA und produzierten in Chicago das 1974 veröffentlichte Album „Outside The Law“. Spätestens nach den Fernsehauftritten im Beat Club und im Rockpalast, war die Band in aller Munde. Gemeinsame Tourneen mit Joe Cocker, Rory Gallagher, Golden Earring oder auch ZZ-Top, sowie unzählige Festivalauftritte, machten EPITAPH zu einer der gefragtesten und kultigsten deutschen Rockbands.

Die Band veröffentlichte in den vergangenen 40 Jahren insgesamt 17 Studio- und Live-Alben. Zählt man die digitalen Re-releases dazu, sind es 22 Alben. Nachdem es in den 80ern und 90ern etwas ruhiger geworden war, meldeten sich EPITAPH im neuen Jahrtausend zurück. Die neuzeitlichen Studio-CDs
„Remember The Daze“, „Dancing With Ghosts“ und „Fire From The Soul“ sind Alben mit zeitloser Rockmusik. Die CD/DVD-Box „Live At Rockpalast“ mit allen drei (!!) Rockpalast-Konzerten, und den Beat-Club- Aufzeichnungen als Bonusmaterial, steht zur Freude der Fans in den Regalen. Der Konzertmitschnitt von 2013 „Still Standing Strong – Live At The Capitol“, ist als Doppel-DVD und als Doppel-CD erhältlich.

EPITAPH zeigen dort eindrucksvoll, dass sie jeden Saal zum Kochen bringen. Akustisch begeistern EPITAPH auf dem unplugged Album „The Acoustic Sessions“, welches unter den Top 100 Rock-Alben des Jahres 2014 Platz 31 im ECLIPSED Magazin belegte. Und das vor Bands und Musikern wie Foo
Fighters, Joe Bonamassa oder Legenden, wie Wishbone Ash. Weil EPITAPH auch unplugged erfolgreich sind, produzierte die Band 2016 „A Night At The Old Station“ eine Live-CD/DVD-Box. Das aktuelle Line-Up besteht aus den Gründungsmitgliedern Cliff Jackson (Gitarre/Gesang) und Bernd Kolbe (Bass/Gesang), sowie Heinz Glass (Gitarre), der auch schon in den 70ern zur Band gehörte. Am Schlagzeug sorgt Carsten Steinkämper für den nötigen Druck. Der Dortmunder absolvierte ein Schlagzeugstudium von 1997 bis 2001 am Conservatorium in Maastricht NL. Er spielte bereits in verschiedenen Formationen – u.a. auch bei EPITAPH. Carsten ersetzt den Schotten Jim McGillivray.

“A look back at original blues, rock and gospel songs spanning Layla Zoe’s career.”

LAYLA ZOE:  Die Gewinnerin des European Blues Award für BEST VOCALIST of 2016!

Wie ihre frühen Vorbilder – von Bob Dylan bis Muddy Waters – ist die kanadische Bandleaderin eine ausgezeichnete Songschreiberin, die bereits 2006 den vielversprechenden Compo 10 International Blues Songwriting-Wettbewerb gewann (Finland) und Anerkennung für ihre Alben wie das 2013 erschienene „The Lily“ und Breaking Free (2016) in die Amerikanische Downbeat Magazine´s „Top Albums Of The Year“ erhielt. Unterwegs mit Ruf Records Blues Caravan (2016) sowie Jane Lee Hookers (2017) demonstriert sie, dass sie ohne Zweifel eine der besten Bluesrock-Sängerinnen ist.

Der aus Australien stammende Gitarrist Tommy Emmanuel gehört zu den größten lebenden Akustik-Gitarristen. Mit seinem hochvirtuosen Fingerstyle zeigt er seinem Publikum, was man alles aus einer Gitarre herausholen kann. Atemberaubende Läufe, rhythmisches Picking, müheloses Wandeln durch sämtliche Tonarten: Es klingt, als spiele ein komplettes Orchester. Bei Kennern ruft er ein ungläubiges Kopfschütteln hervor, bei Laien ein kindliches Staunen. Tommy Emmanuel – ein Weltstar der Gitarrenmusik mit zwei Grammy-Nominierungen und Plattenverkäufen im Millionenbereich.

Bei seinen Shows, die er pur und unverfälscht als Solist bestreiten wird, dürfen sich Gitarren-Gourmets und Freunde hochemotionaler Musik gleichermaßen auf ein Fest für die Ohren einstellen.

»Tommy Emmanuel ist der großartigste Gitarrist, den ich jemals gesehen habe.« (Eric Clapton)

IAN PAICE (Deep Purple, ex Whitesnake, Gary Moore) – DRUMS – US
ROBERT THOMAS WALSH (Roger Glover, Joe Lynn Turner, Tony Carey) – VOCALS – IRL
FRANK PANÈ – GUITARS (Bonfire, Joe Lynn Turner) – AUT
MALTE FREDERIK BURKERT (Graham Bonnet) – BASS – GER
ERNESTO GHEZZI (Gotthard, Roger Glover, Zucherro) – HAMMONDS/KEYS – ITA

„Purpendicular are one of the top bands I play with outside Purple.“
Ian Paice
„It’s big fun to play with Purpendicular“
Roger Glover
„Purpendicular is an excellent band.“
Ritchie Blackmore
„This Band is fucking awesome!“
Joe Lynn Turner

Ian Paice ist der legendäre Schlagzeuger von Deep Purple und aktuell das einzig verbliebene Gründungsmitglied von Deep Purple. Jetzt kommt er mit der Band Purpendicular auf Tour um seine Best-Of-Classic-Deep-Purple-Show auf die Bühne zu bringen. Ian Paice ist dabei live und ganz nah in Clubatmosphäre zu erleben. Da wird keine Videoleinwand benötigt, denn Ian Paice wird nur wenige Meter vom Publikum entfernt über zwei Stunden seine einzigartige Spielweise aufführen. Zu hören gibt es Deep Purple Klassiker wie „Child In Time“, „Black Night“, „Smoke On The Water“, „Woman From Tokyo“ und „Hush“.

Deep Purple wird seit den 70er Jahren als eine der innovativsten und erfolgreichsten Rockbands aller Zeiten gefeiert und daran hat das Schlagzeugspiel von Paice einen großen Einfluss. Ihre Musik ist gekennzeichnet durch die Ausgewogenheit zwischen genialer Musikalität und monumentaler Einfachheit. Paice selbst spielte neben Deep Purple unter anderem auch bei Whitesnake, Gary Moore sowie bei Soloprojekten von Jon Lord, Paul McCartney und Pete York von der Spencer Davis Group.

Die Band Purpendicular, die von Ian Paice und Joe Lynn Turner sogar als „beste Deep Purple Tribute Band der Welt” bezeichnet wurde, besitzt die Fähigkeit, die einzigartige Magie von Deep Purple, die für den Erfolg der legendären Rockband verantwortlich ist, bei jedem Auftritt live zu vermitteln. Selbst Ritchie Blackmore sagt „Purpendicular ist eine exzellente Band“ und Roger Glover meinte nach seiner Performance mit Purpendicular in Basel 2012 „Sie klingen frisch und es ist eine große Freude mit ihnen zu spielen“. Deshalb spielten auf dem ersten Album „tHis is the tHing“ neben Ian Paice als weitere Gäste auch Steve Morse, Don Airey, Roger Glover und Neil Murray mit. Auf dem aktuellen Album „Venus to Volcanus” gibt sich wiederum Ian Paice die Ehre am Schlagzeug. Als weiterer Gast ist der ehemalige Rainbow Keyboarder Tony Carey zu hören. Das Album schaffte es bis in die Top 20 der Deutschen Metal-Rock-Charts.

Eine neue Ära beginnt – No More Tears…

Blizzard of Ozz, die gefragteste Ozzy Osbourne und Black Sabbath Tributeband in Europa bietet das dazu passende Programm.
Eine Mischung professioneller Musiker aus Deutschland & England.

Nicht nur die populären Hits wie I donʼt Know,Mr Crowley, Bark At The Moon, War Pigs, Paranoid, Dreamer, No More Tears, Crazy Train oder Suicide Solution werden absolut authentisch umgesetzt.

Für wahre Ozz Fans – die ultimativen Songs von den Großmeistern des Heavy Rock & Metal The Prince Of Darkness Mr. Ozzy Osbourne & Black Sabbath!

Let the madness begin…

Shooter Promotions proudly presents… THE ARISTOCRATS

19.11.- München/Technikum
20.11.- Hamburg/Fabrik
21.11.- Bensheim/Musiktheater Rex
23.11.- Winterbach/Strandbar
24.11.- Dortmund/Musiktheater Piano

Da sind sie wieder! Gott sei Dank!
THE ARISTOCRATS kommen für einige Konzerte nach Deutschland. Guthrie Govan (g), Bryan Beller (b) und der Mastermind hinter der Schießbude Marco Minnemann (dr)!
Im Gepäck haben sie ihr neues Studioalbum „You know what…?“ Und wieder einmal fällt es dem Hörer schwer, die Musikrichtung genauer zu beschreiben. Ist es nun Prog-Rock, Jazz-Fusion, Rock? Völlig egal!
Auch ihr viertes Album ist einfach nur brillant!
Diese Supergroup versteht es wie kaum eine andere Band, die Songs vom Album derart lebhaft auf die Bühne zu übertragen. Acht Jahre spielen sie mittlerweile zusammen und sie werden immer besser und besser.
Mit wem die einzelnen Bandmitglieder nicht schon alles zusammen gespielt haben….Steven Wilson, Asia, Hans Zimmer, Steve Vai, Joe Satriani, Steve Hackett und und und. Mehr als beeindruckend.
Für Musikkenner und Musikliebhaber sicher ein Konzerterlebnis, das man sich nicht entgehen lassen sollte. Wie Marco Minnemann anmerkt: „Du kannst die Chemie nicht voraussagen oder erzwingen.“ Bei The Aristocrats war diese einfach von Beginn an da. „Als wir das erste Mal unsere Instrumente angeschlossen und zusammen gespielt haben, war für uns sofort klar, dass hier etwas Spezielles vor sich geht.“
Das haben auch die Fans sehr schnell erkannt. Und es werden immer mehr… .

BIG war die Erfüllung eines Traums, der den britischen Blues-Gitarristen und Sänger Danny Bryant seit Beginn seiner steilen Karriere begleitet hat. Der Traum, seine Songs mit einer neunköpfigen Bigband ungeschminkt vor Publikum aufzunehmen, wurde Anfang 2017 in die Realität umgesetzt. Der charismatische Musiker präsentierte, unterstützt durch Keyboards, Bass, Schlagzeug, Rhythmus-Gitarre und einer vollen vierköpfigen Bläsersektion, seine Songs bei drei exklusiven Shows in Deutschland und in den Niederlanden seinem Publikum. Das Ergebnis war so fulminant, dass der Mitschnitt mit der Veröffentlichung des doppelten Live-Albums BIG (Jazzhaus Records, No. 1 Amazon Bestseller „Blues“) gefeiert wurde. Nach einer sehr erfolgreichen Tournee und Auftritten bei namhaften Festivals in Großbritannien, Deutschland, Schweiz, Polen und den Niederlanden wird „UK’s National Blues Treasure“ (Classic Rock Magazine, UK) auch 2019 bei wenigen, exklusiven Konzerten mit Bigband-Besetzung live in Europa zu sehen sein.

BESETZUNG
Danny Bryant – Guitar, Vocal
Dave Raeburn – Drums
Alex Phillips – Bass, Backing Vocal
Marc Raner – Rhythm Guitar, Backing vocal
Stevie Watts – Keys, Backing Vocal
Mark Wilkinson – Baritone Sax
Lauren Young – Tenor Sax
David Maddison – Trumpet
Alex Maddison – Trombone

Im Jahre 2002 schlossen sich der Sänger Jesse Wagner und der Organist Roger Rivas zu dem Reggae Quintett „The Aggrolites“ zusammen.

Mit ihrer Soundmischung aus Kingston und Motown, wurden sogar sehr anspruchsvolle Reggae-Kritiker auf sie aufmerksam. Darunter nicht zu vergessen eine Menge an Legenden wie Phyllis Dillon, Derrick Morgan oder Newcomer wie Tim Armstrong, welche sich alle zu einer Zusammenarbeit mit den Aggrolites einließen. Über die letzen Jahrzehnte, war die Band aus Los Angeles ständig auf Tour und nahm durchgehend neue Stücke auf. Sie veröffentlichten bereits fünf Alben trotz fast 250 Tage im Jahr auf Tour zu sein. Es schien als wären die Aggrolites auf der ganzen Welt gewesen, und das stimmt! (Der Kilometerzähler kann es beweisen).

Dann unerwartet: Stille. Nach der äußert strapaziösen Releasetour zum Album „Rugged Road“, verfiel die Band in einen langen Winterschlaf und die Vertreter des „Dirty Reggae“ verschwanden von der Oberfläche.

„Ich glaube es war ein Zeichen, das Ganze hinter sich zu lassen“ sagte Frontman Wagner. „Wir haben die Motivation verloren neue Stücke aufzunehmen. Wir hatten den Punkt erreicht, an dem wir uns auf unser persönliches Leben konzentrieren mussten. Jeder brauchte Zeit für sich selbst.“

Natürlich, eine gute Band verschwindet nicht komplett. Auch wenn sie eine Auszeit genommen haben, hinderte es sie nicht eine handvoll Gigs im Jahr zu spielen. Die Bandmitglieder erweiterten ihre Kreativität. (Rivas eröffnetet sein eigenes Studio und spielte in mehreren Bands, Wagner spielte zusammen mit Vic Ruggiero von den Slackers, Bassist Jeff Roffredo gründete die Band „Wild Roses“ mit dem ehemaligen Gitarristen von Dropkick Murphys, Mar Orgel). Durch den dauerhaften Support ihrer Fans kamen sie Ende 2015 nochmal zusammen um die drei Songs „Aggro Reggae Party“, „Help Man“ und „Western Taipan“ aufzunehmen, welche sie daran erinnerten, dass sie immer noch „pretty damn good“ in diesem Business sind.

„Ich glaube wir waren in dieser Zeit so sehr mit unseren eigenen Leben beschäftigt, dass wir nur noch das nötigste getan haben um die Band wenigstens am Leben zu halten,“ erzählte Wagner. „Aber glücklicherweise haben wir es geschafft, weil wir nie aufgaben.“

Die einmalige Recording Session war möglicherweise der Auslöser, der das sechste Aggrolites Album entstehen ließ, welches auf von dem neuen Label Pirates Press Records veröffentlicht wurde. Produziert im Jahre 2018, gab es Wagner und seinen Bandkollegen – Rivas, Roffredo, Schlagzeuger Alex McKenzie und dem neuen Gitarrist Ricky Chacon, die Möglichkeiten ihren unverwechselbaren Sound zurückzuholen. Drei Songs aus dem Jahre 2015 wurden erneut aufgenommen, aber auch 11 neue Songs entstanden.

„Wir wollten realistisch bleiben“, sagt Wagner. „Auch wenn wir sehr stolz auf Das Album „IV“ aus dem Jahre 2009 waren, wollten wir mit dem neuen Album unseren Horizont etwas erweitern. Wir wollten natürlich bleiben: Simpler Two-Cord-Reggae. Gute Laune Musik. Wir wissen was die Menschen von uns erwarten. Wir wollten einfach wir sein.“

Auch wenn es beinahe ein ganzes Jahrzehnt dauerte, die Aggrolites wieder zurück in ein zusammenhängenden kreativen Raum zu bekommen, hat es nur einen Bruchteil der Zeit gebraucht um neue Werke zu schaffen.

„Wir bevorzugen es „old school“ zu bleiben und richtig aufzunehmen, wie die Funk Brothers aus Motown, oder the Hippy Boys,“ verrät Wagner. „Da geht es um die ganze Atmosphäre und Energie – gehe in einen Raum und lass die Energie fließen. Wir haben uns wie Jugendliche gefühlt, die mit ihrer Band in der Garage spielen. Das kam bei den Aufnahmen raus.“

Wagner betonte mehrfach, dass die Band „feel-good music“ schafft und das Album ein Testament and diese „good vibrations“ ist. „Love Me Tonight“ ist ein Liebeslied, mit smoothem Gesang, der funky Track „Jack Pot“ könnte der nächste Soundtrack für die nächste Clubnacht sein, „Why you Rat“ wird dich zur selben Zeit zum Grooven und Lachen bringen.

„Unsere Texte sind schon immer sehr fröhlich und sollen die Menschen zum lächeln und tanzen bringen, mit einem Vintage-Retro-Gefühl im Kopf,“ sagt er. „Das ist was die Aggrolites ausmacht. Das schöne an Reggae und dem Sound ist, dass es auch eine Richtige „Punch You In The Face“ Musik ist.

„Der Sound gibt genau „human chemistry“ wie bei frühen jamaikanischen Produktionen,“ sagt die britische Reggae Ikone Don Lette. „Dieser analoge old-school Sound umfasst genau die Musik mit der ich aufgewachsen bin.“

„The Aggrolites haben sich ausgeweitet, und haben es noch besser gemacht, genau zur richtigen Zeit,“ stimmt Lynval Golding, Sänger und Gitarrist der Specials, zu. „Das ist DAS Album.“

Für fast zwei Jahrzehnte arbeiteten sie frei und ohne Druck an REGGAE NOW! Als sie das Album fertig hatten, hatten sie keine Schwierigkeiten ein passendes Label zu finden: Das Label Pirates Press Records stand ganz oben auf ihrer Liste.

„Ich kenne Skippy, den Geschäftsführer des Labels, schon seit ich 17 bin,“ erzählt Wagner. „Über die Jahre sah ich , was für Fortschritte er machte und welchen Respekt andere vor ihm hatten. Er war derjenige dem wir voll und ganz vertrauten.

Mit REGGAE NOW! Werden die Aggrolites erneut durchstarten und das erste Mal seit sechs Jahren durch die USA touren.

„Wir lieben Reggae und unsere Band, ich bin mir sicher wir werden niemals damit aufhören. Wir haben es REGGAE NOW! Genannt, weil das sind wir JETZT!“.

WISHBONE GOLD – 50^th ANNIVERSARY TOUR
Celebrating the 50^th anniversary of the formation of the original Wishbone Ash
Featuring full performance of Wishbone Ash’s iconic albums “Pilgrimage” (1971) and New England” (1976) plus “ARGUS” classics

Im Herbst 2019 kehren Martin Turner und seine Band auf die Konzertbühnen zurück um das 50jährige Jubiläum der Wishbone Ash Gründung zu feiern und spielen ihre beiden Classic-Alben – Pilgrimage aus dem Jahr 1971 und das 1976er New England – live und in voller Länge inklusive anderer bekannter Wishbone Ash-Klassiker.

Wishbone Ash wurde von den West Country Musikern Martin Turner und Steve Upton gegründet, die 1969 in London ihre musikalischen Reise starteten. Mit der Absicht, einen Sound zu kreieren, der reich an melodischer Struktur ist, schuf Martin Turner den unverkennbaren Gitarrensound der doppelten Leadgitarre und die Gitarristen Ted Turner und Andy Powell wurden über eine mittlerweile legendäre „Melody Maker“ Anzeige gefunden. Das Original-Lineup von Wishbone Ash hat einen einzigartigen Musikstil geschaffen, der einige der besten Songs und Alben in der Geschichte der Rockmusik hervorbrachte und zahlreiche erfolgreiche Bands beeinflusst hat. Wishbone Ash wurden zu einer der beständigsten britischen Rock Bands und ihr Name steht für hochqualitativen, gitarrenlastigen Melodic-Rock.

5 Jahrzehnte später begeistert die Musik von Wishbone Ash immer noch alte und neue Fans auf der ganzen Welt, sowohl mit Live-Konzerten als auch mit einer beachtlichen Auswahl an Studioalben. Album-Veröffentlichungen wie Argus, Pilgrimage, There´s the Rub, New England und Live-Dates haben den typischen Wishbone Ash-Sound definiert und die Herzen mehrerer Generationen von Musik-Fans berührt. Als Lead-Sänger, Bassist und kreativer Kopf der Band trug Gründungsmitglied Martin Turner erheblich zum Erfolg von Wishbone Ash bei sowohl bei den Kritikern als auch in kommerzieller Hinsicht. Durch seine ausdrucksstarke Stimme, seine Songwriter Fähigkeiten, sein Gespür für melodiöse Harmonien und deren Umsetzung und nicht zuletzt durch seine Fertigkeiten als Produzent, ist er zu einer Schlüsselfigur für den definitiven Wishbone Ash Sound geworden. Martin Turner spielt auch weiterhin die beliebtesten Stücke der Band mit seinem aktuellen Line-Up, das aus den Gitarristen Misha Nikolic und Danny Willson und dem Schlagzeuger Tim Brown besteht.

In den vergangenen Jahren hat Martin Turner weltweit sein Publikum mit seinen Auftritten und Aufführungen des Materials der klassischen Periode der Erfolgsgeschichte von Wishbone Ash erfreut. Martin’s 2019er Tourneen setzen diese Vertiefung des Wishbone Ash Backkatalogs fort und gipfeln in der Veröffentlichung der 30-Disc-Deluxe-Edition des retrospektiven CD Box Set The Vintage Years 1970-1991 (Snapper Music) sowie der 2016 aufgenommenen Doppel Live CD/DVD The Beauty of Chaos – Live at the Citadel.

Im September 1971 veröffentlicht und mit der gefeierten original Wishbone Ash Bandbesetzung Martin Turner, Steve Upton, Ted Turner und Andy Powell, baute Pilgrimage auf den kreativen und kommerziellen Erfolg des 1970 entstandenen Debütalbums der Band Wishbone Ash auf und ebnete 1972 den Weg für das Classic-Album Argus, das schließlich der Band den “Best New Band”-Award der britischen Musikpresse einbrachte. Mit einer großen Bandbreite verschiedenster Einflüsse wie Blues, Jazz, Folk und Rock, enthält Pilgrimage einige der Sützpfeiler des Live-Sets von Wishbone Ash wie “Jail Bait” und “The Pilgrim” als auch Lieblingsliedern der Fans wie “Vas Dis” und “Valediction”. Strahlend in seiner unverwechselbaren, von Hipgnosis gestalteten Album-Hülle, erreichte Pilgrimage Rang 14 der britischen Album-Charts. Auf der Herbst-Tour 2019 wird Pilgrimage nun zum ersten Mal in voller Länge auf der Bühne gespielt werden.

Im Oktober 1976 veröffentlicht und mit der Wishbone Ash „Mark 2“-Bandbesetzung Martin Turner, Steve Upton, Andy Powell und Gitarrist Laurie Wisefield (der sich Wishbone Ash 1974 anschloss), kennzeichnete New England die Rückkehr von Wishbone Ash nach der recht enttäuschenden Resonanz auf deren Vorgänger Locked In. Geschrieben und aufgenommen wurde New England in der lockeren Umgebung eines Keller-Proberaums in Martin Turners Haus in Connecticut, woraus sich ein Album ergab, das vor Live-Energie übersprudelt. Mit einem Mix aus kraftvollen Rocknummern wie “Runaway” und “Mother of Pearl” neben melodischen Einschnitten wie “Lorelei” und “You Rescue Me“, war das Album sofort ein Publikumsliebling. Das Kennzeichen der Band, die doppelte Leadgitarre, klang noch nie so dynamisch wie auf dem instrumentellen Vorzeigelied “Outward Bound” und New England hob alle Stärken dieser vielgeliebten Band hervor. Erst während der Frühlings-Tour 2019 wurde New England von Martin Turner und seiner Band zum ersten Mal vollständig live auf einer Bühne gespielt und auch bei der Herbst-Tour 2019 wird das Album, aufgrund der großen Publikumsnachfrage, weiterhin ein Teil des Programms bleiben.

Die Wishbone Gold Tour ist ein Event das kein Wishbone Ash Fan oder Classic-Rock-Genießer verpassen möchte.

Line up:
Martin Turner – Lead Vox, Bass
Danny Willson – Guitar, Vox
Misha Nikolic – Guitar, Vox
Tim Brown – Drums, Percussion, Vox

Bollock Brothers ist ursprünglich eine englische Punk-/Rock-/Synthesizer-Pop Band, die 1979 in London vom Londoner Promoter, DJ und Manager Jock Mcdonald gegründet wurde. Die dem ursprünglichstem Elektropunk entstammende Rockmusikmischung bildet die Grundlage für eigenwillige Songs, in denen Mcdonald mit unverwechselbarem Sprechgesang von seinen Obsessionen und Leidenschaften berichtet.

Oft geht es bei diesen eindringlichen Vorträgen um postmodernen Totenkult und Katholizismus( „Jesus Lived Six Years Longer Than Kurt Cobain“), Horrorfilme („Drac’s Back“), Apokalypse („the four horsemen“) oder um prominente oder historische Personen („Brigitte Bardot“, „Henry the 8th“). Außer ihren Eigenkompositionen sind die Bollock Brothers für ihre außergewöhnlichen
Coverversionen bekannt geworden, unter anderem von Sex Pistols, Led Zeppelin, Serge Gainsbourg, Aphrodite’s Child, e.t.c. Besonders herausragend ist das Cover von „Faith Healer“
(Alex Harvey Band), welches aufgrund der großen Popularität als Single veröffentlicht wurde.

In den Anfangstagen machte die Band mit skurrilen Publicity-Aktionen auf sich aufmerksam: Auf dem 1983 erschienen Album, auf dem das Sex Pistols-Album „ Never mind the Bollocks“ als
Elektroversion gecovert wurde, sang auch Michael Fagan, der Mann, der dafür berühmt wurde, in das Schlafzimmer der englischen Queen 1982 eingedrungen zu sein. Für kurze Zeit trat 1980
Jimmy Lydon, der Bruder von Johnny Rotten ebenfalls als Sänger auf.

•Jock McDonald : Vocals (Doneagal, Irland)
•Chris McKelvey : Guitar (Glasgow, Schottland)
•Morgan Michaux : Keyboard (Lille, Frankreich)
•Richard Collins : Bass (London, England)
•Patrick Pattyn : Drums (Ostende, Belgien)

Konventionellen, sauber gespielten Hard-Rock mit einem wohlklingend klagenden Gesang machten die schottischen Nazareth aus der Nähe von Edinburgh ab 1968 zu ihrem Programm. Gegründet wurde die Band von Dan McCafferty (vocals), Manny Carlton (guitar), Pete Agnew (bass) und Darrel Sweet (drums). Der harte Kern der Band blieb über 20 Jahre zusammen. In diesen zwei Jahrzehnten bewährte sich Nazareth als solide und perfekt eingespielte Live-Formation, die ein Dutzend Top-Hits und fünf Bestseller-Alben verbuchen konnten. Millionenhits wie „Love Hurts“, „This Flight Tonight“ und „Dream On“ wurden zu Meilensteinen der Rockmusik und die Band zu einer der einflussreichsten Hardrock-Formationen der 70er und 80er Jahre. Spätere Legenden wie Guns N‘ Roses und Metallica zählen Nazareth zu ihren wichtigsten Einflüssen. Tatsächlich gehört die Band in eine Riege mit Led Zeppelin, Deep Purple und Black Sabbath. Als 1973 Richie Blackmore einen Nachfolger für den geschassten Ian Gillan bei Deep Purple suchte, fragte er nach einem gemeinsamen Auftritt als erstes den Nazareth-Frontmann und bekam glatt eine Abfuhr.
Mit neuem Sänger (Carl Sentence löste 2013 den bisherigen Sänger Dan McCafferty ab) und frischem Elan ging die Band im Frühjahr 2018 ins Studio. Heraus kam das erste Studio-Album nach 5 Jahren Studio-Pause: „Tattooed On My Brain“ erschien am 12. Oktober 2018 als CD & LP!! Ein Longplayer mit 13 brandneuen Songs, welche wieder an den typischen alten Hardrock-Sound erinnern und zeigen, dass Nazareth es immer noch drauf hat, großartige Songs zu schreiben. Egal ob schnelle Hartrock-Songs oder schwere Rock-Balladen, das Quartett überzeugt vom ersten bis zum letzten Song und „Tattooed On My Brain“ ist auf dem besten Weg das erfolgreichste Nazareth-Album der letzten 20 Jahre zu werden.
Gründungsmitglied Bassist Pete Agnew erzählt vom neuen Album:
„What I know and expect is that this record, because of our new line up, will come under the highest scrutiny of any record in Nazareth’s history and after that, be judged as one of the best of Nazareth’s career. While there’s always going to be hints of the classic Nazareth sound on our albums, when you consider that all the instrumentalists have been playing classic Nazareth songs for most of their lives, what is fresh, and inspired the new songs and new approach, is the fact that we have a new singer: Carl Sentance. You can change instrumentalists and still keep pretty much on the same road, but there is nothing that changes a band’s approach so definitively as the sound, style and performance of a new frontman. It also influences the way the other guys write songs, because mostly when you write a song for the band you have in mind whether it will suit your singer’s style and how he’ll sound singing it. And of course, with Carl we have not only a new singer but a great new songwriter as well so the whole project was always going to be fresher than a new laid egg, giving all these ingredients we had to work with. Tastes fantastic BTW.“
Das bislang letzte Studio-Album „Rock ’n‘ Roll Telephone“ stammt aus dem Jahr 2013.
Im November/Dezember 2018 war Nazareth im ersten Teil der 50th Anniversary Europa-Tour in über 30 europäischen Städten zu sehen, die Mehrzahl der Konzerte waren restlos ausverkauft. Im zweiten Teil der Tour, die das Hardrock-Urgestein im April 2019 auch wieder nach Deutschland führt, werden die Rock Dinosaurier dann 18 Konzerte in 7 Ländern binnen 3 Wochen absolvieren. Ein wirklich straffes Programm für die mittlerweile in Ehren ergrauten 4 Musiker, vor allem wenn man bedenkt, wie dynamisch noch heute jede einzelne Nazareth-Show ist.
Neben all den Hits aus ihrer 50jährigen Karriere werden natürlich auch einige Songs aus dem neuen Album Tattooed On My Brain zu hören sein. In der rund zweistündigen Show stehen jedoch die Klassiker wie „This Flight Tonight“, „Expect No Mercy“, „Hair Of The Dog“, „Dream On“ oder „Love Hurts“ im Vordergrund. Die Besucher werden nicht nur in die gute, alte Zeit der wilden 70er Jahre zurück entführt, sondern erleben eine Band hautnah, die nach 50 Jahren noch vor Spielfreude strotzt, die Bühne gewaltig rockt und bestens für die Zukunft gerüstet ist.
Nazareth ist eine der wenigen Bands aus der Anfangszeit des Hardrocks, die es bis heute geschafft haben sich im harten Music-Bizz zu behaupten und ihre Originalität zu bewahren.
Der schnörkellose Heavysound von Nazareth findet bis heute besonders viel Resonanz in Kanada, den USA, Deutschland, Österreich, Skandinavien, der Schweiz und in Osteuropa, wo sie vor allem in Russland regelmäßig noch immer die ganz großen Arenen füllen. Die Rockfans weltweit schätzten die aggressive Bühnenshow und das Allüren-freie, korrekte Auftreten der Musiker. Nazareth avancierten schon früh zur beliebten Festival-Attraktion, überzeugten durch eine ausgeprägte Homogenität in der Gruppe und einem routinierten Umgang mit den Medien. Daran hat sich bis heute nichts geändert. So traten sie 2018 bei zwei der größten Festivals Deutschlands auf: Rock Of Ages und Wacken Open-Air!
Historie:
Im Jahr 1990 zog sich Manny Carlton aus dem Musikbusiness zurück und überließ Billy Rankin seinen Platz, der schon Anfang der 80er Jahre mit Nazareth zusammenarbeitete. Auch 1994 blieb die Band ihrem Programm treu und bot mit ihrem Album „Move me“ bodenständigen Schotten-Rock, schwermütig schöne Balladen und schnurgerade Midtempo-Titel von maßvoller Härte. Ende 1994 wurde Billy durch Jimmy Murrison ersetzt, der bis heute neben dem Originalmitglied Pete Agnew dabei ist.
1999 erschien das Album „Boogaloo“. Im gleichen Jahr musste nach dem plötzlichen Tod von Darrel Sweet der Posten des Schlagzeugers neu besetzt werden. Lee Agnew, Sohn vom Bassisten Pete, übernahm diesen Job.
Nachdem es Ende der 80er Jahre im Konzertgeschäft etwas ruhiger um die Schotten geworden war, gab es in den 90er Jahren wieder fulminante ausverkaufte Tourneen und seitdem tourt die Band bis heute regelmäßig, mit rund 150 Shows im Jahr zudem sehr umfangreich in der ganzen Welt. Beleg für die – auch gegenwärtig – noch außergewöhnlichen Live-Qualitäten von Nazareth ist die 2002 veröffentlichte DVD „Home Coming – Live in Glasgow“.
2008 hat die Band erstmals nach 10 Jahren das neue Studio-Album „The Newz“ veröffentlicht, welches im September / Oktober 2007 in der Schweiz aufgenommen wurde und bis in die Top-40 der internationalen Longplayer-Charts vordrang. Das letzte Album mit Dan als Sänger erschien 2011. „Big Dogz“ schaffte es auch wieder bis in die Top-40 der internationalen Charts.
Seit dem Frühjahr 2013 hat die Band mit Carl Sentence einen neuen Frontmann, der vom bisherigen Sänger Dan McCafferty höchst persönlich ausgewählt und in die Band eingeführt worden ist. Ein halbes Jahr lang trat die Band zu fünft auf, mit 2 Sängern, um Carl bestmöglich eingearbeitet und für die perfekte Nazareth-Bühnenshow vorbereitet der weltweiten Fangemeinde künftig allein präsentieren zu können. Dabei versteht Carl sein Handwerk von der Pieke auf: Bereits von 1975 an war er Frontmann der bekannten walisischen Rockband „Leading Star“, 1988 wurde er Sänger bei „Monroe“ und anschließend bei „Tokio Rose“, ehe er bei der weltberühmten Hardrock-Combo „Krokus“ einstieg (1999 bis 2002). Von 2006 bis 2013 tourte er mit Deep Purple Keyboarder Don Airey & Friends und bringt somit ein riesen Fundus an Erfahrung und Qualität mit. Dan McCafferty setzte sich nach der erfolgreichen Übergabe seines Nachfolgers, Ende September 2013 zur Ruhe.

Jimmy Murrison – Guitar | Pete Agnew – Bass
Carl Sentence – Vocals | Lee Agnew – Drums

Als sich Reggatta de Blanc 1988 zu einer THE POLICE Tributeband formierten, ahnte noch niemand, dass es jemanden auf der Welt gibt, dessen Stimme der von Police-Frontmann Sting nicht nur ähnelt, sondern fast gleich kommt. „Purer, aber schöner Zufall“, dachte sich Reggatta-Sänger Michael Griese bei seiner ersten Probe mit seinen Jungs im April `88. Für Griese bis heute ein für ihn besonderes, wertvolles Geschenk.

Mittlerweile sind 30 Jahre vergangen, über 1.500 Konzerte in sämtlichen Clubs und Open Airs der Republik und im Ausland gespielt und alles auf die Bühne gezaubert, was Stings Feder über die letzten 40 Jahre aufs Papier gebracht hat. Denn man darf nicht vergessen, dass der ehemalige Lehrer aus dem Norden Englands nach seiner Zeit mit The Police ab 1985 als Solist weitergemacht und unzählige Hits veröffentlicht hat. Es gibt nur wenige Künstler auf dieser Welt, die solch vergleichbare Erfolgsgeschichten aufweisen und der Welt so viele Hits geschenkt haben.

Die Erfolgsgeschichte von The Police begann mit dem Klassiker „Roxanne“, es folgten „So lonely“ und „Message in a bottle“ sowie „Don’t stand so close to me“ oder „Every little things she does is magic“ und es gipfelte im letzten Album des Trios in Stings erfolgreichstem Werk „Every breath you take“. Noch heute könnte er sich nur aus den Tantiemen der Radioplays dieses einen Liedes jeden Monat ein neues Auto kaufen.

Reggatta de Blanc haben im Frühjahr 1988 in blutjungem Alter mit der Gründung ihrer Tributeband also alles richtig gemacht. 17 Jahre lang wurde am Sound des ehemals erfolgreichsten Rock-Trios der 80er Jahre gefeilt, bis man sich auch an die großen Hits aus Stings Solozeit (die bis heute anhält!) wagte: „Set them free“, „Englishman in New York“, „Fields of Gold“, „Fragile“, „Desert Rose“ und „Can’t stop thinking about you“, sind nur einige, die der mehrfache Grammy-Gewinner nach seiner Police-Zeit komponierte. Das letzte Soloalbum von Sting kam übrigens im November 2016 in die Läden.

In 2018 feiern Reggatta de Blanc also ihren – sage und schreibe – 30-jährigen Geburtstag! Es gibt also in diesem Jahr in jedem Konzert etwas zu feiern, allen voran die Fans, die Reggatta nicht nur wegen ihrer 100%igen, detailverliebten Nähe zum Original schätzen, sondern auch und mehr wegen ihrer immer gleichgebliebenen Authentizität und Publikumsnähe, denn sie sind, sobald das Bühnenlicht erlischt, wieder die ganz normalen Jungs aus NRW, die soeben mit ihrem begeisterten Publikum zusammen die herrlichen Songs von STING und THE POLICE genossen haben.

Man darf sich also auf Konzerte mit der besonderen Note freuen, denn REGGATTA DE BLANC bringen ihrem Publikum bei jedem Gig ein musikalisches Geschenk mit…!

The Doors gelten als eine der einflussreichsten Bands der 1960er-Jahre deren Frontmann James Douglas „Jim“ Morrison zu den charismatischsten Persönlichkeiten der Rockmusik jener Zeit zählte. Am 08. Dezember wäre er 69 Jahre alt geworden. Am 03. Juli diesen Jahres hatte sich sein Todestag zum 41. Mal gejährt. Mit nur 27 Jahren ist er auf mysteriöse Art und Weise in Paris gestorben und noch heute ist seine Grabstätte auf dem Pariser Ostfriedhof Père Lachaise eine Pilgerstätte für seine zahlreichen jungen wie alten Fans.

Ihm zu Ehren und anlässlich seines 69. Geburtstages lassen wir mit der holländischen Tributband „The Doors in Concert“ die guten alten Zeiten wieder aufleben.

The Doors in Concert sind eine authentische DOORS-Tributband. Der Sänger hat das richtige Aussehen und die perfekte Stimme, der Keyboarder hat viele Ähnlichkeiten mit Ray Manzarek, der Gitarrist spielt und klingt wie Robby Krieger und schließlich kann sich der Trommler John Densmore’s feinsten Finessen nähern.

Die absolute Authentizität ist das Markenzeichen dieser Tributband. So werden nur Instrumente benutzt, welche exakt auch die Originalband spielte, um sich dem richtigen Klang so gut wie möglich zu nähern. Natürlich passen der Vox Continental, Gibson G-101 und der Gibson SG in dieses Gerüst. Der Keyboarder von The Doors in Concert spielt die Basslinien genauso mit seiner linken Hand auf einem historisch korrekten Silver-Top Fender Rhodes Piano Bass wie Ray Manzarek, der exakt so ein Modell auch genutzt hat.

Natürlich werden ebenso die Vintage Fender Amps and Mikrophone verwendet, wie es seinerzeit THE DOORS taten.

Jedes Instrument und jedes Stück der technischen Ausrüstung ist sorgfältig und liebevoll dem Original-Equipment nachempfunden und zusammengestellt, damit der glorreiche originale Klang bis ins feinste Detail erhalten bleibt.

The Doors in Concert produzieren so den ‚live‘ Klang der originalen Band. Die „live“-Versionen sind oft musikalisch viel interessanter und reiner als die bearbeiteten Studioaufnahmen.

Von den verschiedenen Live-Aufnahmen (die gerade neu remastert auf CD herausgebracht wurden) inspiriert, werden besonders Songs aus diesen (musikalischen) Sphären gespielt:
„The Doors In Concert“, „Live at the Aquarius Theatre“, „Live in Pittsburgh“, „Live in New York“, „Live in Stockholm“ und „Live at the Matrix“.

So werden neben den vielen Hits wie Light My Fire, The End, Riders On The Storm, Roadhouse Blues und Love Street, auch Songs wie Alabama Song (Whisky Bar) / Backdoor Man, End Of The Night, Gloria, LA Woman, Unknown Soldier, Hyacinth House, When The Music’s Over u.v.m. zu hören sein.

Jim Morrison gilt als Rockmusiker, der die Fantasien, Visionen, Ängste und die Selbstdestruktivität der Generation der späten 1960er Jahre artikulierte und exemplarisch auslebte. Gemeinsam mit den Doors erweiterte er das Repertoire der Rockmusik um mehrschichtige Konzeptstücke und Formen des Rocktheaters. Die Shows der Doors waren energiegeladen, explosiv, spannend und oft ereignisreich.

The Doors in Concert bringen diese Zeit zurück auf die Bühne. Authentisch, leidenschaftlich und perfekt im Sound und Outfit. Jeder der Jim Morrison und die Doors mochte, sollte sich dieses Ereignis und diese Tribut-Show nicht entgehen lassen.

Line-up:

Danny van Veldhuizen | Vocal
Willem Vonhof | Keys
Gandert de Boo | Guitar
Bobby Baudoin| Percussion, Drums

The DOORS In Concert Die perfekte Reinkarnation von JIM MORRISON, RAY MANZAREK, ROBBY KRIEGER und JOHN DENSMORE.

The Flower Kings & Kayak werden sich im Dezember 2019 zu einer Europatournee zusammenschließen, um das bevorstehende neue Album von The Flower Kings und Kayaks jüngstes Studioalbum „Seventeen“ zu präsentieren.
Roine Stolt von The Flower Kings erklärt: „We’re happy to go on tour in Europe again in December – We will present The Flower Kings music from the early days – concert favourites – plus some brand new music – that is along the lines of the early music of the band symphonic rock. We’re happy to bring our friends in KAYAK along for this proggy double bill – it will be a monumental meltdown of melodic prog – not to be missed.“
Kajak’s Ton Scherpenzeel ergänzt: “We can’t wait to go on tour with the Flower Kings in December. For Kayak that will be a great way to end the year, a chance to meet new fans and it also serves as an inspiration for making the next album.”
Wie bereits erwähnt, arbeiten The Flower Kings derzeit an der Fertigstellung ihres
bevorstehenden Studioalbums, das noch in diesem Jahr erscheinen soll. Diese Reihe von Shows folgt einer erfolgreichen Tournee anlässlich des 25-jährigen Bestehens von InsideOutMusic Ende 2018 zusammen mit den Labelkollegen Spock’s Beard sowie ausgewählten Shows im Jahr 2019, darunter das Midsummer Prog Festival im vergangenen Monat.
Im Jahr 2018 veröffentlichten die niederländischen Progressive-Rocker Kayak ihr neues Album „Seventeen“ und erreichten Platz 6 der Albumcharts in den Niederlanden. Die Band, angeführt von dem 1972 gegründeten Keyboarder und Komponisten Ton Scherpenzeel, ist seit der Veröffentlichung mit großem Erfolg auf Tournee gegangen.
Die beiden Bands werden bei den vier exklusiven Deutschland Shows eine gewaltige Progressive-Rock Show präsentieren, die niemand verpassen sollte.

In der heutigen Zeit sind ehrliche Gefühle und Leidenschaft gefragter denn je. STINGER ist eine Band, die Authentizität als großes Banner über sich trägt. Der Allersberger 5er schreibt handgemachten und grundehrlichen, rohen Hardrock, mit einem Hauch Blues, der über alles erhaben ist. Mit der EP „MOSQUITO“ und dem Longplayer „DISADVANTAGED“, hat man sich hochkarätige Verstärkung mit ins Boot geholt. Gleich 3 ehemalige AC/DC-Mitglieder und weitere Musiker von DORO, DIO und OHRENFEINDT hat man sich für den Erstling auserkoren. STINGER gewannen mit diesem Album den 1. Platz beim Deutschen Rock & Pop Preis 2017 in der Kategorie „Bestes Hardrock Album“, sowie den 2. Platz in der Kategorie „Beste Hardrock Band“. Die Einnahmen der CD „DISADVANTAGED“ spenden STINGER an die Elterninitiative krebskranker Kinder in Nürnberg. Doch die Jungs legen nach. Mit der für das WERNER-Rennen komponierten Single „VOLLSTOFF“ punkten STINGER vor 50.000 Rockern, auf der Neuauflage des legendären WERNER-Rennen. Mit der neuen CD „COLOURBLIND“ feuern STINGER, einem Kanonenboot gleich, aus allen Rohren und gehen den Weg überzeugend in die Eigenständigkeit. Der Groove den die Jungs an den Tag legen, geht sofort in die Ohren und Beine. STINGER legen keinen großen Wert auf SchnickSchnack, sondern auf ein Lebensgefühl, namens Rock `N` Roll. Die dreckige, charismatische Stimme, eine Rhythmusfraktion die Ihresgleichen sucht und ein durchgeknallter Jungspund, der wie geisteskrank über die Bühne fegt. Die in Veranstalter-Kreisen als „Geheimwaffe“ geltende Band, begeistert den Rockfan jeden Alters. Es gibt momentan wenige Bands, die den typischen, alten AC/DC-Sound am Leben erhalten.

LINE UP:
Martin „Schaffi“ Schaffrath (Vocals), Adrian Seidel (Lead Guitar), Matthew Sting (Rhythm Guitar), Simon Simon (Bass), Bristle „Buzz Dee“ Johnson (Drums)

VERÖFFENTLICHUNGEN:
EP “MOSQUITO” 2017 (Sofa Records Cologne) CD “DISADVANTAGED” 2017 (Sofa Records Cologne) SINGLE “VOLLSTOFF” 2018 (Sofa Records Cologne) CD “COLOURBLIND” 2019 (Boersma Records)

UNDERCOVER CREW
25 Jahre und kein bisschen leise….! – Das Konzert!
Nach ihrer wohl größten Show zum 20.sten Geburtstag in den Westfalenhallen geht es jetzt für die Crew wieder in kleinere Clubs.
Ihr 25-Jähriges wollen sie wieder näher am Publikum feiern, da bietet das Musiktheater Piano den optimalen Rahmen So wird die Undercover Crew ein Konzert präsentieren, in dem die Bandgeschichte der letzten 25 Jahre abgefeiert wird.
Mit dabei sind die alten und neuen Wegbegleiter der Band. Musikalisch wird es wohl eine nie dagewesene und einmalige Veranstaltung zum mitfeiern und mitrocken werden, so wie man es von der Undercover Crew kennt.
Mit großer musikalischer Bandbreite der 80er, 90er und 00er Jahre sowie mit vielen neuen Songs läuft die Band wieder zur Höchstform auf. Augen zu und die Stars der Rock-Pop Geschichte stehen musikalisch wieder auf der Bühne.
Wir feiern und freuen uns auf Euch!!!

Der Freitag beginnt direkt mit einem grandiosem Line-Up.
Mit dabei sind:
Black Raven , The Spunyboys & Lee & the Rhythm Rockets

Weekender Tickets € 55,-
Verkauf ausschließlich per Mail über info@3dog-entertainment.com oder direkt im Piano!

Auch der zweite Tage des Weekenders hat es in sich, wenn man sich die Bands anschaut, könnte man definitiv von einer „Tanz-Garantie“ sprechen. Die Party ist in jedem Fall schon vor programmiert. Am Samstag im Musiktheater Piano mit dabei:
Mike Sanchez, Slick Nick & The Casino Special, Cherry Casino and the Gamblers, Ray Black & The Flying Carpets

Weekender Tickets € 55,-
Verkauf ausschließlich per Mail über info@3dog-entertainment.com oder direkt im Piano!

Natürlich kann sich auch der dritte Tag des Festivals sehen und hören lassen. Wir freuen uns auf einen großartigen Weekender-Sonntag mit Ray Collins Hot Club !!! Die Sugar Dolls werden den Abend für Ray Collins Hot Club eröffnen.

Wow, was ein Weekender, danach haben wir uns die besinnliche Zeit redlich verdient.

Weekender Tickets € 55,-
Verkauf ausschließlich per Mail über info@3dog-entertainment.com oder direkt im Piano!

PEEWEE BLUESGANG 40 BLUESFULL YEARS

Rhythm & Blues in reinster Form, kompromisslos und ehrlich in perfekter Darbietung, fernab von der distanzierten Art einer Studioaufnahme. Das ist es, was die Pee Wee Bluesgang ihrem Publikum in ihrer sympathischen und offenen Art und Weise offeriert.
Ihr Kontakt zu den Fans ist schon fast freundschaftlich und man merkt jedes Mal aufs Neue: bei den Pee Wee’s kommt der Blues aus vollem Herzen.
Richard Hagel, der 2013 sein 50jähriges Bühnenjubiläum feierte, betont immer wieder: „Musik hält jung“ und ist dafür selbst der beste Beweis.
Der charismatische Sänger und Frontmann hat nichts von seiner fantastischen Stimme und Bühnenpräsents eingebüßt.
Auch Thomas Hesse, ein herausragender Gitarrist, beweist, dass Musik die Lebensart beeinflusst; er lebt und liebt die Musik. Beide sind Neuem gegenüber offen, aber stehen auch für die Kontinuität der Ur-Stilistik des Blues- und Rockmusik.
Thomas Hesse und Richard Hagel sind die Ur-Pee Wee‘s. Seit Jahren werden sie von ihrem Schlagzeuger Martin Siehoff begleitet. Das jüngste Bandmitglied ist seit 2010 der legendäre Bassist Andreas Müller.
In ihrer langjährigen Geschichte hat die Pee Wee Bluesgang tausende von Auftritten im In- und Ausland absolviert. Die Band weiß nicht nur 80.000 Fans in Russland zu begeistern, sondern zeigte ihre musikalische Bandbreite auch auf Bluesfestivals und bei Konzerten mit dem Philharmonischen Orchester Südwestfalen. Auch der legendäre Auftritt im Rockpalast 1982 soll hier erwähnt werden. Die Pee Wee’s ziehen die Menschen stets in ihren Bann.
Heute ist die Pee Wee Bluesgang, die 1977 als bluesige Coverband entstand, eine der ältesten Bluesbands in Deutschland.
In den 70ern lernten Thomas Hesse & Co. von Größen wie B.B. King, Hendrix, Clapton, Beck und Muddy Waters.
Seitdem zeigen 19 Alben (CDs) mit vorwiegend Eigenkompositionen den Sound und das einzigartige Repertoire der Pee Wee‘s.
GIVE ME YOUR SOUL AND I GIVE YOU MY BLUES

Pee Wee Bluesgang Deutschlands langlebigste und erfolgreichste Bluesband

„Heut´ Nacht will ich den Blues. N´ Sechserpack Bier und den Blues.“ Was eignet sich dazu besser als eine der besten Rhythm & Blues Bands Europas? Was eignet sich besser als die Pee Wee Bluesgang?
Kompromisslos, ehrlich und direkt – direkt ins Blut. “Feel the Blues”. Beste musikalische Livepower seit 1977. Musik aus dem Herzen von absoluten Vollblutmusikern. Sie leben und lieben genau das, was sie auf der Bühne zelebrieren – den Blues.
Doch dies geschieht nicht nur live, sondern auch auf inzwischen 19 CDs. Bei dem überwiegend aus Eigenkompositionen bestehenden Sound und den typischen Pee Wee-Songs springt der Funke selbst im heimischen Wohnzimmer über.
Die Stärke der Band liegt jedoch zweifelsfrei in den Pee Wee Bluesgang-Livekonzerten. Mit Richard Hagel steht ein Frontmann auf der Bühne, der das Publikum unweigerlich in seinen Bann zieht. Man spürt was ihm die Musik bedeutet. Charismatisch und ausdrucksstarkes Auftreten sind sein Markenzeichen. Dazu die fantastische Gitarre von einem der besten Bluesgitarristen Europas – Thomas Hesse. Er weiß einfach was er macht. Jeder Ton lebt, jeder Ton ist ein Treffer, jeder Ton ein Erlebnis.
Martin Siehoff gibt den Takt, gibt den Groove vor, welcher durch die tiefen Töne von Andreas Müller am Bass perfekt getragen und abgerundet wird. Ein perfekt aufeinander eingespieltes Team. Eine Band der Extraklasse.
Tausende Auftritte sprechen für sich. Gigs im In- und Ausland. Konzerte vor 80.000 russischen Fans. Zuhause in großen und kleinen Hallen, auf Festivals, in Clubs und sogar mit dem Philharmonischen Orchester Südwestfalen.
Unvergessen der legendäre Auftritt im Rockpalast 1982. Einmal vom Rockpalast-Kultmoderator Alan Bangs angesagt werden. Die Pee Wee´s erlebten es. „German Television proudly presents: Liebe Freunde, heute zu Gast bei uns im Rockpalast: Die Pee Wee Bluesgang!“ Mehr geht nicht
„Heut´ Nacht will ich den Blues. Heut ‘ Nacht will ich die Pee Wee Bluesgang!“

Pee Wee Bluesgang – The Guardians of Blues

Velvet Viper wurde von Jutta Weinhold 1990 gegründet, nachdem ihre bis dahin sehr erfolgreiche Band Zed Yago auseinandergebrochen war. Nach zwei Alben („Velvet Viper“ 1990 und „Fourth Quest for Fantasy“ 1992) lag die Band längere Zeit auf Eis.
2015 begannen mit Gitarrist Holger Marx die Arbeiten am Comeback-Album „Respice Finem“ (erschienen 2018 über GMR Music), das in zahlreichen Magazinen und Szene-Organen beste Reaktionen bekam, auch erfolgreich auf die Bühne gebracht wurde und die Band 2019 unter anderem auf das Headbanger’s Open Air und das Wacken Open Air geführt hat, wo sie überaus positiv aufgenommen wurde.

Am 25.10.2019 folgt nun das zweite Album der neuen Band-Ära mit dem Titel „The Pale Man is holding a broken Heart“, das über Massacre Records veröffentlicht wird.

Das Songwriting-Team Weinhold / Marx hat seinen Stil nach zahlreichen gemeinsamen Konzerten noch besser auf den Punkt gebracht und zugleich mit mehreren Uptempo-Nummern den Bogen zum ersten Velvet-Viper-Album von 1990 geschlagen. Der von Tommy Newton in den Area 51 Studios produzierte Sound ist noch wuchtiger und klarer als auf dem Vorgängeralbum und spiegelt den Live-Sound der Band bestens wider.

Die Texte sind wie immer bei Velvet Viper überwiegend im Fantasy-Bereich verortet, und beziehen sich oft auf literarische Vorlagen: The Wheel Has Come Full Circle etwa auf Shakespeares King Lear, Götterdämmerung auf Richard Wagners Nibelungen, Samson and Delilah erzählt die Geschichte des unbesiegbaren Rebellen aus der biblischen Antike und One-eyed Ruler handelt vom Gott Odin, der sein Auge geopfert hat. Diese Inhalte passen atmosphärisch genau zum epischen und oft auch düsteren Heavy Metal der traditionellen Schule mit den von vielen Fans geschätzten dramatischen Vocals.

Zur Live-Besetzung zählen neben Jutta Weinhold (Gesang) und Holger Marx (Gitarre) Micha Fromm (drums) und Johannes Möllers (bass guitar).

Liebe Freunde,

wir freuen uns sehr Euch mitzuteilen, dass am 11.01.2020 ​(Samstag) ​das ​3. Benefizkonzert für die Neven Subotic Stiftung steigt. Bitte tragt Euch diesen Termin in Eure Kalender ein – es wird garantiert wieder ein grandioser Abend und wir freuen uns sehr auf Euch!

Genau wie bei den beiden vorherigen Konzerten werden auch dieses Mal wieder alle Erlöse des Konzerts zu 100% an die Neven Subotic Stiftung gespendet. Die entsprechende Spendenaktion auf der Stiftungs-Homepage findet ihr hier: Zur aktuellen Spendenaktion

Alle Infos zur Neven Subotic Stiftung findet Ihr unter: https://nevensuboticstiftung.de/

Achtung: VVK ausschließlich im Piano oder über ADticket/Reservix

Bands:
Freiberg Band
The Chainsaw Hollies & Friends
& weitere Gäste und Vertreter*innen der Stiftung
Im Anschluß Disco mit DJ Uwe Meyer.

Ich freue mich auf einen grandiosen Abend mit euch.
Herzlichst, Birgit Blanck
Organisation der Veranstaltung und Botschafterin der Neven Subotic Stiftung.

Erleben Sie die meistgebuchte Dire Straits-Tribute-Band Europas live!
Diese erfahrene, sympathische Formation hat es sich zur Aufgabe gemacht, ihrem Publikum die Musik der Dire Straits mit voller Leidenschaft und musikalischer Klasse zu präsentieren. Im Vordergrund steht der Sound, der um die Welt ging – eine Gitarre, die keiner von uns je vergessen wird. Wolfgang Uhlich wird dabei von vielen fachkundigen Fans im In- und Ausland als bester Mark Knopfler Imitator angesehen – „Gänsehaut pur“.

Die Band hat sich mit über 500 Konzerten fest in der deutschen Musiklandschaft etabliert. Höhepunkt ist der Sieg des bundesweiten Tribute-Contests 2011 in Koblenz mit 100 teilnehmenden Tributebands. Durch enorme Wandlungsfähigkeit wird ein Live-Programm für alte Kenner und neue Fans geschaffen, getreu dem Motto: „Es ist für jeden etwas dabei“! Klassiker wie „Walk of Life“, „Sultans of swing“ und „Brothers in Arms“ dürfen nicht fehlen, ebenso wenig wie neuere Solostücke von Mark Knopfler. Das alles geschieht zu 100% live! Keine Hilfsmittel, keine Tricks – mit Individualität, musikalischem Feingefühl, präzisem Solospiel und dem richtigen „Draht“ zum Publikum wurden in den letzten Jahren die Bühnen und die Herzen der Fans im Sturm erobert.

Wozu eigentlich noch lange schreiben? Musik muss man erleben. Und seit 2004 sind die dIRE sTRATS die erste Adresse, um die Musik der 1992 aufgelösten Dire Straits wieder live zu erleben! Wer diese einzigartige Band bei einer Live-Performance mit ihrer Musik hautnah erleben möchte, der sollte sich eines ihrer Konzerte nicht entgehen lassen.

„The Final Cut“ ist eine Band für echte Musikliebhaber. Sie knüpft als Tributeband dort an, wo Pink Floyd 1983 aufgehört haben und erweckt mit ihren Liveshows den ursprünglichen Geist von Barrett, Waters & Co. wieder zum Leben.
Das Repertoire beinhaltet Pink Floyd Songs aus den Jahren 1968 bis 1983 sowie Solowerke von Roger Waters.
„The Final Cut“ ist keine weitere Best-Of Truppe, sondern wagt sich mit teils eigenen Interpretationen auch an außergewöhnliche Titel, die sonst selten live zu hören sind. Die Band kann sowohl Perlen der frühen Sixties-Floyd wie „Set The Controls“ in ein modernes Soundgewand packen als auch charakterstarke Songs wie „One Of My Turns“ überzeugend darbieten.

Blues Caravan 2020 Der Blues Caravan von Ruf Records ist nicht zu stoppen. 15 Jahre, nachdem Europas angesehenstes Blues-Label seine erste Showcase-Tour auf die Beine gestellt hat, ist das Konzept Bluesfans längst vertraut: Jeden Abend rocken drei aufstrebende Talente Clubs vielerorts in den USA und Europa und katapultieren den Blues in die Neuzeit. Aber damit nicht genug: Mit dem Line-up, das jedes Jahr aus der Palette von Ruf-Künstler/innen ausgewählt wird, hat jeder Caravan einen frischen Vibe, eine prickelnde Atmosphäre und lässt die Funken nur so fliegen. Und mit drei höchst unterschiedlichen Künstler/innen, die ein breites stilistisches Spektrum abdecken, scheint 2020 alles möglich zu sein. Jeremiah Johnson ist ein Bluesmann aus St. Louis, der durch eine harte Schule gegangen ist. Nach frühen Tagen als das bestgehütete Geheimnis der Clubszene der Südstaaten rückte das gefeierte 2018er-Album „Straitjacket“ den Bandleader mit einer intensiven Performance, smarten Hooklines und geerdeten Texten ins Rampenlicht. „Ich stehe für Südstaaten-Bluesrock“, erklärt Jeremiah. „Er ist in meinem Blut, meinem Herzen und meiner Seele. Ich singe meine Songs immer mit Herzblut, mit derselben Leidenschaft, die ich spüre, wenn ich sie schreibe. Sie gründen in dem Blut, dem Schweiß und den Tränen eines Malochers aus dem Mittleren Westen der USA. Meine Begeisterung über das Line-up des Blues Caravan könnte nicht größer sein – das wird eine verdammt heiße Kiste werden!“ Ryan Perry war schon als Teenager ein Phänomen, als er 2007 bei der International Blues Challenge in Memphis mit seiner Homemade Jamz Blues Band Furore machte und sein Talent für pointierte Geschichten, markante Gitarrensounds und gefühlvollen Gesang unter Beweis stellte. Diese Talente des charismatischen Bandleaders haben sich im vergangenen Jahrzehnt weiter entfalten können, und nach seinem 2019er-Solodebüt auf Ruf Records ist Ryan ein ausgereifter Künstler, der mit einer Setlist antritt, die die Clubs zum Beben bringt. „Fans dürfen beim Blues Caravan ein hohes Maß an Action und wenig Ego erwarten“, sagt er. „Meine Liveshows sind vollgepackt mit Leidenschaft und Gefühl, machen immer Spaß und sind energiegeladen – wie sie eben nur ein Bluesmann aus Mississippi abliefern kann. “ Bei Whitney Shay gibt es kein Vertun. Wenn dieses Energiebündel aus San Diego die Bühne betritt, wird man als Erstes ihre feuerroten Haare und die Glitzerklamotten bemerken. Doch beim diesjährigen Blues Caravan wird auch die Show der Sängerin ihrem Stil entsprechen, wenn Whitney die R&B-Nummern ihres gefeierten „A Woman Rules The World“-Albums raushaut, mit denen sie den Tanzboden in Schwingungen versetzt – und euch schon einmal ahnen lässt, was da noch an Studioproduktionen von ihr zu erwarten sein wird. „Wenn ich auftrete“, sagt sie, „möchte ich, dass die Leute tanzen und aktiv werden. Für mich ist es beim Blues immer um Katharsis gegangen, um das Vergessenmachen von traurigen Erfahrungen. Wenn ich es schaffe, dass das Publikum mit einem Lächeln nach Hause geht und das Gefühl hat, dass sie den Alltagsärger vergessen haben, dann habe ich meinen Job gemacht.“

Die Wahlberliner COOGANS BLUFF sind ein bandgewordener Schmelztiegel aus Art-Rock, Psychedelic-, Fusion und Stoner-Rock, sie erforschen das musikalische Nerdterritorium, in dem Motorpsycho, King Crimson, Colosseum oder Zappa wohnen und sich an 70s Hardrock und Kraut-Rock versuchen. Was sich so liest, als könne ihre Musik nur selbstverliebtes, akademisch überhöhtes Gedudel sein, ist in der Realität etwas völlig Anderes: Eine Live-Wuchtbrumme von mitreißender Kraft, ein berauschender Sturm, groß angelegte cineastische Sounds, ständig befeuert von Bläsersätzen und Jam-Passagen. Der Rolling Stone schwärmt, dass die Band „zwischen 60s/70s-Hardrock, Hippie-Funk und einer Art Blues-Dekonstruktion im Sinne von Captain Beefheart“ changiert, MINT konstatiert, sie seien „angekommen in einer erdnahen Umlaufbahn, ganz alleine, ohne Konkurrenz, alles überstrahlend.“ COOGANS BLUFF sind zeitgemäß und retro zugleich, experimentierfreudig und dennoch Rock-Traditionalisten, waghalsig und frisch. Tatsächlich, das ist Art-Rock in gut. Ein Spektakel.

Im Januar 2020 erscheint das neue COOGANS BLUFF-Album „Metronopolis“ (Noisolution) gefolgt von einer Tour, präsentiert von eclipsed Rock Magazin und Classic Rock!

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