Neuer Termin: 14.08.2021 +++ Karten behalten ihre Gültigkeit

A BRIEF HISTORY OF THE REAL MCKENZIES

Paul McKenzie claims he had a epiphany when he was subjected to an Andy Stewart record which was playing in one room, and intertwining with the vulgarity of a Sex Pistols album emerging from another. That year was somewhere around 1992, the setting was Vancouver Canada,and McKenzie was looking for something new, since his band TT Racer had recently disbanded. Who would have thought that a great deal of fun could be had pilfering your parents closet of old kilts and high socks to wear on a stage on which you would perform cover songs of various bands, altered slightly, to fit a scottish theme. Example: I Wanna Be Your Scot as opposed to I Wanna Be Your Dog. You get the point. Someone probably joked, If were gonna wear kilts, we might as well have a piper too.

While certainly not a new angle in rock music, the bagpipes were only ever used in a couple of songs at most by various bands, never a mainstay of an entire set. Soon though, it was apparent that this was a distinctive sound that could be finely tuned, with the soaring pipes complimenting the ferocious electric guitars and vise-versa. Of course the first thing that springs to mind is the word gimmick. Sure, I guess thats applicable here. But before you go taking things way to seriously, lets also not forget the concept of show buisness. People annually spend a shitload of money for the sole purpose of being entertained. So why not go out of your way to be entertainment? That was all a moot point with the McKenzies anyway. Because they just wanted to have fun, and you are more than welcome to have fun with them, as hundereds of thousands have. Sure some will read too much meaning into the whole idea, and take it out of its realm of fun, and those people should just shut the fuck up and drink their beer.

14 years later, the Real McKenzies have achieved lengendary status. Their live shows are highly regarded and they have been known to leave large audiences choking on their own dry mouths. They’ve been influence to more than a few bands, and ironically have been accused of ripping those same bands off, usually by journalistic hacks on the internet. They’ve toured the world endlessly, and frightened more than a few people at times, but its a small percentage to the numbers of people who leave their shows with ear to ear grins and think about the great time they had for weeks to come. I can imagine it will take death to stop these guys from doing what they do best, and that’s kicking your ass in the face at each and every show they play.

Wyzard – Bass, Voc • Moses Mo – Guitars, Voc • Carl Carlton – Lead Vocals, Guitars • Bertram Engel – Drums, Percussion, Voc • Pascal Kravetz – Organ, Keyboards, Voc •

Nach der von Kritik und Publikum hochgelobten Reunion Tour 2019, sind Carl Carlton & The Songdogs motiviert und heiß, jetzt in 2020 ihren musikalischen Siegeszug fortzusetzten. Das Tourmotto „HIGH IN A SWEET RELEASE” signalisiert diesen neugewonnenen Enthusiasmus der fünf Ausnahmemusiker. Nachdem ihre vier Alben über die Jahre einen legendären Status erreicht haben, war es nicht verwunderlich, dass Fans und Publikum sich die Songdogs zurück
auf die Bühne wünschten.

THE BEGINNING: Guter Rat ist nicht immer teuer. Robert Palmer, guter Freund und  musikalischer Lehrmeister von Carl, gab im Jahr 1999 den Anstoß. »Why not have your own band?«, konfrontierte er ihn bei einer ihrer vielen, gemeinsamen Produktionen. »That’s long overdue, Carl…!« Und Recht hatte der viel zu früh verstorbene Robert Palmer (2003), der durch grandiose Alben wie »Sneakin’ Sally Thru The Alley« und Blockbuster-Hits wie z.B. »Simply Irresistable« und »Addicted To Love« Weltruhm erlangte. Carl nahm Roberts Rat an und gründete die Songdogs mit einem Champions-League-Line-Up, zu dem neben der Kerntruppe zahlreiche temporäre Supporter gehörten: Robert Palmer, Levon Helm und Garth Hudson (beide The Band), Bobby Keys, Sonny Landreth (ein Meister an der Slide-Gitarre), Ian »Mac« McLagan (Small Faces, Rolling Stones etc.), Ronnie Wood (ja, genau der…), Jon Smith, Steve Howard, Eric Burdon, Xavier Naidoo, Klaus Voormann und viele handverlesene Kollegen mehr.

Der Kern der Songdogs bestand, während der aktiven Karriere, aus Moses Mo (guitars) und Wyzard (bass) von den Funkrock-Pionieren Mother’s Finest aus Atlanta, Pascal Kravetz an den Tasten (Lindenberg, Maffay, Robert Palmer u.a.) und »the one and only« Bertram Engel am Schlagzeug. Später saßen (in chronologischer Folge) Wayne P. Sheehy (Ronnie Wood Band), Zachary Alford (David Bowie, Bruce Springsteen u.a.) und Dion Murdock (Mother’s Finest) an den Drums.

Die Gründung der Songdogs war ein Glücksfall für alle Rock-Liebhaber und den umtriebigen, stets am Limit arbeitenden Musiker Carlton, der als Gitarrist, Songwriter und Performer (Robert Palmer, Eric Burdon, Peter Maffay, Udo Lindenberg, Wolfgang Niedecken u.v.a.m.) nur einen Arbeitsmodus kennt: »Let’s get it on!« Mit den Songdogs schuf sich Carl, der unermüdliche Netzwerker, die perfekte Plattform, um mit all den hochkarätigen Musiker-Freunden seinen »No-Bullshit,- Keep On Swinging« Approach umzusetzen und seine tief im Rock, Blues und R’n’B verwurzelten Songs zu präsentieren. Das geniale Debütalbum von 2001 mit dem Titel »Revolution Avenue«, aufgenommen in den Sümpfen Louisianas, spiegelt in beeindruckender Weise die musikalische Seele der Songdogs. In den Folgejahren wurden drei weitere grandiose Songdog-Longplayer/CDs veröffentlicht: »Love & Respect« (2003), das von Kritik und Publikum gleichermaßen gefeiert wurde – »noch internationaler, noch farbiger« – die Live-Doppel-CD »CaHoots & Roots« (2004) und »Songs for the Lost and Brave« (2008), für dessen Produktion sich Carl & Co. in Levon Helms berühmtem Studio »The Barn« in Woodstock/NY einfanden. Wie allerdings die Geschichte beweist, sind sogenannte „Supergroups“ gleichermaßen fragile, wie sensible Gebilde. Nach knapp zehn erfolgreichen, überaus kreativen Jahren trennte man sich in aller Freundschaft bis auf Weiteres, um sich individuellen musikalischen Wegen widmen zu können.

Jetzt, 20 Jahre, nachdem die Töne des ersten Songs »God’s Gift To Man« in den Dockside Studios in Maurice, Louisiana aus den Lautsprechern schallten, sind Carl Carlton & The Songdogs in Originalbesetzung und in Topform, nach ihrer begeisternden Reunion Tour im letzten Jahr auch in 2020 wieder voll da! Save the dates und frei nach Carls Motto: »Keep Swinging!«

Es wird keinen Nachholtermin geben. Die Ticketanbieter sind informiert und erstatten dann die gekauften Tickets.

LEE AARON +++ Die Metal Queen ist zurück!

Karen Lynn Greening stieß 1977 als 15-Jährige zur Heavy-Metal-Band LEE AARON. Zuerst als Background-Sängerin beschäftigt, übernahm sie schließlich die Lead-Vocals. Ebenfalls nahm sie den Bandnamen als ihren Künstlernamen an.

Anfang der 1980er bis Anfang der 1990er Jahre als Queen of Heavy Metal verehrt und vermarktet, trennte sie sich später von ihrem damaligen Freund und Gitarristen John Albani, wonach sich die Band LEE AARON auflöste.

1996 erschien die experimentelle CD „2Preciious“ (mit Bandmitgliedern der Kanadischen Underground-Gruppe Sons of Freedom), die von den Kritikern hoch gelobt wurde.

Im Jahre 2000 erschien etwas überraschend das Werk „Slick Chick“ mit den Swingin‘ Barflies, wo Karen ihre sängerischen Anfänge im Bereich der Jazz-Musik wieder aufleben ließ.

Im März 2016 veröffentlichte sie mit „Fire and Gasoline“ ein Album, das wieder im Genre des Hardrock angesiedelt ist. Auf der Tournee zu diesem Album wurden die Shows in Nürnberg und Balingen im Sommer 2017 mitgeschnitten.

2018 erschien zunächst das Bluesrock-Album „Diamond Baby Blues“ bevor 2019 ein Album mit den Aufnahmen der „Fire and Gasoline“ Tour unter dem Titel Power, Soul, Rock N’ Roll – Live in Germany veröffentlicht wurde.

Im Frühjahr 2020 kehrt LEE AARON ins Studio zurück und nimmt ihr 15. Album auf, womit sie deutlich machen wird, dass sie noch lange nicht vor hat runterzuschalten und ihre Ambitionen und Power noch eine lange Laufzeit haben.

Die Band besteht aus einigen der exzellentesten Musikern der kanadischen Musikszene: Sean Kelly (Gitarre), Dave Reimer (Bass) und John Cody (Schlagzeug), die unter anderem schon mit Künstlern wie Bryan Adams, Nelly Furtado and BTO spielten. Auf der “Power, Soul, Rock n‘ Roll” Tour 2020 werden sie dem Publikum ihre bekannt dynamische live Show bieten – immer rockend bis zum Anschlag und mit einer LEE AARON voller Energie und bei bester Stimme. Präsentiert werden neueste Songs in Kombination mit Klassikern und Hits aus ihrer langen Karriere.

Wie LEE AARON schon auf ihrem Album “Diamond Baby Blues” erklärt:

“I’m a Woman…I can cut stone with a pin”.

(Und ob sie das ist. Und ob sie es kann.)

The Moorings are an ultra-energetic quintet famous for delivering an efficient mix between Celtic folk and alternative rock.

Since 2011, The band has been faithful to the traditional themes of the Anglo-Saxon repertoire. It has been chosen many times to share the bill with the most respected bands of the genre such as The Dubliners (at la Cigale – Paris), The Pogues (at l’Olympia – Paris) or The Dropkick Murphys (at Rock im ring – Italy).

Their appeal for Irish music and Punk rock has been revealed in Pints & Glory their 1^stEP back in 2011. A live record titled ‘La Cigale Unplugged’ has also come out in 2013. The second EP ‘Nicky’s Detox’ released in fall 2014 highlights a couple of songs in French.

The new record ‘Unbowed’ completed in spring 2017 asserts its own style. It mainly seduces by the production’s quality and the fine songwriting of its 12 tracks. Original material sung mostly in English mixes bitter protest songs (Captain Watson’s Gang, Mutins), folky ballads (Posy of Lily, The Mariner I Used To Be) as well as powerful punk rock songs reminding the Sex Pistols (Another Drinking Wound, Ice Cold Jar Of Whiskey…).

Still true to their French origins, this colourful opus encompasses 3 songs in their mother language including ‘Amsterdam’ a cover from the famous Jacques Brel.

The Moorings go from festivals to club stages, from pubs to bars all over Europe! The band has played the legendary Montreux festival in 2016.

«Since we 1st played a festival with The Moorings last Summer 12 months I’ve been a huge fan.They’re like a cross between The Pogues, The Dubliners and themselves. In other words they’re unique they’ve got their own individual sound whilst incorporating other influences of an Irish/punk style. I’m‘ gonna let y’all in on a“secret“ it’s been my great wish to produce a cd for them-well we all have dreams don’t we?»

Eamonn Campbell – The Dubliners

Ultimate Eagles ist mehr als eine Hommage. Die Band präsentiert die Songs der Eagles aus jedem Album und jeder Epoche in bisher nicht gekannter Perfektion.

Ultimate Eagles verzichten bewusst auf Verkleidungen und andere elektronische Hilfsmittel. Jede noch so kleine Interpretation Nuance wird genau auf den Punkt gebracht. Vergleichbar mehr mit dem Royal Philharmonic Orchester das Beethoven spielt.

Es reicht ihnen nicht nur die Musik ihrer Idole vorzutragen.

Die Band hat bisher vor mehr als 450.000 Menschen in über 12 Ländern gespielt.

Ihre You Tube links wurden mehr als 4,5 Millionen Mal in den letzten drei Jahren angeklickt. Ultimate Eagles begeisterten bei der BBC Show mit Chris Evans „Car Fest South and North“ über 20.000 Zuhörer.

Die Bandmitglieder sind alle erfahrene Profis die ihre Bühnenauftritte mit Größen wie: Joe Cocker, Paul Young, Roger Daltrey, Lulu, Bonnie Tyler, Tom Jones und auch Queen krönten. Einige Musiker der Band arbeiteten zusammen mit Barbara Streisand, Janet Jackson, Status Quo und Iron Maiden.

Ultimate Eagles hat auch einen BAFTA gekrönten Musikdirektor an Bord der die Weichen für die neue erfolgreiche X Factor Sendung Tenors of Rock gestellt hat.

Genießen Sie die hervorragenden Satzgesänge und Musikkompositionen geschrieben von Legenden. Lassen Sie sich in eine Zeit entführen in der Musik noch gesungen wurde.

Kommen Sie vorbei und erleben Sie einen Abend mit der umfassendsten und genauesten Hommage an die Eagles. Eine Show bei der Ihre Ohren Augen machen werden. Ultimate Eagles ein muß für Liebhaber der Musik und der Eagles.

BBC Radio Chris Evans: „The best Eagles Show in the world“.

“I thought I was listening the real thing”.

Performing all the Hits including:

HOTEL CALIFORNIA, LYIN’ EYES, ONE OF THESE NIGHTS, TAKE IT TO THE LIMIT, DESPERADO, TAKE IT EASY, AND MANY MORE

Nobody quite knew what to think of these long haired, tattooed bikers singing such soulful, yet ballsy, rock music when they arrived on the scene in Los Angeles in 1987. They stood out amongst the „Hair Bands“ that populated the music scene at the time….a distinction the band wore as a badge of honor.
Much hype surrounded the band as they were managed by music legend Jimmy Iovine, guided by legendary A&R man John Kalodner and produced by Bob Rock. It seemed like a formula for success, yet the band met an unfortunate set of circumstances that left many scratching their heads shortly after the release of their self-titled debut album. Many were to speculate why the band never achieved the level of success that their legendary team of backers took as inevitable. Many were to speculate that it was due to the dichotomy between the band’s gruff appearance and their sound. The truth was that the band fell prey to an unfortunate set of circumstances that occurred in the limited window that bands get to produce sales in, or get exiled in the music business. Three weeks into the bands initial release, Geffen Records was sold, their label Manager left the company, accountants took over, and their records where lost in transit to their new distributors. As sales dropped off due to the lack of product availability, the accountants shut the project down. And so, another band dies….there’s always more where they came from in the rough and tumble world that is the music business.
Little Caesar first appeared on Metal Blade’s “Street Survivors” compilation. The band then released a four song EP titled “Name Your Poison” (produced by Joe Hardy of ZZ Top fame), which subsequently led to a deal with Geffen Records. Little Caesar’s eponymous 1990 Geffen debut was produced by the infamous Bob Rock (producer of Metallica’s self-titled 1991 multi-platinum release, Motley Crue’s “Dr. Feelgood”, and The Cult’s “Sonic Temple” among others). The album was a no-nonsense collection of hard rock in the vein of ’70s giants like Bad Company and Humble Pie, and was also brimming with classic R&B influences, garnering widespread acceptance and positive reviews from the rock media. It also featured two Motown covers, including a ballsy rendition of the classic Aretha Franklin track, “Chain of Fools,” which hit the Billboard Top 100 chart and received strong airplay nationwide on both rock radio and MTV. The group toured extensively opening for such legendary acts as Jane’s Addiction, KISS, Social Distortion, Iggy Pop, Billy Idol, and Lynyrd Skynyrd. They also headlined their own club tours, and appeared on TV’s popular “Arsenio Hall Show”, “The Rick Dee’s Show”, and MTV’s “Sex in the 90’s”. Vocalist Ron Young was also featured in the movie “Terminator 2” as a tough talking biker that gets into a fight with the film’s star, Arnold Schwarzenegger. 1992 would bring the second full-length album, “Influence”, which would have Earl Slick (of John Lennon, David Bowie, and Ian Hunter fame) replacing Apache on guitar. The “Influence” album was produced by the highly respected Howard Benson (who has recently produced releases for platinum artists like Daughtry, Papa Roach, and P.O.D. among others). The band completed its first tour of Europe after the release of the album and drew rave reviews and sold out crowds across multiple countries including a sold out headlining performance at the famous Marquee club in London.

As the band slowly recovered from the shock and lessons learned in the nasty world of the music business, they always remained close, as they are a family way before they are a band. They started to do local shows and remember why they loved music and each other. Since the reformation, the band has played high profile shows at venues as House of Blues, California Speedway for NASCAR, and the Rock The Bayou Festival in Houston TX.
In 2010, Little Caesar moved forward with a vengeance on a worldwide level with new release titled „Redemption“ as well as touring in the US, Europe and the UK.
In 2012, Little Caesar released their latest effort entitled „American Dream“. Produced by Bruce Witkin, a powerful, no nonsense, guitar driven group of songs that takes the band to that same warm R&B driven Rock and Roll Universe they call home. They performed at the Hard Rock Hell festival in Wales in Dec 2012. They returned once again to Europe in 2013 appearing at The Download Festival appearing alongside such acts as Iron Maiden, Motorhead, Rival Sons, and Queens of the Stone Age. They are preparing a double live CD…something they have not done in their 30 years of playing together…

Fast forward to 2018 which will see the band release a brand new album of original music and their sixth European tour which will bring the band to Germany, Belgium, France, Sweden, Norway, Czech Republic and Slovakia.

THE CORONAS bringen im Juni ihr sechstes Album True Love Waits raus und gehen damit auf Tour. Die Band aus Dublin ist mit ihren Vorgängeralben stets in den Charts gelandet und wurden mit dem Meteor Award (2010) ausgezeichnet. Ehemals zu viert, macht die Band nun ohne Gitarrist Dave McPhillips weiter. Im September geht es auf Deutschlandtour. Tickets sind ab dem 28.02.2020, 12 Uhr an allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.

The Coronas
True Love Waits – album biography

The Coronas’ sixth album marks more than a fresh start. If its five, platinum-selling predecessors were chapters in the career of one of Ireland’s biggest, best-loved bands, True Love Waits is a whole new book.

A quartet for 13 years, last summer, The Coronas became a trio when guitarist Dave McPhillips unexpectedly left. Briefly they questioned whether to continue, but once the shock had subsided, something dawned on the Dubliners. If they weren’t the band they used to be, why make music as they always had?

“In retrospect, the shock of Dave leaving the band helped us get a clearer picture of what we wanted the album to be” says Danny O’Reilly, singer and lead songwriter. “When we accepted that we weren’t going to be the same band without him, it was easier to let the songs lead us in ways we wouldn’t have thought of before”

“Rather than replace Dave, we actually contemplated ditching guitars entirely. But instead we opened ourselves up to work with loads of our talented friends, mainly because the songs warranted it, and we had an amazing young producer George Murphy who knew exactly the kind of album we wanted to make.”

“For the first time we used real brass, there are extra guest backing vocalists, guest guitar players and our first featured duet. From early on, the guys encouraged me to use my voice differently, just pushing me to try something that I wouldn’t have done previously”

Two songs had already been recorded, in L.A. last February with Hozier and PJ Harvey producer Rob Kirwan, when Danny, bassist Graham Knox and drummer Conor Egan pressed reset. But the album only really began to take shape once a raft of new songs arrived. Key to the process was Danny’s coterie of new co-writers.

“I co-wrote a little on the last two albums and loved it,” says Danny. “This time I was up for anything. I took snippets of ideas to several musician mates, mostly around Dublin and Kerry, to see what we came up with and that’s how we hit on some of the new sounds and different song structures.

“When you’re five albums in, it can be difficult to write differently on your own – you instinctively return to the same patterns. With fresh input, you’re forced down new paths, and it’s also great sharing that excitement in a room when you both know that there’s something special in the idea you’ve just created together”

Title track and new single True Love Waits was written with Cian MacSweeny, frontman of Cork-formed, Dublin-based trio True Tides, one of The Coronas’ favourite bands and their recent support act.

Acoustic guitar and bright synths blend to create an atmosphere of dreamy optimism, while the lyrics – ‘Fuck that, take a chance’ – could as easily apply to The Coronas’ new outlook as a new relationship. Much of the song is the band’s original demo, recorded DIY in Dublin, before being completed in London with producer George Murphy.

“We’ve never kept so much of our demos before,” says Danny, “but what’s great about George is he can see the magic in a moment. There’s a spontaneity to that song which we’d have lost by rerecording it. George engineered our last two albums, so he knows us very well. He’d hone in on the vibes of what we brought him. A lot of the songs had odd arrangements and he understood straight away what we were trying to do.”

The unorthodox arrangements helped push The Coronas out of their comfort zone. The release last year of hypnotic first single Find The Water was a shock to some, but its success told the band they were on the right path.

Beginning with just piano and vocals, then breaking into an intense chant, Find The Water soars skywards on trumpets and percussion and has Danny singing so high by the end that he’s all but unrecognisable.

Future single Cold may rival it for surprises. Opening on its stark, prayer-like chorus, it’s a majestic spine-chiller that shapeshifts on piano, percussion and synths. Written by Danny as a pick-me-up late one night alone in Dingle, it’s about decision-making and self-doubt.

“How do you know you’ve made the right choice, about anything,” says Danny. “In the midst of so much change, you can question every decision, but what’s the point? It’s our ‘don’t get down’ song. Have confidence and move on.”

Lyrically, True Love Waits addresses everything from a new love in Danny’s life to looking back at past achievements with pride to dealing with Dave’s departure.

Light Me Up flips from atmospheric to anthemic and builds to a boisterous, gospel finish featuring co-writer Cian on backing vocals. Haunted, one of two songs written with producer Cormac Butler, is a toast to a partnership – with the phrase “haunted” being Dingle-speak for “lucky”.

Lost in The Thick It is one of the albums highlights, a gorgeous duet with Gabrielle Aplin, written in Brighton with Aplin and her partner Alfie Hudson-Taylor.

On the celebratory Brave, The Coronas work in a waltz. The euphoric Heat of the Moment they describe as their Richard Curtis love song. By the end of I Think We Jinxed It, the guitars and synths soar just much as Danny’s vocals.

“We never thought we’d make six albums, or be as excited about music as we are now. It’s great that we’re not trying to compete with anyone else. We’d rather just outdo ourselves.”

In einer famosen Live-Inszenierung bietet die Band eine wunderbare musikalische Reise durch die Hits der erfolgreichsten Phase von Pink Floyd: von „Meddle“ (1971) über „Dark Side of The Moon“ (1973), „Wish You Were Here“, „Animals“ bis zu „The Wall“ (1979), sowie einige andere bekannte Stücke. Mit musikalischer Extraklasse, hervorragendem Stage-Design und großartigem Sound begeistern Kings of Floyd das Publikum und rufen die nahezu perfekte Illusion eines Pink Floyd Konzertes hervor.

Vocals, Guitar / Mark Gillespie (UK)
Guitars / Maurus Fischer(DE)
Keyboards, Vocals / Jürgen Magdziak (DE), Andy Schmidgen (DE)
Bass / Hans Maahn (DE), Ian Stewart (Canada)
Drums / Berni Bovens (NL)
Sax / Bernd Winterschladen (DE)
Vocals / Lucy Wende (NL)

His voice stands above all others in the field. Quite simply, Marc Broussard is the reason they invented soul music.”- PerformerMag.com“

A blue eyed soul singer with a broad, soulful voice nicely scraped around the edges. – The Washington Times

Marc Broussard ist ein US-amerikanischer Singer-Songwriter, dessen musikalischer Stil auch als “Bayou Soul“ beschrieben wird, da er Elemente aus Rock, Country, Blues, R&B und Soul miteinander vereint. Einen wesentlichen Einfluss haben jedoch seine “Southern Roots“,denn Broussard wuchs als Sohn eines Gitarristen in Carencro, Louisana auf. Mit 5 Jahren hatte er seinen ersten Auftritt, als er eines Tages einfach mal „Johnny B. Good“in der Band seines Vaters raushaute!Seit er 18 ist, lebt der mittlerweile 38-Jährigevon der Musik und spielt bis zu 150 Konzerte pro Jahr. Er tourte mit Musiklegenden wie Dave Matthews Band, Zac Brown, Huey Lewisoder Bonnie Raitt, ist der Protagonist auf dem aktuellen Allman Brothers Tribute Album und begleitet ‚just for fun’ seinen Kumpel Joe Bonamassa auf einigen Shows in Süd-Europa. Seine große Liebe zur Soulmusik unterstrich der überzeugte Philanthrop auf seinem Charity-Album „S.O.S. 2: Save Our Soul: Soul On A Mission“ , auf dem Broussard mit beeindruckender Authentizität Soulklassiker der Sechziger ( z.b. mit Songs aus ‚Dirty Dancing’) interpretierte.

Wobei sich der Akustikclip von „Cry to me“ mit 20.0 Millionen Youtube Views bereits zu einem veritablen Hit entwickelt hat. Natürlich darf dieser Song, ebenso wie sein grösster US Hit „Home“, auf den Live Shows nicht fehlen. Für Marc Broussard steht dieser inWalnussbaumrinde geräucherte Song, der ihn über die Jahre begleitete, für alles, was ihm wichtig erscheint -Southern Roots der alten Schule, Heimat, Freunde,Familie, Erdverbundenheit und Authentizität.Bei seinen Shows spürt man die Hitze des Südens und Marc Broussard lässt uns teilhaben an seiner,ihmin die Wiege gelegten Leidenschaft, mit der er sein abwechslungsreiches Repertoire interpretiertund die Genre verschmelzen lässt

Die Rockgruppe aus Hannover existiert seit 50 Jahren, gab am 5. Dezember 1970 ihr erstes Konzert und galt vor allem in den Siebzigern als Prototyp der so genannten Krautrock-Generation. Bis heute konnte die Band in ganz Europa, Asien und Amerika an die zwei Million Schallplatten verkaufen, ihr 76er Bühnenwerk Live At Home wurde mit Gold ausgezeichnet, im September 1977 erhielten die Musiker zudem das ‚Goldene Brain Label‘ ihrer Plattenfirma.

Krautrock heißt das Phänomen, das vor mehr als 30 Jahren aufkam und in der jüngsten Zeit eine beachtliche Renaissance erlebt. Seinen Namen verdankt der Krautrock wohl dem britischen DJ John Peel.

Einigen der Krautrocker ist es gelungen die Musikgeschichte um ein wirkungsmächtiges Kapitel zu bereichern. Mit Klängen, die mal New Wave vorwegnehmen, mal als Blaupause für Techno gelten, mal in den Heavy Metal hinein wirken und mal für sich eine ganz eigene Welt schaffen und von Sex-Pistol Johnny Lydon bis zu den Red Hot Chili Peppers rezitiert wurden und werden. Die Folgen für die internationale Rock- und Popmusik lässt sich heute in einer Referenzliste ablesen, die von Brian Eno über David Bowie bis Afrika Bambaataa reicht.
So bleibt es dabei, es gibt eine vielfältige musikalische Welt zu entdecken, die Welt von Peter Pankas Jane, Epitaph, Karthago, Guru Guru, Amon Düül II, Brith Control und viele mehr..

Über 50 Jahre Bandgeschichte, Plattenverkäufe im Millionenbereich, Gold-Awards, und eine weltweite treue Fangemeinde sollten eigentlich für sich sprechen. So bunt wie die Covergestaltung ihrer zahlreichen Alben, so abwechslungsreich wie die stilistische Ausrichtung ihrer Songs und so vielschichtig wie die unterschiedlichen personellen Konstellationen: Die Hannoveraner Rockgruppe Jane lässt sich nicht mit einigen wenigen Attributen beschreiben.

Seit 1994 aber, nach einem Urteil über die Namensrechte, seit faktisch der Name JANE also nicht mehr existiert, spielten Peter Panka, Werner Nadolny, Charly Maucher und Klaus Walz unter Namen „Peter Pankas JANE“ weiter.

Die seit 2002 erzielten CD-Verkäufe im hohen fünfstelligen Bereich, sowie hunderte von erfolgreichen Konzerten, bezeugen die große Popularität der Band, die zu den besten Live-Bands in Deutschland zählen.

Gerry McAvoy´s BAND OF FRIENDS

Anlässlich des 25. Todestages von Rory Gallagher macht auch die Besetzung der Band Of Friends einen Wandel durch. Gerry McAvoy am Bass und Brendan O´Neill an den Drums werden verstärkt durch zwei Gitarristen. Paul Rose und Stephan Graf werden mit den beiden Originalmitgliedern das Gesamtwerk in bekannter leidenschaftlicher Weise zelebrieren.
Gerry McAvoy spielte von 1971-1991 mit Rory Gallagher und gründete 2012 die Band Of Friends. Am Schlagzeug wird er von Brendan O´Neill begleitet. Auch er spielte zusammen mit Rory Gallagher (1981-1991) und trat später der britischen R&B-Band Nine Below Zero bei.
Aber auch die beiden neuen Bandmitglieder sind leidenschaftliche Rory Gallagher-Anhänger. Paul Rose wurde bei einem von Fender ausgeschriebenen Wettbewerb unter 1.000 Gitarristen von Rory Gallagher persönlich zum Sieger ausgewählt und ist zwei Mal in Folge zum „Best UK guitarist“ ernannt worden!
Der Sänger und Gitarrist Stephan Graf hörte Rory Gallagher zum ersten Mal als er neun Jahre alt war und tourte seitdem mit seiner von Rory Gallagher inspirierten Band Double Vision durch ganz Europa. Dabei ist er so nah am Original, dass man sich die Augen und Ohren reiben muss!
Zwischenzeitlich bringt die Band Of Friends auch selbst eigene Alben auf dem Markt, die eine konsequente Weiterentwicklung der Musik von Rory Gallagher sind.
Für 2020 ist ein weiteres Album geplant, auf das man sehr  gespannt sein kann!

Mit einem vielversprechenden neuen Studio-Album geht die Henrik Freischlader Band im Herbst 2020 auf Tour und freut sich darauf, überall dort zu spielen, wo handgemachte Musik noch gefragt ist. Abseits jeglicher Inszenierungen und Showelemente darf sich das Publikum auf eine Band freuen, die jeden Abend musikalisch neu und anders gestalten kann, und die Tradition des Blues durch die Flexibilität jedes Einzelnen sensibel in die heutige Zeit überführt.

Henrik Freischlader hat sich in den vergangenen 15 Jahren seinen Platz in der Bluesszene erspielt. Mit 9 Studio- und 6 Livealben, gemeinsamen Auftritten mit BB King, Gary Moore, Peter Green und Johnny Winter, sowie unzähligen Konzerten in kleinen und großen Clubs, hat sich der Autodidakt seinem Publikum vorgestellt und freut sich heute über eine treue Fangemeinde.

Moritz Meinschäfer (Schlagzeug), Armin Alic (Bass), Roman Babik (Hammond Orgel) und Marco Zügner (Saxophon) komplettieren seit zwei Jahren eine Band, die sich auch abseits der Bühne als eine Gemeinschaft versteht. Die Freude am Zusammenspiel, der Spaß an Dynamik und Improvisation und ganz besonders die Liebe zum kleinsten Detail zeichnen die fünf Musiker aus. Die rockige Ausrichtung früherer Tage trifft auf moderne und mitreißende Grooves und leidenschaftliche Soloeinlagen der einzelnen Musiker.

„Wenn eine Band es schafft, 20 Minuten lang bei Zimmerlautstärke über ein Drei-Ton-Riff so intensiv zu improvisieren, dass nicht eine Sekunde Langeweile aufkommt und das Publikum so mucksmäuschenstill zuhört, dass man eine Gitarrensaite hätte fallen hören können – dann ist das große Kunst.“ Uwe Plien, RP Online

Besetzung:
Henrik Freischlader – Gitarre & Gesang
Roman Babik – Orgel & Keyboards
Moritz Meinschäfer – Schlagzeug
Marco Zügner – Saxophon
Armin Alic – Bass

Das offizielle Info der Plattenfirma zur größten Rockband aller Zeiten, AC/DC, weiß folgendes zu berichten: „Am Silvesterabend des Jahreswechsels 1973/74 steht eine vielversprechende Newcomer-Formation auf der Bühne des Chequers Club im australischen Sidney, die in den kommenden Dekaden Musikgeschichte schreiben wird. Im Repertoire der auf den Namen AC/DC getauften, aus schottischen Einwanderern sich rekrutierenden Formation finden sich prägnante Rock’n’Roll-Klassiker von Chuck Berry, Rolling Stones und Beatles sowie einige knackige Eigenkompositionen mit eindeutig zweideutigem Inhalt. Niemand wäre wohl auf die Idee gekommen, dass dieser wilde Haufen an pubertierenden Rüpeln in nicht allzu ferner Zukunft zu den einflussreichsten Ensembles im Hard Rock- und Heavy Metal-Bereich gehören wird. Gegründet wurden AC/DC – übrigens die englische Abkürzung für Alternating Current/Direct Current (Wechselstrom / Gleichstrom), welche im Slang aber auch jemanden bezeichnet, der sowohl Männer als auch Frauen attraktiv findet – 1972 von Rhythmus-Gitarrist Malcolm Young ..“

Seien wir mal ehrlich: Das war der beste Moment unseres Lebens, auch wenn wir ihn nicht unmittelbar miterleben durften. In den Folgejahren machten AC/DC mit der legendären und am 19.2.1980 definitiv viel zu früh verstorbenen Sängerikone Bon Scott sechs Studioscheiben (Europäische Zählung) und lieferten nebenbei mit dem „If You Want Blood You’ve Got It“ Livealbum von 1978 und dem 79er Video „Let There Be Rock“, welches den Livemitschnitt ihres Pariser Konzertes mit anbetungswürdigen Interviewsequenzen mischt, auch noch das Neue und Alte Testament des Drecksrock noch bevor die Band ihr Zehnjähriges feierte. Von „High Voltage“ bis „Highway To Hell“ dauerte es gerade mal fünf Jahre, in denen AC/DC mehr schafften als andere Kapellen sich überhaupt vorstellen können. Und nicht nur das. Sie bauten darauf auf und erreichten mit ihrem neuen Sänger, Ex-Geordie Frontmann Brian Johnson, den Status von stadienfüllenden Rockgötter, die alleine vom mit Bon Scott begonnenen und mit Johnson beendeten „Back In Black“ – Album über 41 Mio Scheiben unters gierige Volk brachten.

Diesem Volk gehören auch die Herren von den Dirty Deeds ’79 an. Sie sind AC/DC-Verrückte reinsten Wassers und genau das ist der Grund dafür, dass sie auch nach über einem Jahrzehnt noch die fulminanten Stampfer ihrer Vorbilder wie „Whole Lotta Rosie“ oder „TNT“ mit Inbrunst und der vielfach gelobten Authentizität spielen. „Die 5 Bonner haben sich zum Ziel gesetzt, wie die Altmeister aufzutreten und covern jegliche AC/DC-Songs, so dass man meint, Angus und Konsorten stehen selbst auf der Bühne.“ urteilt bonnaparte.de. „Der Sound der Vorbilder wurde so originaltreu und mit solch einem Elan rübergebracht, dass einfach jeder aus dem Publikum mitgerissen wurde. Der Laden drohte auseinanderzubrechen…“

Angeführt werden die Deeds vom Ausnahmegitarristen Volker „Vangus“ Voigt, über den die Bibel der AC/DC-Coverbands, das Onlinemagazin „Daily Dirt“ zu berichten weiß: „Als Besonderheit würde ich noch „Vangus“ erwähnen. Mit „Spiegelglatze“ und aufgeklebten Hörnchen (Schuluniform sowieso) kann man anfangs noch schmunzeln, was jedoch schnell in Begeisterung umschlägt: Der Mann versteht sein Handwerk.“ Das Solinger Tageblatt schlägt in die gleiche Kerbe: „Neben der Schuljungen- Kleidung von Angus Young imitierte er auch dessen weltberühmte Bewegungen täuschend echt: Deutschlands authentischster Angus Young-Klon!“ Ihm zur Seite steht Sänger Alex „Big Bonn“ Kaiser wie Vangus Vorzeigemusikant und eine Rampensau erster Güte. „Bemerkenswert, wie der gewichtige „Big Bonn“ die AC/DC-Sänger Bon Scott und Brian Johnson bühnenwirksam zu verkörpern weiß und wie kraftvoll er seine aufmüpfigen Texte skandiert. Nicht zu überhören ist Lead-Gitarrist „Vangus“, der atemberaubende Soli spielt und dem legendären AC/DC-Gitarristen Angus Young kaum nachsteht.“ (General-Anzeiger, Bonn)

Da Eigenlob bekanntlich unangenehm riecht, hier ein Auszug der Kritik des Kollegen von Musicheadquater.de, der bestens trifft, wofür die Deeds stehen wollen: „Im komplett ausverkauften Prime Club zu Köln rockten die fünf Jungs aus Bonn alles in Grund und Boden. Über zwanzig Songs, darunter „The Jack“, „Sin City“, „Live Wire“ und natürlich „Dirty Deeds“ wurden zum Besten gegeben, was für ein Abend. Die Band selber ganz im Stil der Australier, Gesang (Big Bonn), Lead Gitarre (Vangus), Rhythmus Gitarre (KutA Young), Bass (Dr. Williams) und Schlagzeuger Gonz „the machine“ Rudd. Nach etwa zehn Minuten ist klar, wohin die Reise an diesem Abend gehen soll: Dirty Deeds ’79 rocken was das Zeug hält, man hat kaum Zeit zu verschnaufen, an meinem Shirt befindet sich keine trockene Stelle mehr, egal! Der Prime Club bebt, die Meute tanzt und singt jeden Song aus vollem Herzen mit als wolle man Bon Scott, der mit Sicherheit anwesend war, eine Botschaft schicken.“

Die Qualität der Dirty Deeds ’79 hat sich mittlerweile rumgesprochen und hat sich seither den Ruf der führenden AC/DC-Tribute- und Coverband im Land erspielt. Da kann man auch schon mal Vorzeigerocker wie Peter Brings gute zwei Stunden beim Haareschütteln begutachten und Rod Gonzales von den Die Ärzte weiß: „Es gibt nur zwei brauchbare AC/DC-Coverbands und das sind Bon Scott aus Hamburg und die Deeds aus Bonn.“ Ihre Konzerte sind schweißtreibende, zweistündige Andachten und in der Heimat nahezu durchweg ausverkauft. Aber auch auswärts wird gepunktet: So feierten sie mit 2500 Paulifans auf dem FC St.Pauli Saisonabschluss in den Hamburger Docks und ließen Jürgen Kohler auf seiner „Good bye, Jürgen“- Party hochleben. Beim Heimspiel auf der Bonner RhEINKULTUR rockten sie mit knapp 40.000 Fans das Graue vom Himmel runter. Sie traktieren auch die Nackenmuskel auf Bikertreffs und – festen, was sie bis auf die Balearen zur Ibiza Bikeweek 2003 und 2004 führte, wo sie mit jeweils zwei Shows den Playa D’en Bossa in Schutt und Asche legten. Im Juni 2004 schließlich feierten sie mit einem legendären Open Air vor über 5000 Fans ihr 15jähriges Bestehen. Zuletzt erlebten die Deeds einen absoluten Höhepunkt auf dem Stadtfest Minsk, wo sie als Mainact und „Kulturbotschafter“ ihrer Heimatstadt 60.000 euphorischen Weißrussen siebzig unvergessliche Minuten bescherten – ein Triumphzug par excellence. 2007 wartet der nächste Leckerbissen: Als erste Tributeband in der 30-jährigen Geschichte des WDR Rockpalastes werden die Dirty Deeds ‘79 am 20. März aufgezeichnet und dürfen sich über diesen Ritterschlag auch entsprechend freuen.

Die Dirty Deeds ’79 sind keine Profimucker, auch wenn ihre Konzerte in jeder Beziehung locker professionellen Ansprüchen genügen. Sie sind echte AC/DC-Fans und das ist, was sie antreibt. Um den australischen Rock’n’Roll Übervätern zu huldigen, sind sie zu (fast) allem bereit. Bei den Deeds gibt’s das Vollprogramm mit „Highway To Hell“, „Let There Be Rock“, „Hells Bells“und all den anderen Prachtstücken von Angus & Co. Bonnaparte.de erfasst ganz gut, was passiert, wenn sie sich durch den AC/DC- Backkatalog der Siebziger und allerfrühesten Achtziger rocken, was sie mit absoluter Hingabe tun: „Die Stimmung kam der auf einem AC/DC-Konzert gleich, auch wenn nur einige hundert Leute in die Harmonie reinpaßten: Voll, naß, heiß, laut und genial! Es schien als fegte Angus Young persönlich wie ein Wahnsinniger über die Bühne. Super Konzert, Headbanging, Bier, lauter Gesang. Ende. Gegröle. Zugabe.“ile

Demon’s Eye – „In Rock“-Tour 2020 

„Deep Purple in Rock“- sämtliche Songs des Klassikers endlich wieder live!
Demon’s Eye zelebrieren als Nr. 1 der Deep-Purple-Tribute-Bands das 50. Jubiläum des Jahrhundertalbums „Deep Purple In Rock“!

2020 jährt sie sich zum 50. Mal – die Veröffentlichung von „Deep Purple In Rock“! Das runde Jubiläum des 1970 erschienenen Meisterwerks nehmen Demon’s Eye zum Anlass für eine ganz spezielle Tournee. Im ersten Konzertteil führt „Europas Deep-Purple-Tribute-Band Nr. 1“ das komplette Album inklusive der Outtakes auf. Anschließend bringt das spieltechnisch virtuose Quintett, das bereits mit Ian Paice (Schlagzeug) beziehungsweise Jon Lord (Keyboards) aufgetreten ist und von beiden Deep-Purple-Ikonen in den höchsten Tönen gelobt wurde, weitere Highlights aus der Karriere der 1968 gegründeten britischen Hardrock-Ikone live auf die Bühne.

„Deep Purple in Rock“ gilt als eine der einflussreichsten Platten der Rockgeschichte. Für Purple bedeutete sie den weltweiten Durchbruch, das belegen alleine schon diverse Goldene Schallplatten. In Deutschland stand ihre vierte Studio-Scheibe zwölf Wochen auf Platz eins.

Ritchie Blackmores markante Gitarrenriffs in Verbindung mit Jon Lords klassischen Kadenzen auf der röhrenden Hammond-Orgel verbanden sich zu einer bis dato nicht gekannten Härte und Wucht. Nebenbei setzte sich Ian Gillan als ihr neuer Sänger insbesondere mit seiner ekstatischen Darbietung auf „Child in Time“ selbst ein Denkmal. Wenn es einen Tonträger gibt, der sinnbildlich für das Ende der Flower-Power-Ära steht, dann dieser epochale Geniestreich! Gute Gründe für Demon’s Eye, den Genre-Klassiker in all seinen Facetten live zu performen.

Die Tribute-Formation widmet sich bereits seit 1998 primär der Siebziger Jahre-Phase des Hardrock-Flaggschiffs und orientiert sich dabei am Sound des für viele Rockfans besten Live-Albums „Made in Japan“. Wie das Original so zeichnen sich auch Demon’s Eye durch furios improvisierte Gitarren- und Orgelduelle bei unbändiger Spielfreude aus. „Stets wird eine ganz besondere Magie erzeugt, der sich keiner entziehen kann“ (‚Rastatter Tagesblatt‘).

Angesichts der Tatsache, dass Deep Purple mit ihrer „The Long Goodbye-Tour“ seit Mai 2017 ihren Abschied von ausgedehnten Gastspielreisen eingeläutet haben, sind Demon’s Eye die legitimen Verwalter des live-musikalischen Erbes der weltberühmten Hardrocker. Das sieht auch Ian Paice so. Der Purple-Drummer bescheinigte Demon’s Eye auf einer Pressekonferenz „eine wundervolle Gruppe“ zu sein und sagte darüber hinaus: „Diese Jungs sind wirklich fantastisch. Sie wissen genau, was sie tun!“

Wer also „Child In Time“, „Speed King“ oder „Hard Lovin‘ Man“ von „In Rock“ sowie weitere Klassiker wie „Highway Star“, „Smoke On The Water“ oder „Burn“ authentisch erleben möchte, darf sich dieses Konzert nicht entgehen lassen. Allein schon deswegen, weil zahlreiche „In Rock“-Songs von Purple selbst live nicht mehr aufgeführt werden! Top-Qualität ist immer garantiert, denn Demon’s Eye sind ein Deep-Purple-Tribute-Act, der, laut „Mannheimer Morgen“, „vom Original nicht zu unterscheiden ist“.

Randy Hansen – Guitar, Vocal
UFO Walter – Bass, Backing Vocal
Manni von Bohr – Drums                  

Seit Jimi Hendrix´ Tod im Jahre 1970 gab es immer wieder Musiker, die versuchten, seine Musik so identisch wie möglich zu interpretieren. Doch so richtig gelang es keinem, bis Randy Hansen in den 80ern auftauchte.

Überraschenderweise ist er tatsächlich in der Lage, Jimi´s original Gitarrensounds verblüffend exakt nachzuempfinden. Aber damit nicht genug; wenn er singt,
meint man, Jimi´s Stimme zu hören. Randy Hansen hat Jimi Hendrix sozusagen bis ins Detail „studiert“. Nicht umsonst wird er von Musikkritikern -und Magazinen in der ganzen Welt als Reinkarnation von Jimi Hendrix betitelt. Wie ein Derwisch fegt das Energiebündel über die Bühne und zieht das Publikum, mit seinem „waffenartigen Sound“ in seinen Bann.

Bereits als Zwölfjähriger hörte er das erste Hendrix Album „Are You Experienced“.
Sein Ehrgeiz, sich Jimi´s außergewöhnliche Feedback-Sounds `draufzuschaffen` sollte sein weiteres Leben bestimmen. Mittlerweile in den USA hinreichend bekannt, tourte er mit vielen bekannten Musikern und Bands, unter anderem Jethro Tull, Ritchie Blackmore, Buddy Miles, John Mellencamp, Bob Seger, den Beach Boys, Mitch Mitchell und vielen
anderen.

Auch am Soundtrack von Francis Ford Coppola´s Antikriegsfilm “Apocalypse Now“ hat Hansen mitgeschrieben. Sein Debüt in Deutschland feierte Randy, als auch Uli Jon Roth von den Scorpions von Randy so begeistert war, dass er ihn für sein Konzert zu Ehren Jimi Hendrix engagierte, welches in Kölner E-Werk stattfand und vom WDR aufgezeichnet wurde. („Tribute to Jimi Hendrix“). Es läuft immer wieder auf deutschen TV-Sendern.

Inzwischen hat Randy, der es wie kein anderer vermag „his whole body and soul“ in seinen Gitarren Sound einfließen zu lassen in ganz Europa diverse Fernsehshows sowie unzählige Live-Gigs absolviert, und sich so eine feste Fangemeinde aufgebaut.

Sowohl in den USA als auch in Europa ist er zu einer Kultfigur geworden. Seine Konzerte werden nicht nur von Hendrix Fans sehnsüchtig erwartet und frenetisch gefeiert und sind vor allem in Europa und speziell in Deutschland immer regelmäßig gut besucht bis ausverkauft.

Auch Randy Hansen´s Band ist hinreichend bekannt in der deutschen Rockszene. Mit von der Partie sind nämlich Manni von Bohr, früher an den Drums bei der Krautrock-Institution Birth Control und Redakteur beim bekannten Magazin Drums & Percussion und UFO Walter am Bass, der langjährige Bassist von Marla Glen.

Ben Poole, der junge Gitarrist und Sänger aus Brighton, gilt zurzeit als vielversprechendstes Talent der britischen Bluesrock Szene. Ben teilte die Bühne bereits mit Legenden wie John Mayall, Gary Moore und Jeff Beck und hatte die Ehre, 2009 die Tour von Ritchie Kotzen sowie 2015 jene von Kenny Wayne Shepherd zu supporten. Von 2008 – 2011 war Ben Poole Leadgitarrist in der Band von UK-Bluesstarlet Dani Wilde und tourte mit ihr durch ganz Europa. Schnell zeichnete sich jedoch ab, dass Ben große Ambitionen hat und sein eigenes Projekt ins Leben rufen möchte. So gründete er 2011 die „Ben Poole Band“, ein Bluesrock Trio, welches gleich im ersten Jahr seines Bestehens für die „British Blues Awards“ 2011 nominiert wurde. Die Formation erregte schnell Aufsehen und erspielte sich mit energiegeladenen Konzerten eine stetig wachsende Fangemeinde. 2012 vertrat Ben Poole sein Heimatland an der „European Blues Challenge“ in Berlin und gewann den dritten Platz. 2013 veröffentlichte Ben dann sein beeindruckendes Debutalbum „Let’s Go Upstairs“, welches von Starproduzent Isaac Nossel (Jeff Beck, Tina Turner, Robin Trower, Jack Bruce, Roger Daltry, Def Leppard) produziert wurde. Ende 2013 stellte sich Ben eine komplett neue Band zusammen und erweiterte sein Trio um einen Keyboardspieler, um das musikalische Level weiter hochzuschrauben.

Die neue Formation wurde innerhalb kürzester Zeit von einigen der renommiertesten Blues- & Rockfestivals Europas verpflichtet (Glastonbury Festival (UK), Blue Balls Festival (CH), Rhodes Rock Festival (GRC), Suwalki Blues Festival (PL), Grolsch Blues Festival (D), Avignon Blues Festival (FR) u.v.m.). Kurz darauf folgte einer der Höhepunkte in Ben’s bisheriger Karriere, die Einladung in die legendäre „Royal Albert Hall“ für einen Auftritt im Rahmen des „London Blues Fest“. Dieses Konzert wurde vom BBC mitgeschnitten und 2014 unter dem Titel „Ben Poole – Live At The Royal Albert Hall“ auf Manhaton Records veröffentlicht. Das Album erntete europaweit fantastische Kritiken und festigte Ben Poole’s Status als junger, aufstrebender Künstler mit sehr abwechslungsreichem Song-Repertoire und einer ganz eigenen Handschrift an der Gitarre…

Im April 2016 folgte die Veröffentlichung des zweiten Studioalbums „Time Has Come“ (Manhaton Records) des Künstlers auf welchem u.a. Aynsley Lister und Henrik Freischlader bei je einem Song als Gäste mitwirkten. Im September 2018 wurde Ben’s drittes Studioalbum „Anytime You Need Me“ (Manhaton Records) veröffentlicht, welches Ben im Rahmen einer umfangreichen Europatournee im Herbst 2020 seinem Publikum vorstellen wird. Ein Konzerthighlight, welches jeder Blues(rock)fan besser nicht verpassen sollte!

“F***ing amazing! I love his playing… I really love his playing!” – Jeff Beck

“A really great player!” – Gary Moore

“Unbelievable! It’s very refreshing to hear someone in today’s time who reminds me of the guys who inspired me when I was young. He’ll be a household name someday for sure.” – Richie Kotzen

“This is a young man to look out for as he is no doubt a rising talent and should be supported when he comes to a local venue.” – Blues Matters Magazine

Wer es wagt, sich an das Material der kanadischen Prog Rockband RUSH heranzutrauen, muss schon ein großes Vertrauen in sein musikalisches Können haben.
Die drei Mitglieder der italienischen Band LA VILLA STRANGIATO haben genau das! Die aus Rom stammende Band, benannt nach einem alten RUSH Titel, wurde 2010 von Gabriele Ferrari und Carlo Fattorini gegründet. Seither ist es ihr Anliegen, die Songs aus der Zeit der größten Popularität von RUSH, in den 70er und 80er Jahren, wieder zu beleben.
In den letzten Jahren haben die drei Italiener ihr Programm stetig weiterentwickelt und hinterließen auf vielen Shows begeisterte Fans Im aktuellen Programm Permanent Changes für 2020 stellt sich die Band der Herausforderung das gesamte Album Permanent Waves und eine faszinierende Auswahl an Songs, die RUSH seit damals nicht mehr gespielt hatte darzubieten. Sie
liefern damit endgültig den fulminanten Beweis als einzige Band in Europa fähig zu sein, das komplexe Material von RUSH zu spielen.

Mystery (often stylized as MYSTERY) is a Canadian rock band formed in 1986 by multi-instrumentalist Michel St-Père. The band released their eponymous debut EP in 1992 with Raymond and Gary Savoie on lead vocals, followed by their first album Theatre of the Mind in 1996 and then Destiny? in 1998, both with Gary on lead vocals. In 2007 the band released their third album Beneath the Veil of Winter’s Face with singer Benoît David who would record two more studio albums with the band: One Among the Living in 2010 and The World is a Game in 2012. In 2015 the band released their sixth album and first with current singer Jean Pageau Delusion Rain, and released their seventh album Lies and Butterflies on July 14, 2018 .
Mystery’s current line-up is Michel St-Père, bassist François Fournier, guitarist Sylvain Moineau, drummer Jean-Sébastien Goyette, singer Jean Pageau and keyboardist Antoine Michaud.

History

Formation and first three albums (1986-1999)
In 1986 while working at Studio Illusion as a sound engineer, Michel St-Père founded Mystery with keyboardist Sylvain Desharnais. The band was originally named Century, but was renamed to Mystery at the suggestion of Desharnais‘ girlfriend when it was discovered there was a band in France already called Century. It took several years for a stable lineup to form, but by 1990 a line-up formed featuring St-Père on guitars, along with Stéphane Perreault on drums, Raymond Savoie on vocals, and Benoît Dupuis on keyboards. In 1991 the band began recording their first EP.[4] Richard Addison joined the band in 1991 on bass and Gary Savoie, Raymond’s brother, became the lead singer in winter of that year. Mystery released their debut EP in March 1992 with both Raymond and Gary on vocals. This EP is currently the only Mystery album that is out of print.
Perreault was taken ill with a crippling illness in 1991, which led to a hiatus until autumn of 1993, at which point the band regrouped. Recording started on the band’s first full-length album Theatre of the Mind in winter of 1994. After finishing his parts for the album, Addison left the band and was replaced by Patrick Bourque, who had played bass on „Rythmizomena“ on Theatre of the Mind. Michel Painchaud also joined the band on saxophone and acoustic guitar. In 1995, the band was reduced to four members when Dupuis and Painchaud left. To help promote the new album’s release in 1996, St-Père created his own record label, Unicorn Digital, on which all of Mystery’s recordings from this point onward would be released. With the release of Theatre of the Mind the band was able to reach a wider audience outside of their home in Canada.
During the recording of the band’s second album, Destiny?, Perreault left and was replaced by Steve Gagné who was introduced to the band by studio sound engineer Gilles Peltier. Destiny? was released in May 1998 and licensed to French record label Musea. After the release of Destiny? Anne Charbonneau joined the band as keyboardist and the band played concerts with music from the album. By the time it came to start work on the band’s next album in 1999, singer Gary Savoie left due to musical differences.

Benoît David era (1999-2014)
After Gary Savoie left he was replaced by Benoît David, who St-Père had met after a Yes tribute gig by David’s thenband Close To The Edge (named Gaïa at the time) prior to Savoie’s departure from the band. For the next several years St-Père shifted his focus to expanding his record label, causing the next Mystery album to be delayed.
In 2000 Mystery released two songs: a cover of „Hey You“ for a Pink Floyd tribute album and a demo of the song which would become the title track of the band’s next album, Beneath the Veil of Winter’s Face for a progressive rock compilation album. Mystery also released the compilation album At the Dawn of a New Millennium, marking a transition period in the band. Over the next few years progress was made on the band’s next studio album, with a rough mix of the song „As I Am“ appearing on the 2004 compilation album Prog-résiste. Then in 2006, Mystery released a cover of „Visions of Paradise“ on a The Moody Blues tribute album.
The band’s third studio album Beneath the Veil of Winter’s Face was released on May 15, 2007. Bourque died a few months after the album’s release in September 2007, the cause of death was determined to be suicide. He was also a member of Emerson Drive up until a month before his death Following the passing of Bourque, St-Père, David, and Gagné soldiered on. They hired François Fournier to replace Bourque on bass, brought second guitarist Dean Baldwin to the fold, and former keyboard player Benoît Dupuis re-joined the band in his original role.
In 2008 David became the lead singer of Yes (until 2012), filling in for Jon Anderson, while continuing to be the lead singer for Mystery. While this helped the band reach a wider audience, it also caused Mystery to have to work around Yes‘ schedule.
Destiny?, Mystery’s second album, was remixed and released with new artwork and a bonus track as a 10th anniversary edition in 2009. The new line-up also played their first show, opening for The Musical Box on April 3.
In 2010, the band released their fourth studio album, One Among the Living. Many other musicians played on the album as session musicians, including other artists who released music on Unicorn Digital and other musicians, including Oliver Wakeman, David’s band mate in Yes, and John Jowitt.
Gagné departed the band in 2011 as he was unable to do the recording for the upcoming album, but stayed with the band as a touring member. Nick D’Virgilio was named to be the session musician who would record all the drum tracks on their next album and Antoine Fafard from Spaced Out would record all the bass tracks on the album. On July 28, 2012, Sylvain Moineau was announced to be filling in for Baldwin on guitars for their next show and then became a full-time touring member. Mystery released their fifth studio album, The World is a Game, on August 10, 2012.
On January 2, 2013 it was announced that Jean-Sébastien Goyette would be playing drums in the live band instead of Gagné, with his first show being the February 7 show at Centrepointe Theatre.
A remastered version of At the Dawn of a New Millennium was announced on February 26 along with Unveil the Mystery, a new compilation album containing music from 2007 until 2012, for which the name for was announced on March 12.
On May 10, the band played and recorded their first European show in the Netherlands during their tour supporting The World is a Game which was released as the double live album, Tales from the Netherlands, on October 1, 2014.
The band recorded the Gene Simmons song „See You Tonite“ for the KISS tribute album A World With Heroes. Todd Farhood sang lead vocals while the rest of Mystery (St-Père, Dupuis, Fournier, Moineau and Goyette) played their respective instruments.

Jean Pageau era (2014-present)
On March 14, 2014 it was announced that David had left the band the prior fall after having discussed wanting to take a pause from music before the start of The World is a Game Tour. Jean Pageau, who was in attendance at the Saga concert Mystery opened in February 2013, officially became lead singer on March 9.
On July 7 Antoine Michaud was announced to be filling in for Sylvain Moineau for all 2014 concerts, and that he had already been practicing with the band for a month. In August and September the band toured a second leg of concerts supporting The World is a Game taking place in Canada and Europe.
On November 2 it was announced recording had started on the next studio album. On June 9, 2015 the title for the album was announced to be Delusion Rain, and was subsequently released on November 1. From late September to early November the band toured in Canada and Europe.
On April 3, 2016 the band played in the Progdreams V festival in the Netherlands, which was recorded and released as Second Home on DVD on August 7, 2017, and as live album on August 15, 2017 digitally, and September 1, 2017 on CD.
On September 2, 2016 the band played in the 2Days Prog + 1 festival in Italy. On September 5 Michaud was announced to be the new keyboard player for the band after Dupuis left the band following the Progdreams V concert in April.
In August and September 2017, the band toured Europe and Canada for the tenth anniversary of Beneath the Veil of Winter’s Face, playing the album in its entirety.
It was announced on September 7 that the band would release their 7th studio album on July 14, 2018, the same day they would play at the Night of the Prog Festival in Sankt Goarshausen, Germany. In late April and early May 2018, the band took a break from working on the album to tour Europe. Work resumed on the album after returning, and on May 30 the title was announced to be Lies and Butterflies. In March and April 2019 the band toured in support of the album with dates in Canada and Europe, followed by a second leg in October and November in Europe and Canada. The show on April 7 in Poznań, Poland will be released as a double live album in November.

Discography
Studio albums
Mystery (1992)
Theatre of the Mind (1996)
Destiny? (1998)
Beneath the Veil of Winter’s Face (2007)
One Among the Living (2010)
The World is a Game (2012)
Delusion Rain (2015)
Lies and Butterflies (2018)
Compilations
At the Dawn of a New Millennium (2000)
Unveil the Mystery (2013)
Live albums
Tales from the Netherlands (2014)
Second Home (2017)
Live at ProgDreams V DVD (2017)
Live in Poznan (2019)
Appearances
Signs Of Life: A Tribute To Pink Floyd (2000)
Higher And Higher: A Tribute To The Moody Blues (2006)
A World With Heroes (2013)

> Website der Band

24-7 Spyz präsentiert brandneues Album mit Live-Shows

Das Jahr 2020 markiert die Rückkehr des Heavy Metal Soul Sounds, der 24-7 Spyz signifiziert!

Die aus der South Bronx stammende Band hat kürzlich ihr brandneues Album The Soundtrack to The Innermost Galaxy veröffentlicht, das ab Anfang 2020 in Europa beworben wird.

24-7 Spyz wurde 1986 gegründet, ist seitdem viele Male durch Europa gereist und hat die Menge immer begeistert. Ihr Sound ist eine einzigartige Mischung aus Heavy Metal, Soul, Funk und Jazz. Sie werden oft mit Bands wie Living Color, Urban Dance Squad, Fishbone und Red Hot Chili Peppers verglichen.

Gitarrist, Sänger, Songwriter und Woodstock Veteran Miller Anderson, der schon seit den 60ern mit allen Top Bands der internationalen Musikszene spielte, kam 1965 aus Schottland nach London und schloss sich zunächst mit dem späteren Mott the Hoople Frontman Ian Hunter zusammen. 1968 wurde er Mitglied der Keef Hartley Band mit der er fünf Alben als Songwriter, Gitarrist und Leadsänger aufnahm. Die Band trat 1969 bei dem legendären Woodstock-Festival auf, doch leider verweigerte das damalige Management die Filmaufnahmen.

Ein paar Jahre später gründete Miller gemeinsam mit Kim Simmonds und Stan Webb die Band Savoy Brown. In dieser Besetzung wurde das Album “The Boogie Brothers“ veröffentlicht und die drei Musiker tourten mit Deep Purple durch die USA, was in einer Show im ausverkauften Madison Square Garden gipfelte.

In den nächsten Jahren spielte er mit Stan Webbs Chicken Shack, Mountain, T. Rex, Donovan, der Spencer Davis Group, Mick Taylor, Roger Chapman und Jon Lord, trat aber seit 1973 auch immer wieder unter eigenem Namen auf und veröffentlichte diverse Solo-Alben, die großartige Kritiken erhielten. So erlangte z.B. das Album „Chameleon“ aus dem Jahr 2008 im Magazin Good Times den Titel „Album des Jahres“.

Sein prägnanter Stil macht Miller Anderson zu einem der großen Gitarristen des Bluesrock. Vor allem die versierte Slide-Arbeit und der kraftvolle, nie effektheischende Einsatz von Wah-Wah-Solos haben den Ruf des Woodstock-Veteranen und Jimi Hendrix-Verehrers als herausragenden Saitenvirtuosen zementiert. Nicht zu vergessen Millers ausdrucksvoller Gesang, einfach nur extraklasse !

Nach mehreren Tourneen als Gastgitarrist der Hamburg Blues Band ist Miller seit 2015 endlich wieder zu unserer und zur Freude seiner zahlreichen Fans mit seiner eigenen, heißgeliebten Miller Anderson Band auf Tournee! Die „Chemie“ stimmt und es groovt wie verrückt ! Laut Miller ist diese seit 2015 unveränderte Bandbesetzung  „die beste Miller Anderson Band, die es je gab ! “

Im Tourgepäck hat Miller die aktuelle CD „Live at Herzberg Festival“  !

line up:

Miller Anderson – guitar, harmonica & vocals
Janni Schmidt   – bass & backing vocals
Frank Tischer    – keyboards & backing vocals
Tommy Fischer – drums

Miller Anderson war/ist Gitarrist, Sänger, Songwriter von:
The Royal Crests, Keef Hartley Band, Hemlock, Savoy Brown, Blood Sweat & Tears, T-Rex,Donovan, Chicken Shack, Mountain, Jon Lord & the Gemini Band, The Spencer Davis Group, Deep Purple, Roger Chapman & the Shortlist, Hamburg Blues Band, …

Glasgow Blues Rockers KING KING are pleased to announce their first concert dates for 2020 with a German Tour as part of a full European run to co-incide with the release of a new album in the spring of 2020.

KING KING who feature Alan Nimmo on Lead Vocals & Guitar, Jonny Dyke on Keyboards, Zander Greenshields on Bass and Andrew Scott on Drums were formed in Scotland in 2008 and have released four critically acclaimed studio albums plus a double live album & DVD.

Alan Nimmo “We are really looking forward to our return to Germany as part of our spring 2020 tour. A new year, new songs.. and possibly a new kilt!!!”

The Tour dates are as follows:

Sun 19^th April – Downtown, Hamburg DE
Mon 20^th April – Harmonie, Bonn DE
Tue 21^st April – OFF
Wed 22^nd April – Rosenhof, Osnabruck DE
Thu 23^rd April – Piano, Dortmund DE
Fri 24^th April – Ducsaal, Freudenburg DE
Sat 25^th April – Die Halle, Reichenbach DE
Sun 26^th April – OFF
Mon 27^th April – Ampere, Munich DE
Tue 28^th April – Spectrum, Augsburg DE
Wed 29^th April – Hirsch, Nurnberg DE
Thu 30^th April – Colos Saal, Aschaffenburg DE
Fri 1^st May – OFF
Sat 2^nd May – Jazzhaus, Freiburg DE
Sun 3^rd May – Museumskeller, Efurt DE
Mon 4^th May – Frannz, Berlin DE

Hoodoo Lightning, the 7th full length album by long running Swedish three-piece Kamchatka is due for release Nov 29 2019. 10 brand spanking new slabs of relentless blues infused riffage, soulful hooks and wild playing. Mixed and mastered by Black Lounge Studios head honcho Jonas Kjellgren in Sweden.

After an unforeseen break during 2017 due to various injuries and surgeries Kamchatka came back last year to play live again. What was supposed to be a few low key gigs to get back together and write some new music quickly turned into 50 shows, headline tours, support slots and festival appearances. The band also recorded and released a well received 7-inch on the German boutique vinyl label H42 Records with 2 new exclusive tracks.

Thomas Juneor Andersson:

-I think all of us were a little bit surprised about the interest from European promotors after our break and not having any new released material under our belts, but it also made us more confident in recording a new album. Some of the shows we played in ’18 were the best ones we’ve ever done in the 15 year history of the band so I was definitely looking forward to write new songs.

One step back but two steps forward might be an appropriate way of describing Hoodoo Lightning as all the signature ingredients we’ve come to know are there. The guitar wizardry and heartfelt vocals from Thomas Juneor Andersson as well as the rock solid swinging rhythm section of Tobias Strandvik & Per Wiberg are present as always and guides the listener through all the rock and roll twists and turns imaginable.

Tobias Strandvik:

-We’ve never been a band that have relied on any studio-trickery. The joy of playing music together is the foundation for this band so when recording that’s what we do, we play the songs together until we’re happy with what we got. I’d like to think there’s more of an edge to the performances this time though. We just went for it and didn’t play it safe at all but that’s what makes it exciting.

Sonically it’s a grittier Kamchatka we hear this time and it’s evident that there’s a new level of energy shining through Hoodoo Lightning, a more confident take-no-prisoners kind of attitude and closer to the uncompromising experience of seeing the band live. Also introducing the shared lead vocals from Thomas & Per on many of the tracks gives the power trio format an extra punch and a wider dynamic range as well.

Per Wiberg:

-Since both me and Thomas sing it’s cool to mix it up and share verses and choruses. I’ve always liked rock bands that have two or more lead vocalists, like Kiss, Grand Funk & ZZ Top for example. It brings more life to the songs I think and also underlines the fact that we’re a band. Obviously it’s fun and entertaining for both us and the audience in a live situation as well and it takes away a little of the pressure of having one guy doing the majority of the lead vocals.

As usual the music itself is heavily rooted in the 60’s & 70’s but Jonas Kjellgren has managed to avoid all the pitfalls of the slick retro sound and instead found a great balance between an up to date powerful in-the-moment sound with lots of creative details. Combined with the classy as ever songwriting and vigorous performances it’s the sound of a band who knows what they want and what they’re good at!

Hoodoo Lightning strikes!

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Produced by Kamchatka & Jonas Kjellgren
Mixed & mastered by Jonas Kjellgren at Black Lounge Studios
Recorded by Tobias Strandvik at Kamchatka Shelter
Thomas Juneor Andersson – Vocals, Guitars & percussion
Tobias Strandvik – Drums & Percussion
Per Wiberg – Vocals, Bass & Keys

Was wäre die Geschichte der deutschen Rockmusik ohne Kraan? Zweifelsohne nicht nur unvollständig, sondern vor allem um ein besonders buntes, höchst kreatives Kapitel ärmer.

Kraan verschrieben sich von Beginn ihrer Karriere an einer spannenden Fusion aus Rock, Jazz und Ethno-Einflüssen und fügten ihrem Sound später US-Mainstream- und Soul-Elemente hinzu. Ihren Stil nannten sie kurz und ergreifend ´Wintrup Musik`, benannt nach ihrem Domizil im Teutoburger Wald. Eine kleine Erbschaft im Mai 1970 war quasi die Initialzündung der Band. Die vier Ur-´Kraaniche` Peter Wolbrandt, Jan Fride, Hellmut Hattler und Alto Pappert warfen ihr Geld zusammen und kauften sich eine Anlage plus einen Bandbus. Ihr Debütalbum nahmen sie in einer 2-tägigen (!) Studiosession auf und pflegten auch sonst den Hang zur Spontaneität. Die Galionsfiguren bei Kraan waren Bassist Hellmut Hattler und Gitarrist Peter Wolbrandt, gleichzeitig die beiden Hauptsongschreiber der Band. „Ich suchte nach einem Wort, das gut klingt“, erklärte Hattler später die skurrile Namensgebung. „Wir wollten raus aus diesem Klischee und solch ein Wort wie Kraan taucht fast in jeder Sprache auf.“ Passend dazu auch der musikalische Rahmen der Band: Über einen rockigen Drum-Beat, perfekt ergänzt durch Hattlers kraftvollen funky Grooves, zog Saxophonist Alto Pappert wunderschöne Melodien, während Gitarrist Peter Wolbrandt mit ganz eigenem Sound und swingenden Licks die Songs abrundete.

Kraan genossen das Leben einer musikalischen Kommune. Ein stillgelegtes Weidegut, ein anno 1871 erbautes Fachwerkgebäude mit etwa 4000 Quadratmeter Land, einsam am Rande des Teutoburger Waldes gelegen, war in den Siebzigern ihr Zuhause. Das ehemalige Pferdegestüt hatte Graf Metternich den Musikern zur Verfügung gestellt – kostenlos und ohne Bedingungen. Dort wohnten sie mit 13 Gleichgesinnten (vier Musiker, der Manager, zwei Roadies, drei Frauen, drei Kinder und etliche Katzen und Hunde). Hattler charakterisierte die Philosophie des Zusammenlebens seinerzeit mit den Worten: „Es herrscht hier eine freundliche Anarchie. Wir haben absichtlich keine Pläne gemacht, wer wann wo putzen muss oder Spüldienst hat. Es ist natürlich ganz schön schwierig, weil wir auf unsere eigene Einsicht angewiesen sind.“ Denn: „Wenn in der Küche alles stimmt, geht auch die Musik in Ordnung.“

Im täglichen Leben zwar mit derlei Banalitäten konfrontiert entwickelte sich die Band in den kommenden Jahren zu eine der außergewöhnlichsten deutschen Formationen. Ihre dritte Veröffentlichung ´Andy Nogger` (der Albumtitel beleuchtete den Konsumterror kritisch und war eine Anspielung auf den Speiseeis-Werbeslogan ´Nogger Dir einen`) verkaufte sich 120.000 Mal. Das Werk erschien in Österreich, der Schweiz, Holland, Kanada, Australien, England, Skandinavien und Südafrika und wurde vom deutschen ´Musikexpress` zur Platte des Jahres gekürt. Bereits vier Wochen nach Veröffentlichung in Amerika rangierte das Album in den Billboard Charts auf Platz 9 der meistgespielten LP´s aller US-Sender. Nach drei Studiowerken wurde im Oktober 1974 im Berliner ´Quartier Latin` ihr Doppelalbum ´Kraan Live` mitgeschnitten, eines der herausragenden Jazzrock-Alben jener Tage, das vom legendären Produzenten Conny Plank aufgezeichnet und bearbeitet wurde. Nach einem umjubelten Auftritt beim Roskilde Festival in Dänemark im Juni 1975 ersetzten Kraan den ausgestiegenen Alto Pappert durch den Pianisten/Organisten Ingo Bischof. Mit dem folgenden, ebenfalls großartigen ´Let It Out` Album, das mit einem mobilen Studio in Wintrup, quasi zwischen Pferdestall und Küchenherd von Conny Plank produziert wurde, avancierten Kraan im Magazin ´Sounds` zur Gruppe des Jahres. Auch der ´ME` fand Gefallen an der Band: „Lange Kollektiv-Improvisationen zwischen Jazz, Rock und Blues werden mit spielerischer Leichtigkeit für ein paar Takte von arrangierten Teilen unterbrochen“, schrieb das Magazin im November 1975. „Da zeigt sich echtes Können und die Kraan-Leute verwirklichen ihre ausgefallenen musikalischen Ideen mit derart viel Einfühlungsvermögen und Präzision, als wollten sie augenzwinkernd an den Genius eines Frank Zappa erinnern.“

Nach ´Let It Out` begann für Kraan eine neue Zeitrechnung. Die beiden folgenden Alben ´Wiederhören` (1977) und ´Flyday` (1978), speziell aber das 83er Opus ´Nachtfahrt` (dazwischen liegt noch die Veröffentlichung des zweiten Live-Albums ´Tournee`), reflektierten den geänderten Zeitgeist. Die Neue Deutsche Welle zog in die deutsche Musiklandschaft ein. Von ihr blieben auch Kraan nicht unbeeinflusst. Und umgekehrt. Hattler: „Viele dieser Bands waren Kraan-Fans, und waren von dem, was wir auf ´Flyday` machten, vor allem von Peters Arpeggio-Gitarrenstil, beeindruckt und ließen diese Elemente auch in ihre Musik einfließen. ´Nachtfahrt` dagegen war unsererseits eine mehr oder weniger ironische Auseinandersetzung mit der damaligen Musikszene.“ Echte Kraan-Scheiben waren beide Veröffentlichungen indes nur teilweise, sondern eher – wie Hattler es nennt – „jeweils zur Hälfte Solowerke von Peter und mir.“ Als kreative und produzierende Band wie zu Wintrups Zeiten existierten Kraan zum damaligen Zeitpunkt nicht mehr; die Aktivitäten der Gruppe beschränkten sich auf Tourneen in wechselnden Besetzungen bis zum Jahr 1984. Danach sollte endgültig Schluss sein, aber schon 1988 erschien das dritte Bühnenwerk ´Live ´88`, gefolgt von den beiden letzten Studioalben ´Dancing In The Shade` und ´Soul Of Stone`.

Mit einem Auftritt 1992 auf der ´Dokumenta` in Kassel schloss die Kraan-Historie für das fast komplette Jahrzeht der 90er Jahre.

Hattler setzte seine Karriere mit dem bereits auf den letzten Kraan-Veröffentlichungen zu hörenden Trompeter Joo Kraus in der Formation Tab Two fort, Wolbrandt widmete sich seinem erlernten Beruf als Graphiker und Programmierer und erst anlässlich des dreißigjährigen Kraan-Jubiläums reformierte sich die Band im Frühjahr 2000 in der Besetzung Hattler, Wolbrandt, Bischof und Fride, veröffentlichte die beiden Jubiläums-konzerte (´Live2001`), spielte eine überaus erfolgreiche Deutschlandtournee und veröffentlichte Ende Juni 2003 ihr Comeback-Album ´Through`, das auf wundersame Weise nahtlos an alte Tugenden anknüpft, ohne dabei etwa angestaubt oder vom Zeitgeist überholt zu klingen. Auch auf dem Nachfolgewerk Psychedelic Man (für das die Fa. EMI übrigens eigens ihr legendäres „Harvest“ label reanimiert hat), erweist sich diese unverwechselbare Band als ein Füllhorn an Kreativität und Musikalität, die in dieser Form in Deutschland einzigartig ist.

Seit Anfang 2008 wurde der längst in der Luft liegende Wunsch verwirklicht, auch live wieder freier und den Fähigkeiten der Urmitglieder entsprechender aufzuspielen. Seither besteht KRAAN „nur“ noch aus den drei Gründungsmitgliedern Peter Wolbrandt, Hellmut Hattler und Jan Fride Wolbrandt, absolvierte gefeierte Tourneen und veröffentlichten 2011 in dieser Besetzung ihr aktuelles Albums mit dem Titel „Diamonds“, das hochmodern und trotzdem 100% nach KRAAN klingt und damit deutlich zeigt, dass diese Band offenbar keinerlei Zeitschema zu unterliegen scheint; immerhin wird kein Prädikat im Zusammenhang mit KRAAN so oft gebraucht wie das Wort „zeitlos“.

Im Jahr 2008 also verschlankten sich KRAAN zum klassischen Kern-Trio, ohne jemals so zu klingen. Die drei Schulfreunde Peter und Jan Fride Wolbrandt sowie Hellmut Hattler wurden nicht zu Verwaltern des eigenen Erbes, sondern schrieben neue Stücke, produzierten frische Alben, interpretierten die eigenen Klassiker virtuos, funky und mit extrem viel Drive. Immer wieder bewiesen sie, dass sie auf ihrem ureigenen Kraan-Terrain zwischen Rock und Jazz auch handwerklich einfach unschlagbar sind. Mit „The Trio Years“ und „The Trio Years – Zugabe!“ ist nun endlich das Beste – und darüberhinaus das komplette Repertoire der vergangenen Live-Jahre zu haben.

Es ist ein schmutziger Job, aber einer muss ihn ja schliesslich machen. Oder siebeneinhalb. FiDO (2003-?), sieben mutige Mannen und ihre madonnengleiche Mischerin – sind 2020 auf „Atlantis & Elsewhere“ – Tour und greifen dabei erneut tief in die Repertoire- und Trickkiste des amerikanischen Komponisten, Gitarristen und stilbildenden Bürgerschrecks Frank Zappa (1940-1993). An Bord ihr aktuelles Doppel-Live Album „Atlantis & Elsewhere“ von der letzten Tour.
Mit der unerschrockenen Mischung aus rotzig-rockiger Live-Show gepaart mit virtuosem Schweizer Präzisions-Handwerk, mit der die bühnenerfahrenen Profis ihre Leidenschaft für die Musik des Great American Composer ausleben, weiss das Schweizer Tribute Orchestra jedes Publikum zu packen. Die sieben Musiker zelebrieren vielstimmig und mit Verve obskure Geschichten von modifizierten Hunden, stinkenden Füssen, traurigen Eskimos und allerlei anderen Kuriositäten des Lebens, der schnoddrige Humor und die bisweilen fiesen Zoten des Frontmannes Dave Muscheidt atmen den Geist des grossen Entertainers und Provokateurs FZ.

FiDO nutzen improvisatorische Freiräume schamlos aus, brechen stilistische Grenzen virtuos und schöpfen die musikalische Vielfalt und den kompositorischen Humor von Zappas Werk voll aus. Mit etlichen begeisternden Live-Shows in ganz Europa und sechs Tonträgern hat sich das Schweizer Tribute-Orchester in der letzten Dekade wohl einen Platz im Olymp der weltweiten Zappa-Gemeinde erspielt: Stilsicher, virtuos, humorvoll und mit ganz eigenem Approach berauschen sich FiDO und sein Publikum auch nach 17 Jahren am genialen Werk Frank Zappas.

BIO
Die Faszination für Frank Zappas ironische Zungenbrecher-Frickelrock-Fusion überkam den Bassisten Pascal Grünenfelder anno 1987, als er in seiner jugendlichen Unschuld zum ersten Mal mit der kompositorischen Genialität und dem absurden Humor von Stücken wie ‘Zomby Woof’, ‘Dont Eat the Yellow Snow’ oder ‘Dinah-Moe Humm’ konfrontiert wurde. Überwältigt vom musikalisch brillanten, respektlos antiautoritären und humorvoll ironischen Ausdruck des Meisters aller Fusionen, begann der Bassist Zappas Universum mit staunenden Ohren zu erforschen.
Inspiriert von den experimentellen Soundcollagen der frühen Mothers of Invention, den ausladenden 70er Jahre Jazzrock-Epen, den bombastischen 80er BigBand-Rockformationen um Wackermann, Bozzio und Colaiuta und den modernen Orchester-Werken des Varese-Verehrers Zappa, reifte der Entschluss, mit einem Haufen Gleichgesinnter ausgesuchte Perlen aus dem schier unendlichen Repertoire des Meisters selbst zu interpretieren.
Mit diebischem Vergnügen lädt Grünenfelders Rockin-Teenage-Combo zur halsbrecherischen Achterbahnfahrt durch Zappas irrwitzigen Kosmos, zelebriert vielstimmig obskure Geschichten von sprechenden Hunden, stinkenden Füssen, traurigen Eskimos und allerlei andern Kuriositäten des Lebens. Die Schweizer Musiker interpretieren Zappas Klassiker in liebevollen Arrangements virtuos für die Jetztzeit, scheuen sich nicht vor dem unkonventionellen Umgang mit dem Material des grossen Komponisten und beantworten Zappas rhetorische Frage ‘Does Humor Belong in Music?’ mit einem begeisterten Ja. Improvisatorische Freiräume werden schamlos ausgenutzt, stilistische Grenzen gnadenlos aufgebrochen, die musikalische Vielfalt und der kompositorische Humor von Zappas Werk voll ausgeschöpft.

LINE UP
Dave Muscheidt – Vocals
Dave Blaser – Trumpet
Martin Medimorec – Vibraphone, Marimba, Percussion
Oli Friedli – Piano, Keys
Stef Strittmatter – Guitar & Vocals
Pascal Grünenfelder – Bass & Vocals, Arrangements
Remy Sträuli – Drums & Vocals

DISCOGRAPHIE
– ATLANTIS & ELSEWHERE – Doppel-CD/Vinyl, 2018, Sireena Records
– DIRTY BROWN – Bobby Brown & Dirty Fingers, 7″ Vinyl, 2015
– FiDO wird 10 und feiert – Live at Gare du Nord & More, Film auf USB-Stick 2013
– TOO BIG TO FAIL, CD Januar 2011, Czar Of Crickets
– FiDOplaysZAPPA on the Dental Floss, DVD August 2007
– Live @ Sudhaus Basel, CD September 2006, Limited Handmade Red-Sofa Edition
– FiDOplaysZAPPA, CDR2005

REVIEWED
„..and they create some killer Zappa music. This live album is a great example, and a very effective release. They manage to capture the madness and magic of Zappa in a way that both takes liberties and respects his vision.“
Music Street Journal, USA
„Atlantis And Elsewhere“ ist ein tolles Live-Dokument einer Band mit ungewöhnlichem  Musikgeschmack. Eine Band, die es braucht, will man Zappas Musik auch heute live hören. Den Meister gibt es ja nicht mehr und die Mothers sind jetzt die Grandmothers. Da ist genug zu tun für Fido Plays Zappa.“
Rocktimes, DE
„.. Hier gehen sieben Musiker mit viel Spielfreude und grossem Können zur Sache und wissen ihre Zuhörer zu fesseln.“
Eclipsed, DE

Marc Amacher begeisterte nicht nur Publikum und Jury von «The Voice of Germany» im Jahre 2016: Seine rauchige Stimme fällt immer und überall auf. Einordnen lässt er sich nicht gerne – er macht spontan, emotional, dynamisch Musik.

Der Autodidakt bekam seine erste Gitarre von seinem Großvater, die seither zu seinem ständigen Wegbegleiter wurde. Marc´s musikalische Einflüsse reichen von John Lee Hooker und R.L. Burnside über Jack White bis hin zu Motörhead oder AC/DC

Amacher macht nicht Musik, er ist Musik, lebt Musik – mit Leib und Seele. Der echte Blues, der originale Boogie-Woogie und der authentische Rock n‘ Roll gehen mit seiner rauchiger Stimme direkt unter die Haut.

So verwundert es kaum, dass ihm und seiner Band die Ehre zu Teil wurde, im Jahre 2019 drei Arenen- Shows in Berlin, Mannheim und Wien für `Mister Slowhand` Eric Clapton eröffnen zu dürfen und für sein im April 2019 erschienenes Studioalbum `Roadhouse` (Jazzhaus Records/ In-Akustik) den Preis der deutschen Schallplattenkritik in der Sparte `Blues` entgegennehmen zu dürfen.

„Amacher“, das ist Musik aus Leidenschaft und eine mitreißende Show – faszinierend und immer wieder überraschend.

Ganz ungefährlich ist der Genuss nicht: Er macht süchtig.

PHYSICAL GRAFFITI performen 50 Jahre LED ZEPPELIN´s Klassiker Alben I & II

PHYSICAL GRAFFITI – Schon zahlreiche Bands haben versucht die Songs von Led Zeppelin so originalgetreu wie möglich wiederzugeben und zu interpretieren, doch nur wenige waren wirklich erfolgreich. Im Jahre 1997 änderte sich dies allerdings. Die Band Red Stuff, die hauptsächlich Songs aus den siebziger Jahren spielte, wurde von ihren Fans aufgefordert ihr Led Zeppelin Repertoire auszuweiten, was zur Gründung einer der wahrscheinlich besten Tribute-Bands – namens Physical Graffiti– führte.

Der Name Physical Graffiti ist gleichzeitig Titel des 1975 erschienenen Albums von Led Zeppelin, wodurch ein direkter Bezug zur Originalband hergestellt wird, denn wenn dieses Stichwort fällt, weiß jeder Rockfan, was und vor allem wer gemeint ist. Letztere sind in gewisser Weise Vergangenheit, doch ihr musikalisches Erbe wird mit großem Stolz und Leidenschaft von Physical Graffiti am Leben erhalten.

Jedes Bandmitglied weißt einen enormen musikalischen Background auf. Der englische und in Holland lebende Sänger Andrew Elt beispielsweise spielte bereits in Bands wie Gin On The Rocks, Sleeze Beez und tourt mit dem Gitarrenvirtuosen Walter Trout. Dort fungierte er zunächst als Tour-Manager, später stand er gemeinsam mit der Band auf der Bühne und gab sowohl sein gesangliches als auch instrumentales Können zum Besten. Generell ist Andrew Elt als ein sehr gefragter Sänger für Rocksessions, denn mit seiner Stimme vermag er die originären Tonlagen von Bands wie Led Zeppelin, Deep Purple, Guns N’ Roses, AC/DC, Van Halen usw. verblüffend gut nachempfinden.

Der irische Bassist Dave Harrold brachte sich das Gitarre spielen selbst bei, widmete sich jedoch relativ schnell dem Bass und stellte mit diesem sein Können in den holländischen Bands Re-Experience, Clemens V.D. Ven Band und Boerenleenband unter Beweis. Schließlich hat er noch die Mandoline in sein Repertoire aufgenommen, womit er seine Kollegen von Physical Graffiti bei einigen wundervollen Led Zeppelin Akustik-Nummern in typischer John Paul Jones-Manier begleitet.

Der Gitarrist Daniel Verberk begann mit 11 Jahren mit diesem Instrument, arbeitete später als Backline-Techniker für Vengeance, war daraufhin Gitarrist in den Bands Heavy 70’s und The Moon und tourte seit 2006 als Stagemanager und Backline-Techniker für diverse internationale Acts.

Jan Gabriel ist der Schlagzeuger von Physical Graffiti. Seit langer Zeit tourt er mit seiner Big Band durch die USA und Europa. Zudem unterstützt er u.a. Bands wie die Guano Apes auf der Bühne. Ferner ist er in unterschiedlichen klassischen Orchestern aktiv und als Lehrer betreut er das Projekt Band Apart, in dem Quentin Tarantino´s Filmmusik gespielt wird.

Physical Graffiti zeigen auf der Bühne ihr großes künstlerisches Talent, indem sie gekonnt die Songs von Led Zeppelin interpretieren. Physical Graffiti rocken!

Line Up:
Andrew Elt: vocals
Dave Harrold: bass, violin
Daniel Verberk: guitars
Jan Gabriel: drums, percussions
Remco Van Zandvoort: keyboards

Curse Of Lono’s cinematic blend of harmony-laden Americana and gothic alt-rock has earned them two Top 10 albums in the Official UK Americana Charts in eleven months and saw them receive the prestigious Bob Harris Emerging Artist Award at the 2019 UK Americana Awards in January.

Curse Of Lono, who formed in London in 2015, are Felix Bechtolsheimer (vocals, guitar), Joe Hazell (lead guitar and vocals), Dani Ruiz Hernandez (keys and vocals), Charis Anderson (bass and vocals) and Neil Findlay (drums).

The five-piece has toured extensively in the UK and around Europe, both as a headline act and as support to artists like Steve Earle, Samantha Fish, Chuck Prophet, Southside Johnny & The Asbury Jukes, David Ramirez and Alabama 3. The band made their US debut at the SXSW Music Festival in March this year and returned to the US in September for performances at AmericanaFest and at the Rhythm & Roots Reunion Festival in Bristol, TN. They will be heading out on a 10-date UK headline tour in October.

Curse Of Lono were the subject of the short documentary ‘Somewhere In Their Heads’ (2018), which won Best Short Documentary at numerous international film festivals, including the LA Edge Film Awards, the Hollywood Sun Awards, the Changing Face International Film Festival in Sydney, the Oniros Film Festival in Rome, Feel The Reel International Film Festival in Glasgow, the Mindfield Film Festival in New Mexico, The New Renaissance Film Festival in Amsterdam and the Calcutta International Cult Film Festival in India.

The band have released three albums and one EP and they are currently working on their next studio album, which will be recorded at the beginning of next year.

Die Hits „Down On The Street“, „Mr. Manic & Sister Cool”, „Night Birds” gibt es live im April/Mai 2020!

Shakatak servieren zum 40-jährigen Band-Bestehen einen betont frischen Cocktail ihres melodiösen Mixes aus Pop, Jazz und Funk
Till Brönner als Gast auf neuer Studio-CD „In The Blue Zone“!

Große Ereignisse werfen ihre Schatten voraus. Bei Shakatak ist dies ein neues Studio-Album, aus dem sie während einer Deutschlandtour (22. April bis 2. Mai 2020) anlässlich ihres 40-jährigen Jubiläums diverse Titel live präsentieren werden! Bekannt wurde die britische Pop-Jazz-Funk-Formation in den Achtzigern durch den Hit „Down On The Street“. Diesem folgten die erfolgreiche Single „Day By Day“ (mit Al Jarreau) sowie der clubtaugliche Charts-Stürmer „Mr. Manic & Sister Cool“. Für die CD „In The Blue Zone“ (Secret Records/Rough Trade) haben Shakatak ihren melodiösen, radiofreundlichen, teils instrumentalen Soft-Sound zeitgemäß aktualisiert. Die musikalische Frischzellenkur, der sich die Gründungsmitglieder Jill Saward (Leadgesang), George Anderson (Bass) und Roger Odell (Schlagzeug) um den tonangebenden Pianisten und Keyboarder Bill Sharpe unterzogen haben, entstand unter Mitwirkung einiger renommierter Gäste. Allen voran: Till Brönner! Der deutsche Trompeter/Sänger wirkt bei „Ready To Take A Chance“, einem der 14 Songs, mit. Außerdem nehmen an ihrem 30. Longplayer teil: Saxophonist Derek Nash (Jools Holland Rhythm & Blues Orchestra), Trompeter Sid Gould (Incognito, Bloc Party) und die Londoner Jazzsängerin Liane Carroll (Paul McCartney).

Die 1980 gegründete Gruppe kann für das Programm der gut 90-minütigen Auftritte ihrer „40th Anniversary Tour 2020“ (Tickets: € 22 bis € 29 im VVK) aus dem Vollen schöpfen und zeigen, warum sie über vier Jahrzehnte hinweg international live-konzertant derart konstant gefragt ist. Besucher ihrer Shows werden bestätigen können, was im Magazin des weltberühmten ‚Ronnie Scott’s Club’ zu lesen war: „Shakataks Musik funkelt auch heute noch genau so wie damals, als man sie zum ersten Mal gehört hat. Diese Formation ist nicht bloß eine Band, ihre Songs liefern auch den Soundtrack zum Leben vieler Menschen.” 

Sari Schorr has taken the music world by storm. She has a voice like no other; hyper powerful, husky and muscular, with an incredible texture and range. She delivers a sentence as a boxer would throw an uppercut to his opponent.

Every year there is seemingly a constant parade of must-hear singers right? Not really. They come along rarely if they’re the real deal, as rarely as a seminal live album actually. Meet Sari Schorr. What makes her different is what makes all the others the same. She’s got talent, who hasn’t, but she has depth, life experience (like helping out in Haiti after the earthquake). She has real stories to tell. Sari is one of the few singers that can be, and is, mentioned in the same breath as Joplin. What you get is Blues with 3 Michelin Stars served in a New York diner. Don’t forget to leave a tip!

Schorr’s “overnight” success comes after years trudging the rugged road of life of the hard-working blues woman. She honed her craft playing relentlessly in the fierce South Bronx and on Manhattan’s Lower East Side. Her talent would not be denied and it took her all the way to Carnegie Hall, tours around the world and major TV appearances.

Sari gained prominence throughout the blues world touring with the legendary guitarist, Joe Louis Walker. She was recognized for her contribution to the blues in 2015 with an induction into the New York Blues Hall of Fame. In Memphis, that same year, a chance meeting with iconic record producer Mike Vernon (Fleetwood Mac, John Mayall, David Bowie, Eric Clapton, Peter Green) took Sari’s career to the next level. Within minutes of hearing Sari sing Mike offered to come out of retirement to produce her debut album, A Force of Nature. The album quickly established Sari as the new undisputed rising star of blues rock.

Sari broke new ground with her sophomore album, Never Say Never with a collection of songs heavy with reflections on Sari’s American home, delivered through her unmistakable, powerful and heartfelt vocals. The album received unanimous praise from the critics. Spin Sunday Reviews said, “Every so often you come across an album which, from the moment the first note hits your eardrums until the last track fades into the ether, you know you have fallen in love and heard something really beautiful that will stay with you long after the notes have faded. This is how I felt when I first heard this sublimely intense and haunting album from Sari Schorr.” Fireworks Magazine called the album, “sheer perfection” and said, “I’m willing to wager you won’t find a better female-fronted Blues Rock album this year.”

Schorr is a skilled writer. Sari’s songwriting reflects human emotions and experience, adding to the feeling of intimacy with her audience. She speaks of her commitment to tackle difficult subjects in her songwriting often considered taboo, such as domestic abuse and heroin addiction, offering a different perspective on topics of which no one wants to talk. Sari’s poetic lyrics reveal a more vulnerable side behind her towering presence. They are vibrant and gripping and highlight just how good she is at invoking passion, grit, and empathy.

Sari Schorr ‘Live In Europe’ will be out on Manhaton Records on 6th March 2020, followed by her biggest European tour yet, comprising over 30 dates across the continent and the UK in March and April. Sari’s brand-new, 12-track live album was recorded on the last tour, and serves as a perfect illustration of why you’ll want to catch the next one. We are treated to the passion of original songs from her two studio albums and two reworked covers, Black Betty and I Just Want To Make Love To You, both hot favourites with audiences. These stunning live recordings from across Europe, along with two previously-unreleased acoustic tracks recorded for the BBC in the UK, truly make this album an object of desire. For Sari “there is an honestly in a live performance that allows me to be vulnerable and uncensored.”

In her own words: “The time had come for me to get a bit messy. Too much of my life was becoming cleaned-up in the carefully curated world of social media where we retouch our faces and bodies and carefully edit our words. Recording a live album was a blunt attempt to fend off the perfectionism of the technological world,” says Sari.

Sari has shared the stage with notable artists including Paul McCartney, Tom Petty, Buddy Guy, Eric Burden, Billy Gibbons, John Fogarty, Robin Trower, Walter Trout, Joe Louis Walker, and Eric Gales. Sari performed at the famous Ottawa Blues Festival in front of 25,000 and in Europe she has performed at the world famous Montreux Jazz Festival in Switzerland, London Blues Festival, Nottoden Festival in Norway, Great British Rhythm & Blues Festival in the UK, Vienna Blues Spring in Austria, Sulwałki Festival in Poland, Ribs & Blues in The Netherlands, North Atlantic Blues Festival in the USA, Edinburgh Blues Festival in Scotland, Blues Balls Festival in Switzerland, Ottawa Bluesfest in Canada, Spirit of 66 in Belgium, Rother Bluestag in Germany, Frank Rock & Bl ues Festival in Spain, Great Southern Blues Festival in Australia and many others.

Sari mixes a passion for music and with a duty of social responsibility. She has devoted her talent and energy to music projects of a grand scale for humanitarian causes. Most notable is her work on a “Toast to Freedom” for Amnesty International, where she collaborated with many musical legends including Warren Haynes, Levon Helm, Keb Mo‘, Eric Burdon and Carly Simon. Sari’s humanitarian efforts include work in Haiti and India. She founded “Matters” – a non-profit that draws attention to humanitarian causes through the arts. Sari is a marathon runner and animal rights activist. She currently lives in Brooklyn, New York with her husband and rescued pit bulls.

“Bottle the power of Grace Slick with the whisky doused warmth of Janis Joplin and the vintage vocal result is Sari Schorr who pours out her heart and soul…” – Express Mail
“Schorr can sing ‘em. All husk and muscle, the operatically trained New Yorker makes you believe every stormy line of this game-changing album.” – Classic Rock Magazine
“A voice of breathtaking quality and power and a live show that erupts like a volcano have catapulted Sari Schorr into the spotlight as the new undisputed star of Blues Rock!” – Devil’s Gate Media

Auch wenn er völlig zu Recht zu den anerkanntesten Künstlern der zeitgenössischen Bluesszene gehört, zählt für Mike Zito vor allem, dass er sich seine Aufrichtigkeit, Authentizität und Integrität bewahrt. Diese Eigenschaften waren von Anfang an für seine Karriere von herausragender Bedeutung und prägen auch weiterhin Zitos musikalisches Schaffen.„Ich habe nichts zu verbergen, und es scheint so, dass die Leute vor allem meine Aufrichtigkeit schätzen“,sagte er einmal der Zeitschrift Vintage Guitar.„Anders(Osborne) hat mir schon früh geraten: ‚Wenn du nicht an das glaubst, was du singst, wirst du nie ein guter Sänger sein.’ Ich versuche, kein belangloses Zeug zu schreiben; bei mir zählt jedes Wort.“Auf seinem neuen Album –seinem 16. insgesamt –, das in diesem November bei Ruf Records erscheint und den selbsterklärenden TitelRock’n’Roll: A Tribute to Chuck Berryträgt, geht Zito noch einen Schritt weiter, auch wenn es zugleich eine Rückkehr zu seinen Wurzeln darstellt. Das Album enthält 20 Chuck-Berry-Klassiker, die von Zito und einem beeindruckenden Aufgebot an Gastgitarristen interpretiert werden, darunter Joe Bonamassa, Walter Trout, Eric Gales, Robben Ford, Sonny Landreth, Luther Dickinson, Albert Castiglia, Anders Osborne und last, but not least Chucks Enkel Charles Berry III.Selbstredend gehörten Geduld und Durchhaltevermögen von Anfang zu Zitos Handwerkszeug. Er begann im Alter von fünf Jahren mit dem Gitarrenspiel und gegen Ende seiner Teenagerzeit war er bereits ein fester Bestandteil der lokalen Musikszene von St. Louis. Zunächst veröffentlichte er seine Musik in Eigenregie und unterschrieb dann 2008 bei Eclecto Groove Records. „Pearl River“, der Titelsong seines 2009er-Albums für dieses Label, brachte ihm einen Blues Music Award in der Kategorie „Song of the Year“ ein und stellte zugleich seine erste Kooperation mit Cyril Neville dar, mit dem er später bei der Royal Southern Brotherhood zusammenarbeiten sollte. Es folgte eine Reihe von positiv aufgenommenen Alben, die ihren Höhepunkt mit Greyhounderreichte, das als bestes „Rock Blues Album“ bei den Blues Music Awards nominiert war. Zwei Jahre darauf unterschrieb er bei Ruf Records und brachte mit Gone to Texas, auf dem er die Geschichte seines Wegs aus der Drogenabhängigkeit erzählte, eine emotionale Hommage an jenen Staat heraus, der für ihn zur neuen Heimat wurde. Gleichzeitig markierte das Album das Debüt seiner Band The Wheel.

Von 2010 bis 2014 spielte Zito zudem eine zentrale Rolle in der an eine Supergroup erinnernden Royal Southern Brotherhood. Mit dieser Band veröffentlichte er zwei Studioalben sowie das CD/DVD-Set Songs from the Road –Live in Germany, das mit einem Blues Music Award als beste DVD ausgezeichnet wurde. Darüber hinaus konnte sich Zito als Produzent einen Namen machen, so etwa für Alben von Samantha Fish, Albert Castiglia, Ally Venable, Jeremiah Johnson, Jimmy Carpenter und vielen anderen.Und Zitos Erfolgsgeschichte geht weiter. Sein Album Make Blues Not Warstieg in den Blues-Charts des US-Magazins Billboard auf Nummer eins ein und brachte ihm 2018 bei den Blues Music Awards den Sieg in der Kategorie „Rock Blues Artist of the Year“ ein. Mit seinem im letzten Jahr erschienenen Album First Class Lifekonnte er eine weitere Nummer eins landen, und das Magazin The Alternate Rooturteilte: „Warum er seinem neuen Album den Titel First Class Lifegab, wird deutlich, wenn man den Sound jenes Blue Soul hört, der wie Hitzewellen aus seiner Gitarre und seiner Stimme aufsteigt.“ Auf American Blues Scenewar zu lesen: „Mike Zitos Rückkehr zum Blues ist, um es mit einem Wort zu sagen, triumphal!“ Und bei No Depressionhieß es: „Einmal mehr hat Zito die Erwartungen erfüllt und ein erstklassiges Paket abgeliefert, ohne dass man dafür Porto bezahlen muss.“Mit Rock’n’Roll: A Tribute to Chuck Berryhat Zito nun erneut das getan, was er am besten kann: ein Album aufzunehmen, das demütig, von Herzen kommend, professionell gemacht und einfach großartig ist … und um Chuck Berry selbst zu paraphrasieren, es zugleich so richtig rocken lässt.Dies kann man 2020 live auf der Bühne erleben, wenn Mike in Europa die Bühnen rockt! Mit altbekannten Hits und den mitreißenden neuen Songs vom Album Rock’n’Roll: A Tribute to Chuck Berry! Das wird definitiv eine Show bei der niemand die Füße stillhalten kann!

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 SAMANTHA FISH +++ LIVE 2021

28.März – Roth/Bluestage
29.März – Berlin/Galaxy
30.März – Hamburg/Fabrik
31.März – Dortmund/Musiktheater Piano
01.April – Frankfurt/Batschkapp
03.April – Winterbach/Lehenbachhalle

*** Samantha Fish mit ihrem neuen Album „Kill Or Be Kind“ (Rounder/in-akustik) im März 2021 auf Deutschland-Tour!*** 

Facts zum neuen Album “Kill Or Be Kind” (am 20.09.2019 bei Rounder/in-akustik erschienen): 

Die genresprengende US Gitarristin, Sängerin und Songwriterin Samantha Fish veröffentlicht am 20. September in Deutschland ihr mit Spannung erwartetes neues Werk “Kill Or Be Kind” (in-akustik). Es ist das erste Album der 30-Jährigen beim legendären Nashville Label ROUNDER.

Samantha fasziniert das Publikum rund um den Globus mit ihrer zündenden Live-Performance – und begeisterte unlängst auch in Deutschland mit ihrem sensationellen Gitarrenspiel und fulminanten Liveshow. Mit „Kill Or Be Kind“ schickt sich die „Wonder Woman“ aus Kansas City an, den ganz großen internationalen Durchbruch zu schaffen!

Das vibrierende Album wurde in den Royal Studios in Memphis aufgenommen und vom dreifachen Grammy-Gewinner Scott Billington produziert; abgemischt wurde es schließlich vom zweifachen Grammy-Sieger Steve Reynolds.
Das Album beeindruckt mit elf Songs, die von der stampfenden neuen Single „Bulletproof“ (gespielt auf einer Electric Cigar Box) bis hin zum süßen Memphis R&B Song „Trying Not To Fall In Love With You“ reichen. Keine Frage: Dieses Album wird Frau Fish als kraftvolle Macht in der Roots Music etablieren.

Die begnadete Gitarristin aus Kansas City flirtet auf „Kill Or Be Kind“ ganz ungeniert und selbstverständlich mit dem traditionellem Blues ihrer Heimat, verschiebt dabei die Grenzen des Genres jedoch hin zu ihrem ganz eigenen, unverkennbaren Sound.  So stößt der Memphis Soul Song „She Don´t Live Here Anymore“ durch das eindringliche Vibrato der Gitarre dicht an die Grenze zur County Music. „Love Your Lies“ hingegen überzeugt durch einen Spagat aus Punk, Rockabilly und Soul,während „You Got It Bad (Better Than You Ever Had“) als klassischer Blues Rocker punktet.

Die Vorgeschichte…

Ihre Karriere begann zwar erst 2009, aber es dauerte nicht lange, bis sich Samantha Fish als eine der aufstrebenden neuen Künstler im aktuellen Blues-Universum etablieren konnte. Seitdem hat sich die charismatische junge Sängerin, Gitarristin und Songwriterin einen exzellenten Ruf als talentierte Musikerin und kraftvolle Live-Künstlerin erspielt. Eine Reihe von Alben wurde von Kritikern und Fans gleichzeitig gefeiert; womit einmal wieder bewiesen wäre, wie ein ruheloser kreativer Geist  konstant in neue und aufregende musikalische Richtungen führen kann.

Die altehrwürdige ‘New York Times’ bezeichnete Fish zu Recht als „eine beeindruckende Blues-Gitarristin, die mit süßer Kraft” singe, sie sei eines der „vielversprechendsten jungen Talente des Genres“. In ihrer Heimatstadt befand ‘The Kansas City Star’, dass „Samantha Fish die Türen des patriarchalischen Blues-Clubs eingetreten” habe und bescheinigte außerdem, dass die junge Künstlerin „mehr Vorstellungskraft und Kreativität an den Tag legt als manche Blues-Veteranen während ihrer gesamten Karriere.“

Ihre bisherigen Werke ließen schon vermuten, dass Fish mehr daran interessiert ist, ihrem Herz zu folgen als vergangene Triumphe zu wiederholen. Auch auf „Belle Of The West”, dem fünften Studio-Album, überzeugt Samantha Fish einmal mehr mit großartiger Qualität. Die elf Songs lassen tief in die Persönlichkeit der Sängerin blicken und haben den Soul quasi implantiert. Dabei sind es diesmal vor allem ihre außergewöhnlichen Fähigkeiten an der akustischen Gitarre, die Fish grandios in ihr emotionales Songwriting einfließen lässt.

Auf der einen Seite stehen die neuen Eigenkompositionen wie ‚American Dream‘, ‚Blood In The Water‘, ‚Need You More‘ und ‚Don’t Say You Love Me‘, die ihr Talent für klassisches Americana-Songwriting unterstreichen. Auf der anderen Seite gibt es gleich drei Coverversionen: R.L. Burnsides ‚Poor Black Mattie‘, Lillie Maes ‚Nearing Home‘ und der von Jimbo Mathus geschriebene Titelsong. So etwas macht nur, wer die Kompetenz des Covern verinnerlicht hat. Abgesehen davon sind die Stücke auch Beispiele für ihren beeindruckend breitgefächerten Musikgeschmack.

„Für mich ist das Ganze eine natürliche Entwicklung“, bemerkt Fish dazu. „Die Scheibe ist eine Sammlung voller Geschichten eines Mädchens aus dem Mittleren Westen. Sie ist sehr persönlich. Ich habe mich diesmal hauptsächlich auf das Songwriting, den Gesang, die Melodien und die Gefühle konzentriert, um meinen Songs eine andere Dimension hinzuzufügen. Ich hatte keine Lust, nur auf der Gitarre zu schrammeln, obwohl wir auch ein paar härtere Stücke dabei haben. Ich liebe den alten Mississippi-Blues; in ihm steckt so viel Soul und so viel Echtheit, also habe ich die Chance wahrgenommen, tief in dieses Genre einzutauchen.”

Aufgenommen hat Fish „Belle Of The West“ in der entspannten, ländlich-kreativen Atmosphäre der  legendären Zebra Ranch Studios in den North Hills von Mississippi. Produzent war erneut Luther Dickinson (bekannt als Frontmann der North Mississippi Allstars), mit dem sie schon auf „Wild Heart“ (2015) zusammengearbeitet hat. Im Studio gesellten sich dann noch einige der renommiertesten Musiker der Region dazu: unter ihnen natürlich auch Dickinson, dann die Solokünstlerin und Jack White-Kollegin Lillie Mae (deren unverkennbare Stimme man auf ‚Nearing Home‘ hört). Außerdem mit dabei: der bekannte und weitgereiste Blues-Künstler Lightnin’ Malcolm (zu hören auf ‚Poor Black Mattie’), der Squirrel Nut Zippers-Gründer Jimbo Mathus, die Kontra-Bassistin und Solokünstlerin Amy LaVere, Tikyra Jackson, Trina Raimey und Shardé Thomas, Enkelin der legendären Südstaaten-Blues-Ikone Otha Turner.

„Ich wollte diese Platte sowohl mit akustischen als auch mit elektrischen Gitarren machen, um den Stil und die damit verbundene Einzigartigkeit von Mississippi einzufangen”, erklärt Fish und fügt hinzu: „Jedes Mal, wenn man sich auf einen anderen Ort, einen anderen Vibe oder neue Menschen einlässt, fordert man sich selbst heraus, musikalisch zu wachsen. Ich habe mich sofort auf der Zebra Ranch zuhause gefühlt. Luther und Malcolm kenne ich seit Jahren, also war es im Prinzip eine sehr komfortable Situation. Wenn du eine Platte wie diese machst, dann muss es sich natürlich anfühlen, damit du die Leute auch erreichen kannst.“

„Belle Of The West” ist übrigens der Nachfolger von „Chills & Fever”, das sich im März 2017 in den Top 10 der US-Billboard Blues-Charts platzieren konnte. Auf diesem Album hat sie sich einem stilistisch völlig anderen Genre zugewandt und mit einer Reihe von weniger bekannten alten R&B-Stücken experimentiert. Hilfe und Unterstützung kam dabei von Mitgliedern der Garagen-Soul-Band The Detroit Cobras. „Zwei so verschiedene Alben nacheinander herauszubringen ist sehr befreiend gewesen”, freut sich Samantha.

Die kreative Kraft hinter „Belle Of The West“ und „Chills & Fever“ ist von Beginn an ein ausschlaggebendes und entscheidendes Element in der Karriere von Samantha Fish gewesen. Aufgewachsen ist sie in einer musikalischen Familie in Kansas City/Missouri. Schon früh spielte Musik eine wichtige Rolle in ihrem Leben: Sie startete am Schlagzeug, um dann mit 15 an die Gitarre zu wechseln. Im Alter von 20 Jahren gründete sie ihre erste Band, ein Trio, und veröffentlichte ihr erstes Album in Eigenregie. Das wiederum machte das renommierte Blues-Label  Ruf Records auf sie aufmerksam, das dann 2011 eine Compilation namens „Girls With Guitars“ auf den Markt brachte, auf der sie mit ihren Kolleginnen Cassie Taylor und Dani Wilde vertreten ist. Im selben Jahr noch erschien ihr Solo-Debüt „Runaway“. Bei den Blues Musik Awards 2012 in Memphis wurde es zu Recht als ‘Best Artist Debut’ ausgezeichnet.

„Black Wind Howlin’“ folgte 2013, 2015 schließlich das erwähnte „Wild Heart“. Beide Alben wurden ebenfalls euphorisch von der Kritik gefeiert und etablierten Fish als prominente Persönlichkeit in der Blues-Community. „Wild Heart“ erreichte dabei sogar die Spitze der US- Billboard Blues-Charts. 2013 arbeitete sie außerdem noch mit den Blues Rock-Veteranen Jimmy Hall und Reese Wynans zusammen, das Projekt nannte sich The Healers. Im selben Jahr jammte sie auf der Bühne mit Blues-Ikone Buddy Guy und war als Gastmusikerin auf Devon Allmans „Turquoise“-Album zu hören.

Trotz all dieser Erfolge bleibt Fish bei demselben Ansatz wie zu Beginn ihrer Karriere: hart arbeitend und produktiv. „Ich denke, ich hatte das schon immer im Blut“, sagt sie dazu. „Musik ist mein Leben, also welche andere Option habe ich denn, als da rauszugehen und Musik zu machen?   Wir touren ziemlich viel, und vielleicht ist es auch ein wenig verrückt, in nur einem Jahr zwei so dermaßen unterschiedliche Alben herauszubringen. Aber ich mag es, hart zu arbeiten. So bin ich nun mal, und das mache ich. Wenn ich schreibe, aufnehme und toure, fühle ich mich am ehesten wie mich selbst. Und jetzt ist der Moment gekommen, an dem die Leute auf mich aufmerksam werden. also muss ich das Beste daraus machen. Ich habe das Gefühl, gerade jetzt viel sagen zu müssen, warum sollte ich es also nicht tun?“

Wenn es nach Samantha Fish geht, dann ist ihre musikalische Zukunft offen. „Ich werde nie ein traditioneller Blues-Künstler sein, weil ich das nicht bin“, bekräftigt sie. „Aber Blues ist alles für mich. Als Muddy Waters und Howlin’ Wolf bekannt wurden, klang ihre Musik wie nichts aus der Vergangenheit des Blues. Man sollte diese Art von Antrieb und Mut beibehalten. Ich werde niemals Muddy Waters besser spielen als Muddy Waters, also bleibe ich lieber diejenige, die ich bin.”

The award-winning, hard-touring, guitar slinger and singer Ana Popovic is back on the road promoting her new album ‚Like It On Top‚, that focuses on empowered, successful, inspiring female role models.

Like It On Top opened #2 at the iTunes most downloaded US blues albums. The album peaked at #2 of the Billboard Top Selling blues albums chart.

Recorded in Nashville, TN and produced by four-time Grammy winner Keb’ Mo’, the blues influenced album features guest appearances from Kenny Wayne Shepherd, Robben Ford and Keb’ Mo’. 

A trending theme in today’s world is women overcoming obstacles and breaking through the glass ceilings to reach the top. Like It On Top celebrates those that take initiative, develop, inspire and motivate. But it also credits the men who are motivated and enlightened enough to support women in their quest to be their best versions of themselves. 

“I hope that my music inspires others to motivate ladies all over the world to be successful, energetic, empowered women on a mission, and to motivate men to give them that chance,” Popovic says. “The majority of women need to work harder than men to prove themselves or need to cope with a feeling of constant pressure to never make a mistake and be perfect. I believe that women no longer only have the right to earn a living and to take care of themselves and their families. The time has come to step it up. Becoming the outstanding leaders of tomorrow. Corner-office ladies in business, politics, and the electric guitar!”

Moving west
Ana has been moving west all her life. She fell in love with American blues as a kid, starting back home in Belgrade, Serbia (ex-Yugoslavia), then moved to the Netherlands to study at the conservatory of jazz and world-music. She lived in Amsterdam for over ten years, and then in a single-minded pursuit of her art and career, she relocated to Memphis, TN to record and work with Southern musicians. Finally, two years ago, she moved her family to Los Angeles, California where she now lives.

Called “one helluva a guitar-player” by Bruce Springsteen and nominated for six Blues Music Awards, Ana has appeared on the covers of Vintage Guitar and Guitar Playermagazine. Her albums ‚Can You Stand The Heat‘ and ‚Unconditional‚ were USA Today Picks-Of-The-Week and featured on NPR Weekend Edition, who praised her „Fiery technique on the Stratocaster“. Nearly all of Ana’s albums reached the top of the Billboard Blues Charts. She and her six-piece band have toured tirelessly, sharing stages with B.B. King, Buddy Guy, Jeff Beck, Joe Bonamassa and many others.

Shooter-Promotion proudly presents:

Einer der erfolgreichsten Instrumental-Rock-Gitarristen der Welt kommt im April 2020 für einige Konzerte wieder nach Deutschland: Joe Satriani!

Satriani hat bis jetzt über zehn Millionen Alben verkauft, zwei seiner 16 Alben wurden mit Platin, vier mit Gold ausgezeichnet, genau wie das Debüt seiner Band Chickenfoot. Allein 15mal standen seine Werke auf der Nominierungsliste der Grammy Awards. Vor seiner Solokarriere wirkte er als Lehrer von Metallicas Kirk Hammett, Steve Vai und Testaments Alex Skolnick. Seit1996 setzt Satriani regelmäßig seine Idee in die Tat um, mit mehreren Gitarristen durch die Welt zu touren. Seitdem hat er sich die Bühne u.a. mit Steve Vai, Michael Schenker, Steve Lukather, Yngwie Malmsteen, Robert Fripp, John Petrucci, Paul Gilbert, Steve Morse geteilt. Satrianis JS Series beim Kult-Gitarren-Bauer Ibanez ist bis heute eine der populärsten und konstantesten Verkaufserfolge der Firma. Sein letztes Album „What Happens Next“ (in Zusammenarbeit mit Glenn Hughes und Chad Smith) erschien im Januar 2018.

Im April wird Satriani nicht nur Klassiker wie „Surfing With The Alien“, „Cherry Blossoms“, „Always With Me, Always With You“ oder „Flying In A Blue Dream“ live präsentieren, nein, auch brandneue Stücke wird er zum Besten geben! Das neue Studioalbum wird nämlich ebenfalls im April 2020 erscheinen (Legacy/SONY).

Die Band, die Satriani live unterstützen wird, ist wie immer…..Weltklasse!:

Kenny Aronoff (Drums, u.a. John Fogerty)
Bryan Beller (Bass, The Aristocrats)
Rai Thislethwayte (Keyboard, Thirsty Merc)
and
Joe Satriani (Guitar)

MARKY RAMONE – spielt 40 RAMONES-Klassiker

Schlagzeuger & Lifetime Grammy Award Winner Marky Ramone geht mit einem umfangreichen Ramones-Programm auf große Europaeroberungstour.
Zusammen mit seiner Band „Marky Ramone’s Blitzkrieg“ bestätigt er dreißig Daten in Europa, darunter neun in Deutschland und Österreich.
Er ist weltbekannt dafür 15 Jahre Teil der legendären Punkrock-Band RAMONES gewesen zu sein.
Seit seiner Highschool-Zeit spielte der gebürtige Marc Bell Schlagzeug mit zahlreichen einflussreichen Musikern, so z.B. mit der in Brooklyn ansässigen Hardrock Band „Dust“ (weitere: Misfits, The Speed Kings, Buckweeds und Osaka Popstar).
In den 70ern gründete er zusammen mit Bob Quine, Ivan Julian and Richard Hell:
„Richard Hell & The Voivods, die 1977 ihr bahnbrechendes Album „Blank Generation“ über Sire Records veröffentlichten.
Doch auch in die Welt des Films und der Literatur verschlägt es MARKY RAMONE.
Neben Gastauftritten bei den Simpsons, ZRock & Anthony Bourdain’s No Reservations war MARKY RAMONE Vorlage für einen Helden der Comicbuchreihe „Killogy“ von Alan Robert.
2015 erschien Bells Autobiografie: „Punk Rock Blitzkrieg: My Life as a Ramone“.
Marky Ramone trägt bis heute das Vermächtnis der RAMONES in die weite Welt: Mit seiner Band „MARKY RAMONE’S BLITZKRIEG“ bietet er eine authentische Show mit 40 RAMONES-Klassikern.

Tickets behalten Ihre Gültigkeit oder die Gutscheinlösung findet Anwendung

Wenn schon Sommer – DANN RICHTIG!

Wer ist für den perfekten Sommer-Soundtrack zuständig?
Korrekt! THE BEACH BOYS!

Die Helden der 60er und 70er Jahre kommen mit einem großen Koffer voller Surfsound für drei Shows nach Deutschland!

Ob nun „Surfin´USA“, „Fun Fun Fun“, „Help Me, Rhonda“, „Barbara Ann“ oder „Sloop John B“….wir alle kennen diese Welthits.

Wer die Beach Boys noch nie live erlebt hat, der sollte dies unbedingt nachholen!

Partylaune, Nostalgie, Welthits. Das sind THE BEACH BOYS!

– Achtung: Sonnencreme nicht vergessen! –

Nach ihrem sensationellen Konzertjahr 2019 kommt die legendäre britische  Rockband UFO im Sommer und im Oktober 2020 auf  Festival-Tournee nach Europa – und gibt wieder Konzerte auch in Deutschland.

Nach dem unerwarteten Publikumszuwachs auf der diesjährigen Tour haben UFO ihren geplanten Rückzug vom Tournee-Geschäft noch einmal aufgeschoben und planen sogar im Frühjahr noch einmal ins Studio zu gehen.

Durch die Wiederkehr von Keyboarder / Gitarrist Neil Carter (Gary Moore) ist bei UFO ein frischer Wind und ein püositiver Geist eingekehrt, der sich ab der ersten Minute in der Performance der Band und der Reaktion der Fans niederschlägt. Mehr denn je sind UFO für die Fans eine Macht und echter Kult.

A BRIEF HISTORY OF THE REAL MCKENZIES

Paul McKenzie claims he had a epiphany when he was subjected to an Andy Stewart record which was playing in one room, and intertwining with the vulgarity of a Sex Pistols album emerging from another. That year was somewhere around 1992, the setting was Vancouver Canada,and McKenzie was looking for something new, since his band TT Racer had recently disbanded. Who would have thought that a great deal of fun could be had pilfering your parents closet of old kilts and high socks to wear on a stage on which you would perform cover songs of various bands, altered slightly, to fit a scottish theme. Example: I Wanna Be Your Scot as opposed to I Wanna Be Your Dog. You get the point. Someone probably joked, If were gonna wear kilts, we might as well have a piper too.

While certainly not a new angle in rock music, the bagpipes were only ever used in a couple of songs at most by various bands, never a mainstay of an entire set. Soon though, it was apparent that this was a distinctive sound that could be finely tuned, with the soaring pipes complimenting the ferocious electric guitars and vise-versa. Of course the first thing that springs to mind is the word gimmick. Sure, I guess thats applicable here. But before you go taking things way to seriously, lets also not forget the concept of show buisness. People annually spend a shitload of money for the sole purpose of being entertained. So why not go out of your way to be entertainment? That was all a moot point with the McKenzies anyway. Because they just wanted to have fun, and you are more than welcome to have fun with them, as hundereds of thousands have. Sure some will read too much meaning into the whole idea, and take it out of its realm of fun, and those people should just shut the fuck up and drink their beer.

14 years later, the Real McKenzies have achieved lengendary status. Their live shows are highly regarded and they have been known to leave large audiences choking on their own dry mouths. They’ve been influence to more than a few bands, and ironically have been accused of ripping those same bands off, usually by journalistic hacks on the internet. They’ve toured the world endlessly, and frightened more than a few people at times, but its a small percentage to the numbers of people who leave their shows with ear to ear grins and think about the great time they had for weeks to come. I can imagine it will take death to stop these guys from doing what they do best, and that’s kicking your ass in the face at each and every show they play.

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Die California Punk Rock-Legende kommt 2020 nach Europa:
DEAD KENNEDYS
40 Years Fresh Fruit for Rotting Vegetables

Die schnellste, zynischste und provokanteste, aber vor allem bekannteste Punkband der USA seit den späten 70er und frühen 80er Jahren – das sind die Dead Kennedys!

Vor genau vier Jahrzenten veröffentlichten die Polit-Punks aus der Bay Area ihr legendäres Debütalbum „Fresh Fruit for Rotting Vegetables“.
Das im Jahr 1980 erschienene Manifest „Fresh Fruit for Rotting Vegetables“ enthält Klassiker wie „California über Alles“, „Holiday In Cambodia“, oder „Kill The Poor“ mit denen sich bis heute die Punk-Bewegung identifiziert.

Nach ihrer Gründung 1978 spielten die Dead Kennedys ihren ersten Gig in einem Restaurant namens „The Fap“ nahe der Nordküste San Franciscos, welches bereits seit Jahren als Zuhause für Punk Bands und Fans der Szene bekannt war. Es dauerte nicht lange bis die Band eine engagierte und teils militante Bewegung innerhalb San Franciscos anheizte. Bereits im folgenden Jahr brachten die Dead Kennedys ihre erste Single „California Über Alles“ raus und das direkt unter ihrem eigenen Label „Alternative Tentacle Records“. Der Song entwickelte sich zu einem wuchtigen Angriff gegen den damaligen Gouverneur Kalifornien’s Jerry Brown und dessen Politik.
Kurz darauf erschien „Holiday in Cambodia“, eine perfekte Mischung aus kritischen Lyrics an der erfolgsbesessenen Mittelschicht gepaart mit wütenden Klängen.

„Fresh Fruit for Rotting Vegetables“ (1980), erreichte in Großbritannien Gold Status.
Mit scharfem Humor ziehen die Dead Kennedys in Songs wie „Let’s Lynch the Land Lord“, „I Kill Children“ und „Chemical Warfare“ auf satirische Art über die Extreme zwischen Gewalt und Konservatismus innerhalb Amerikas her. Es folgte eine ausgedehnte und erfolgreiche Welttournee durch Nordamerika, Europa und Australien.

Zahlreiche rechtliche Verfahren und die Mühen der Mächtigen dieser Welt sie zum Schweigen zu bringen konnten den Dead Kennedy‘s nichts anhaben – sie sind und bleiben ihrem Stil kompromisslos treu – als Garant aggressiver Musik und energiegeladener Live-Shows, böser sarkastischer und humorvoller Texte die ideologische Standpunkte von Religion, sowie rechter und linker Politik mit Vorliebe auseinandernehmen.

Mit 40 Jahren Musik-Kulturgeschichte kommt die Punk-Legende endlich wieder nach Europa mit dem Namen ihres erfolgreichen Debutalbums:
„Fresh Fruit for Rotting Vegetables“ als Tourmotto.

Medienpräsentatoren: Rock Hard, laut.de, SLAM, Away From Life, Gringoz Magazine, Tough Magazine
Termine “Fresh Fruit for Rotting Vegetables“ Tour 2020:
Der Vorverkauf startet am Freitag, dem 24.01.2020

Das letzte Vierteljahrundert im Leben des Kenny Wayne Shepherd glich einem spannenden Roadtrip. Die Zeiten, in denen der junge Revolverheld aus Louisiana mit seinen feuerwalzengleichen Gitarrensoli und seinem Songwriting jenseits aller Normen erstmals die Bluesrockszene der frühen 90er Jahre aufmischte, liegen weit zurück. Der inzwischen 41-jährige hat sich weiterentwickelt und dringt mit seiner Fender Strat in Ebenen vor, an die andere sich nicht ansatzweise heranwagen. Mit einer Ehrlichkeit, die nur durch Erfahrung und vielen Meilen auf dem Tacho möglich sind, taucht er tief in menschliche Wahrheiten und Sorgen ein. Im Mai 2019 setzt er mit „The Traveler“ seine Reise fort.

Kenny Wayne Shepherds letztes Studioalbum “Lay It On Down” erschien 2017 und wurde für seine „Wutanfälle an der Gitarre“ und sein „durchdachtes Songschreiberhandwerk“ (Classic Rock) gelobt. Doch für den Bandleader ist sein Publikum das wahre Maß seines Erfolges. „Für mich ist es am Wichtigsten, dass meine Fans mir sagen, wie sehr ein Song sie beeinflusst hat oder dass sie in der ersten Reihe mitsingen. Bei ‚Lay It On Down‘ ist genau das passiert.“ Doch die letzten 25 Jahre haben Shepherd eines gelehrt: So ewas wie ‚Mission erfüllt‘ gibt es für ihn nicht.

Während die Refrains von “Lay It On Down” immer noch auf unseren Lippen liegen, ködert uns der Bandleader mit einem verlockenden Doppel-Comeback. Die Veröffentlichung von “The Traveler” ist für Mai vorgesehen und ein drittes Album mit seinem Allstar-Projekt “The Rides” (mit Stephen Stills und Barry Goldberg) ist bereits in Vorbereitung. “Wenn man sich inspiriert fühlt, zapft man diese Quelle am besten sofort an.”, sagt er. “Wenn Du wartest, ist es schwer, wieder an diesen Punkt zu kommen. Ich war in letzter Zeit sehr produktiv und will genau so weitermachen.”

„The Traveler“ ist eine Fortsetzung des letzten Albums, doch es hat mit mehr Ecken, Kanten und noch mehr Rock’n’Roll definitiv seine eigene Identität. Als erwachsener Mann und Vater sind für Shepherd andere Gedanken und Gefühle in den Fokus gerückt.

Bereits als Kind spielte er die Licks der Platten nach, die sein Vater, ein Konzertveranstalter, mit nach Hause brachte. Im Alter von 13 Jahren veränderte ein Treffen mit Stevie Ray Vaughan sein Leben und führte zu seinem Bühnendebüt im gleichen Jahr. Erste Alben wie „Ledbetter Heights“ (1995), „Trouble Is…“ (1997), „Live On“ (1999), „The Place You’re In“ (2004) und ein wahres Feuerwerk an der Gitarre während seiner Liveshows zeigten deutlich, dass einer der ehrlichsten Songwriter der Bluesrockszene geboren worden war.

„In den ersten fünf Jahren meiner Karriere war ich nonstop auf Tour und vielleicht zwei Wochen im Jahr zuhause.“, erinnert er sich. Auch nach der Jahrtausendwende überquerte er immer wieder die Kontinente und legte nur für neue Studioalben wie „How I Go“ (2011), Goin’Home“ (2014) und „Lay It On Down“ jeweils eine kurze Pause ein. Ganz zu schweigen von seinen Alben mit The Rides 2013 und 2015.

„The Traveler“ handelt von einer Welt, die wie noch nie zuvor gespalten zu sein scheint. „Der Albumtitel stammt von dem Song ‚Tailwind‘“, erklärt Shepherd. „Wir reisen alle zusammen durch dieses Ding, das man Leben nennt. Die momentanen Zeiten und Spannungen sind verrückt und sind ein Test für uns als Gesellschaft.“ Ohne einen eindeutigen politischen Standpunkt zu nennen, sagt er: „Lasst uns das gemeinsam durchstehen, einander schätzen und nicht gegeneinander kämpfen.“

Die neuen Songs beginnen üblicherweise mit rohen Riffs, die Shepherd zunächst auf seinem Handy aufgenommen hatte. In den Neptune Valley Studios in Los Angeles wurden diese durch das Produktionsteam um Marshall Altmann schließlich perfektioniert. Zusammen mit einer hervorragenden Studioband schufen sie eine Palette von Songs, die die sowohl wild als auch beruhigend wirken.

„Ich habe Balladen und emotionale Momente immer geliebt.“, sagt Shepherd. „Ich rocke aber auch gerne und spiele feurigen Blues. ‚The Traveler‘ enthält beides. Diese Freiheit habe ich durch meine Fans, die mich bei jedem meiner Alben immer unterstützt haben.“

Sein erstklassiges Gitarrenspiel war schon immer Shepherds Visitenkarte, aber erst seit seinen Vierzigern weiß er, wann er brennen und wann er atmen muss. „‘The Traveler‘ hält sich auf gewisse Weise etwas zurück.“, erklärt er. „Als ich älter wurde, wurde mir klar, dass weniger manchmal mehr ist. Ich spiele jetzt um des Songs Willen. ‚I Want You‘ oder auch ‚Turn To Stone‘ bauen sich immer weiter auf und drehen sich letztendlich um das Gitarrensolo. Bei ‚“Woman Like You‘ steht hingegen der Rhythmus im Vordergrund. Ein geradliniger Les Paul Sound, dessen Riff sich wie von selbst dem Gesang unterordnet.“

Auf „The Traveler“ klingt Shepherds Stimme stärker wie nie zuvor und vereint aufrichtige Herzlichkeit mit scharfzüngigen Texten. Inzwischen teilt er die Gesangsparts öfter mit seinem langjährigen Sänger Noah Hunt, wodurch die Band sowohl im Studio als auch auf der Bühne vielseitiger geworden ist. „Ich klinge immer noch nicht wie Muddy Waters.“, lacht er. „Aber ich bin definitiv als Sänger gewachsen. Das verdanke ich Stephen Stills, der mich bei The Rides dazu drängte, mehr zu singen. Auch die Texte waren mir auf dieser Platte wichtiger als je zuvor. Bei ‚Woman Like You’ war es mein Ziel, die Frau in der Beziehung zu verherrlichen und ihr nicht die Schuld für etwas zu geben. Einige Songwriter konzentrieren sich nur auf die negativen Aspekte einer Beziehung, aber dieser Song rockt und lässt Dich gut fühlen.“

Auch andere typische Bluesklischees sucht man auf diesem Album vergeblich. „Long Time Running“ handelt davon, eine komplizierte Existenz zu führen. „Tailwind“ bedeutet laut Shepherd: „Hey Mann, lass uns unsere Kämpfe beenden. Es gibt keinen Grund für all den Hass. Lass uns einfach miteinander auskommen und uns lieben.“ Bei ‚Gravity‘ geht es oberflächlich um eine sehr komplizierte Beziehung. Man könnte daraus schließen, dass jemand am Ende des Songs stirbt, aber es gibt noch viele andere Möglichkeiten, dieses Stück zu interpretieren.“

Shepherd fesselt die Zuhörer, während sich die Stimmung von der Aufregenden ins Nachdenkliche entwickelt. „Mit ‚We All Alright‘ wollte ich einfach einen Song mit diesem klassischen Groove schreiben. Wir fingen an zu schreiben und es fühlte sich wie eine Party an. Das haben wir festgehalten. Es geht darum, eine gute Zeit zu haben, ohne um etwas kämpfen oder sich um etwas sorgen zu müssen. Mit ‚Take It On Home“ erinnere ich an meine Wurzeln. Es handelt von mir: einer Person, die auf der ganzen Welt unterwegs ist, aber dennoch weiß, wann es Zeit ist, nach Hause zu gehen, sich zu erden und neu zu ordnen. Bei ‚Better With Time‘ spricht genau dieser Typ mit der Liebe seines Lebens. Es ist ein Moment der Dankbarkeit.“

Neben acht eigenen Songs sind auch zwei Coverversionen auf dem Album enthalten. „Ich wurde gebeten, an einer Veranstaltung zu Ehren von Joe Walsh teilzunehmen.“, führt er fort. „Jeder musste sich für ein paar Songs entscheiden. Ich bin ein Katalogtyp und grabe gerne nach versteckten Diamanten. Bei YouTube stieß ich auf „Turn To Stone“ und schaute mir das Video immer wieder an. Wir haben diesen Song bei der Veranstaltung gespielt und es kam so gut an, dass wir es im Studio noch einmal komplett live eingespielt haben.

Über das Bufallo Springfield-Stück ‚Mr. Soul erzählt der Gitarrist: „Stephen wollte mich und Neil Young gemeinsam bei einer Autismus-Benefizshow auf die Bühne bringen. Ich hatte ‚Mr. Soul’ im Hinterkopf und es wurde ein spektakulärer Moment. Auf dem Album möchte ich diesem besonderen Moment und dieser Erfahrung Tribut zollen.“

Auch wenn er sich inzwischen selbst zwischen Legenden bewegt, möchte der bescheidene Shepherd nicht im gleichen Atemzug mit den Bluesgrößen genannt werden, mit denen er 2007 im Platin-ausgezeichneten und Grammy nominierten Dokumentarfilm „10 Days Out: Blues From The Backroads“ zusammen gearbeitet hat. Trotzdem akzeptiert er, dass die alte Garde mehr und mehr verblasst und er allmählich das Zepter übernehmen muss. „Die Realität ist: je älter ich werde, verschwindet die vorangegangene Generation an Blueskünstlern. Niemand lebt ewig. Wenn ich lange genug lebe, komme vielleicht auch ich in die Kategorie der Elder Statesmen des Blues. Für jeden in dieser Position ist es Pflicht, seine Musik weiterzugeben und das Genre lebendig zu halten.

Für Shepherd bedeutet das auch, weiter zu reisen. „In Bewegung zu sein, ist nur ein Teil dessen, wer ich bin und was ich tue“, sagt er. „Nun, da das Album fertig ist, wird es bald Zeit, wieder auf Tour zu gehen. Ich werde nicht untätig herumsitzen. Ich möchte in Bewegung bleiben, weiter erschaffen und das tun, was ich liebe – so lange ich es kann… “

Facts zum neuen Album “Kill Or Be Kind” (am 20.09.2019 bei Rounder/in-akustik erschienen):

Die genresprengende US Gitarristin, Sängerin und Songwriterin Samantha Fish veröffentlicht am 20. September in Deutschland ihr mit Spannung erwartetes neues Werk “Kill Or Be Kind” (in-akustik). Es ist das erste Album der 30-Jährigen beim legendären Nashville Label ROUNDER.

Samantha fasziniert das Publikum rund um den Globus mit ihrer zündenden Live-Performance – und begeisterte unlängst auch in Deutschland mit ihrem sensationellen Gitarrenspiel und fulminanten Liveshow. Mit „Kill Or Be Kind“ schickt sich die „Wonder Woman“ aus Kansas City an, den ganz großen internationalen Durchbruch zu schaffen!

Das vibrierende Album wurde in den Royal Studios in Memphis aufgenommen und vom dreifachen Grammy-Gewinner Scott Billington produziert; abgemischt wurde es schließlich vom zweifachen Grammy-Sieger Steve Reynolds.
Das Album beeindruckt mit elf Songs, die von der stampfenden neuen Single „Bulletproof“ (gespielt auf einer Electric Cigar Box) bis hin zum süßen Memphis R&B Song „Trying Not To Fall In Love With You“ reichen. Keine Frage: Dieses Album wird Frau Fish als kraftvolle Macht in der Roots Music etablieren.

Die begnadete Gitarristin aus Kansas City flirtet auf „Kill Or Be Kind“ ganz ungeniert und selbstverständlich mit dem traditionellem Blues ihrer Heimat, verschiebt dabei die Grenzen des Genres jedoch hin zu ihrem ganz eigenen, unverkennbaren Sound. So stößt der Memphis Soul Song „She Don´t Live Here Anymore“ durch das eindringliche Vibrato der Gitarre dicht an die Grenze zur County Music. „Love Your Lies“ hingegen überzeugt durch einen Spagat aus Punk, Rockabilly und Soul,während „You Got It Bad (Better Than You Ever Had“) als klassischer Blues Rocker punktet.

Die Vorgeschichte…

Ihre Karriere begann zwar erst 2009, aber es dauerte nicht lange, bis sich Samantha Fish als eine der aufstrebenden neuen Künstler im aktuellen Blues-Universum etablieren konnte. Seitdem hat sich die charismatische junge Sängerin, Gitarristin und Songwriterin einen exzellenten Ruf als talentierte Musikerin und kraftvolle Live-Künstlerin erspielt. Eine Reihe von Alben wurde von Kritikern und Fans gleichzeitig gefeiert; womit einmal wieder bewiesen wäre, wie ein ruheloser kreativer Geist konstant in neue und aufregende musikalische Richtungen führen kann.

Die altehrwürdige ‘New York Times’ bezeichnete Fish zu Recht als „eine beeindruckende Blues-Gitarristin, die mit süßer Kraft” singe, sie sei eines der „vielversprechendsten jungen Talente des Genres“. In ihrer Heimatstadt befand ‘The Kansas City Star’, dass „Samantha Fish die Türen des patriarchalischen Blues-Clubs eingetreten” habe und bescheinigte außerdem, dass die junge Künstlerin „mehr Vorstellungskraft und Kreativität an den Tag legt als manche Blues-Veteranen während ihrer gesamten Karriere.“

Ihre bisherigen Werke ließen schon vermuten, dass Fish mehr daran interessiert ist, ihrem Herz zu folgen als vergangene Triumphe zu wiederholen. Auch auf „Belle Of The West”, dem fünften Studio-Album, überzeugt Samantha Fish einmal mehr mit großartiger Qualität. Die elf Songs lassen tief in die Persönlichkeit der Sängerin blicken und haben den Soul quasi implantiert. Dabei sind es diesmal vor allem ihre außergewöhnlichen Fähigkeiten an der akustischen Gitarre, die Fish grandios in ihr emotionales Songwriting einfließen lässt.

Auf der einen Seite stehen die neuen Eigenkompositionen wie ‚American Dream‘, ‚Blood In The Water‘, ‚Need You More‘ und ‚Don’t Say You Love Me‘, die ihr Talent für klassisches Americana-Songwriting unterstreichen. Auf der anderen Seite gibt es gleich drei Coverversionen: R.L. Burnsides ‚Poor Black Mattie‘, Lillie Maes ‚Nearing Home‘ und der von Jimbo Mathus geschriebene Titelsong. So etwas macht nur, wer die Kompetenz des Covern verinnerlicht hat. Abgesehen davon sind die Stücke auch Beispiele für ihren beeindruckend breitgefächerten Musikgeschmack.

„Für mich ist das Ganze eine natürliche Entwicklung“, bemerkt Fish dazu. „Die Scheibe ist eine Sammlung voller Geschichten eines Mädchens aus dem Mittleren Westen. Sie ist sehr persönlich. Ich habe mich diesmal hauptsächlich auf das Songwriting, den Gesang, die Melodien und die Gefühle konzentriert, um meinen Songs eine andere Dimension hinzuzufügen. Ich hatte keine Lust, nur auf der Gitarre zu schrammeln, obwohl wir auch ein paar härtere Stücke dabei haben. Ich liebe den alten Mississippi-Blues; in ihm steckt so viel Soul und so viel Echtheit, also habe ich die Chance wahrgenommen, tief in dieses Genre einzutauchen.”

Aufgenommen hat Fish „Belle Of The West“ in der entspannten, ländlich-kreativen Atmosphäre der legendären Zebra Ranch Studios in den North Hills von Mississippi. Produzent war erneut Luther Dickinson (bekannt als Frontmann der North Mississippi Allstars), mit dem sie schon auf „Wild Heart“ (2015) zusammengearbeitet hat. Im Studio gesellten sich dann noch einige der renommiertesten Musiker der Region dazu: unter ihnen natürlich auch Dickinson, dann die Solokünstlerin und Jack White-Kollegin Lillie Mae (deren unverkennbare Stimme man auf ‚Nearing Home‘ hört). Außerdem mit dabei: der bekannte und weitgereiste Blues-Künstler Lightnin’ Malcolm (zu hören auf ‚Poor Black Mattie’), der Squirrel Nut Zippers-Gründer Jimbo Mathus, die Kontra-Bassistin und Solokünstlerin Amy LaVere, Tikyra Jackson, Trina Raimey und Shardé Thomas, Enkelin der legendären Südstaaten-Blues-Ikone Otha Turner.

„Ich wollte diese Platte sowohl mit akustischen als auch mit elektrischen Gitarren machen, um den Stil und die damit verbundene Einzigartigkeit von Mississippi einzufangen”, erklärt Fish und fügt hinzu: „Jedes Mal, wenn man sich auf einen anderen Ort, einen anderen Vibe oder neue Menschen einlässt, fordert man sich selbst heraus, musikalisch zu wachsen. Ich habe mich sofort auf der Zebra Ranch zuhause gefühlt. Luther und Malcolm kenne ich seit Jahren, also war es im Prinzip eine sehr komfortable Situation. Wenn du eine Platte wie diese machst, dann muss es sich natürlich anfühlen, damit du die Leute auch erreichen kannst.“

„Belle Of The West” ist übrigens der Nachfolger von „Chills & Fever”, das sich im März 2017 in den Top 10 der US-Billboard Blues-Charts platzieren konnte. Auf diesem Album hat sie sich einem stilistisch völlig anderen Genre zugewandt und mit einer Reihe von weniger bekannten alten R&B-Stücken experimentiert. Hilfe und Unterstützung kam dabei von Mitgliedern der Garagen-Soul-Band The Detroit Cobras. „Zwei so verschiedene Alben nacheinander herauszubringen ist sehr befreiend gewesen”, freut sich Samantha.

Die kreative Kraft hinter „Belle Of The West“ und „Chills & Fever“ ist von Beginn an ein ausschlaggebendes und entscheidendes Element in der Karriere von Samantha Fish gewesen. Aufgewachsen ist sie in einer musikalischen Familie in Kansas City/Missouri. Schon früh spielte Musik eine wichtige Rolle in ihrem Leben: Sie startete am Schlagzeug, um dann mit 15 an die Gitarre zu wechseln. Im Alter von 20 Jahren gründete sie ihre erste Band, ein Trio, und veröffentlichte ihr erstes Album in Eigenregie. Das wiederum machte das renommierte Blues-Label Ruf Records auf sie aufmerksam, das dann 2011 eine Compilation namens „Girls With Guitars“ auf den Markt brachte, auf der sie mit ihren Kolleginnen Cassie Taylor und Dani Wilde vertreten ist. Im selben Jahr noch erschien ihr Solo-Debüt „Runaway“. Bei den Blues Musik Awards 2012 in Memphis wurde es zu Recht als ‘Best Artist Debut’ ausgezeichnet.

„Black Wind Howlin’“ folgte 2013, 2015 schließlich das erwähnte „Wild Heart“. Beide Alben wurden ebenfalls euphorisch von der Kritik gefeiert und etablierten Fish als prominente Persönlichkeit in der Blues-Community. „Wild Heart“ erreichte dabei sogar die Spitze der US- Billboard Blues-Charts. 2013 arbeitete sie außerdem noch mit den Blues Rock-Veteranen Jimmy Hall und Reese Wynans zusammen, das Projekt nannte sich The Healers. Im selben Jahr jammte sie auf der Bühne mit Blues-Ikone Buddy Guy und war als Gastmusikerin auf Devon Allmans „Turquoise“-Album zu hören.

Trotz all dieser Erfolge bleibt Fish bei demselben Ansatz wie zu Beginn ihrer Karriere: hart arbeitend und produktiv. „Ich denke, ich hatte das schon immer im Blut“, sagt sie dazu. „Musik ist mein Leben, also welche andere Option habe ich denn, als da rauszugehen und Musik zu machen? Wir touren ziemlich viel, und vielleicht ist es auch ein wenig verrückt, in nur einem Jahr zwei so dermaßen unterschiedliche Alben herauszubringen. Aber ich mag es, hart zu arbeiten. So bin ich nun mal, und das mache ich. Wenn ich schreibe, aufnehme und toure, fühle ich mich am ehesten wie mich selbst. Und jetzt ist der Moment gekommen, an dem die Leute auf mich aufmerksam werden. also muss ich das Beste daraus machen. Ich habe das Gefühl, gerade jetzt viel sagen zu müssen, warum sollte ich es also nicht tun?“

Wenn es nach Samantha Fish geht, dann ist ihre musikalische Zukunft offen. „Ich werde nie ein traditioneller Blues-Künstler sein, weil ich das nicht bin“, bekräftigt sie. „Aber Blues ist alles für mich. Als Muddy Waters und Howlin’ Wolf bekannt wurden, klang ihre Musik wie nichts aus der Vergangenheit des Blues. Man sollte diese Art von Antrieb und Mut beibehalten. Ich werde niemals Muddy Waters besser spielen als Muddy Waters, also bleibe ich lieber diejenige, die ich bin.”

Website Samantha Fish

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Before Mötley Crüe, before RATT, even before there was a Metallica, Y&T was slogging away in sweaty rock clubs around America. When the band formed in the early 1970s, little did they know they would set the standard for hard rock bands that trailed. Many of the biggest acts of the ’80s became popular opening for headliners Y&T—and cut their teeth on the band, as evidenced by the Y&T mentions in tell-all books by acts such as Metallica and Mötley Crüe.

Born in Oakland, California, Y&T is one of the San Francisco Bay Area’s own innovators of the hard rock sound. Whether performing to a festival crowd of fifty-thousand or in an intimate nightclub, Y&T’s high-energy set and passionate performances still captivate legions of fans around the globe, proving Y&T’s music timeless.

Originally formed as Yesterday and Today, the initial powerhouse quartet—featuring Dave Meniketti (lead guitar/lead vocals), Phil Kennemore (bass), Leonard Haze (drums), and Joey Alves (rhythm guitar)—tore through the ’70s and ’80s with their own brand of hard rock. After two ’70s albums on London Records, they shortened their name to Y&T and released eight albums on A&M in the ’80s. Two more albums with Geffen Records marked an era of change with Jimmy DeGrasso (Alice Cooper, Suicidal Tendencies, Megadeth) on drums and Stef Burns (Alice Cooper, Berlin, Huey Lewis) on guitar.

With a discography of 18 albums, three greatest hits collections, plus a boxed set, Y&T has sold over four million albums since their 1974 inception. The band’s most recent single I’m Coming Home has climbed to roughly 1.5 million views on YouTube. Y&T received extensive airplay with hits such as Forever, Rescue Me, Mean Streak, Don’t Stop Runnin’, and Summertime Girls—which played in heavy rotation on MTV. Y&T songs have been featured in a multitude of movies and television shows, including Real Genius, Out of Bounds, Baywatch, and Hunter. After five top 100 albums, songs that tipped into the 40s, two Bammie Awards, and many international television appearances, Y&T’s hits are still played on VH1 Classic and classic rock radio stations worldwide.

With the passing of Kennemore, Haze, and Alves, it’s Meniketti who carries on the legacy that is Y&T.  Y&T continues to tour the world, featuring the dynamic original frontman Dave Meniketti (lead guitar/lead vocals), John Nymann (guitar/vocals), Aaron Leigh (bass/vocals), and Mike Vanderhule (drums/vocals), playing songs that span the band’s five-decade career and including all the hits and fan favorites. Prepare to have your face melted.