BOSSTIME ist unumstritten Europas gefragteste Bruce Springsteen Tribute Band. Wer die Band einmal live erlebt hat wird diese Ansicht teilen. Die Band wurde im Jahr 2003 gegründet und hat sich zur Aufgabe gemacht Bruce Springsteen, dem „hardest workin‘ man in Rock ’n Roll business „, und seiner legendären E – Street Band zu Lebzeiten ein lebendiges, musikalisches Denkmal zu setzen.
Der sechsköpfigen Formation um Frontmann Thomas Heinen geht es darum Bruces.. „Spirit“ und die Begeisterung für seine Musik zu transportieren und diese, in mehrstündigen Live Konzerten mit Konzertbesuchern und anderen Fans zu teilen. BOSSTIME zelebrieren alle Hits des Rock-Stars gepaart mit reichlich Spielfreude und Authentizität, auf musikalisch höchstem Niveau.

BOSSTIME steht für mitreißende Live-Power der sich niemand entziehen kann. “

=> Website der Band

“To all my awesome European fans, due to the continuing struggle with the Covid pandemic, I again must cancel all my tour dates for 2021. These are trying times but we’ll get through it and be rocking and rolling on the other side. Until then, stay close to home, stay safe and keep your record player spinning good music!”
Brant Bjork

SOUND OF LIBERATION & METAL HAMMER proudly present:

Brant Bjork has spent over a quarter-century at the epicenter of Californian desert rock. From cutting his teeth alongside Fatso Jetson’s Mario Lalli in hardcore punkers De-Con to drumming and composing on Kyuss’ landmark early albums, to propelling the seminal fuzz of Fu Manchu from 1994-2001 while producing other bands, putting together offshoot projects like Ché, embarking on his solo career as a singer, guitarist and bandleader, founding his own record label and more, his history is a winding narrative of relentless, unflinching creativity.

For someone so outwardly laid back, he’s never really taken a break. And while Bjork has shown different sides of himself on albums like his funk-laden 1999 solo debut, Jalamanta, the mellow Local Angel (2004), 2007’s mostly-acoustic Tres Dias, and heavier rockers Somera Sól (2007), Gods & Goddesses (2010) and the two most recent outings with The Low Desert Punk Band, he’s maintained a natural representation of himself in his material, whether that’s coming across in the Thin Lizzy-isms of the faux-full-band 2002 release Brant Bjork and the Operators (actually just Bjork playing mostly by himself) or the weedy, in-the-jam-room spirit of “Dave’s War” from Tao of the Devil. When you’re listening to Brant Bjork, you know it, because there’s no one else who sounds quite like him.

That fact and years of hard touring have positioned Brant Bjork as an ambassador for the Southern California desert and the musical movement birthed there in the late ‘80s and early ‘90s. As underground interest has surged in recent years, Bjork has been a pivotal figurehead, realigning with his former Kyuss bandmate John Garcia to drum and write in Kyuss Lives!/Vista Chino, celebrating and building on that legacy while giving a new generation of fans the chance to see it happen in real-time.

Having told his story in films like Kate McCabe’s Sabbia (2006) and the documentaries Such Hawks Such Hounds (2008) and Lo Sound Desert (2015), he’s represented desert rock at home and abroad with no less honesty than that which he poured into the music helping to create it. The same impulse led to the founding of his Desert Generator festival which transformed into Stoned and Dusted, an annual festival held in Pioneertown, CA, with an international reach capturing the intimacy and timeless aura of the desert culture in a secret desert location, and an evolution that looks to continue into the foreseeable future.

Bjork’s work, with any project, has always had a rebellious sensibility. He’s always walked his own path. But more, his career through Kyuss, Fu Manchu, Ché, Vista Chino, and his crucial solo work has been about freedom through rock and roll, attained by the truest representation of the person and the place as art. This, along with a whole lot of groove, is what has helped Brant Bjork define desert rock as a worldwide phenomenon, and whatever comes next, it is what will continue to make him its most indispensable practitioner.

Brant Bjork Partial Discography:

With Kyuss as drummer, songwriter:

1990 Sons of Kyuss
1991 Wretch
1992 Blues for the Red Sun
1994 Kyuss, aka Welcome to Sky Valley
2000 Muchas Gracias: The Best of Kyuss

With De-Con as drummer:

1995 Balls for Days

With Fu Manchu as drummer:

1994 No One Rides for Free (Producer only)
1997 The Action is Go
1999 Eatin‘ Dust
1999 King of the Road
2001 California Crossing

With Ché as guitarist/vocalist/composer:

2000 Sounds of Liberation

With Mondo Generator as drummer:

2000 Cocaine Rodeo
2003 A Drug Problem That Never Existed

With Vista Chino as drummer/composer:

2013 Peace

Solo and solo bands:

1999 Jalamanta
2002 Brant Bjork and the Operators
2003 Keep Your Cool
2004 Local Angel
2005 Saved by Magic (Brant Bjork & the Bros.)
2007 Tres Dias
2007 Somera Sól (Brant Bjork & the Bros.)
2008 Punk Rock Guilt
2010 Gods and Goddesses
2014 Black Power Flower (Brant Bjork & the Low Desert Punk Band)
2016 Tao of the Devil
2017 Europe ‘16
2018 Mankind Woman
2019 Jacoozzi

Others:

1995 Solarfeast, Gossamer (Producer)
1998 Desert Sessions Vol. 1 & 2 (Drums, Bass)
1999 Desert Sessions Vol. 5 & 6 (Drums, Guitar)
2004 Auf Der Maur, Auf Der Maur (Drums)
2005 Yellow #5, Demon Crossing (Drums)
2006 Ten East, Extraterrestrial Highway (Bass)

”As one of the most prominent acts in the new generation of psych music, Swedish four piece MaidaVale create a reckless and experimental rock that keeps diverging from what’s expected.
After first emerging on the live rock scene in 2014, MaidaVale’s 2016 debut album ’Tales of the Wicked West’ was received with open arms and launched them as one of the most promising new bands. The band have had a busy schedule touring Europe exstensively since. Known for their musicality and the electric connection between both musicians and audience, the band’s reputation has grown with each show.
On their second album ’Madness Is Too Pure’, released in early 2018, MaidaVale followed up with an even more experimental and dynamic sound that confirmed their place in the psych rock scene. The album, produced by Jari Haapalainen, was praised amongst both critics and fans for its bold and innovative take on the genre. It also got the band nominated for the Swedish music prize P3 Guld in the rock/metal category, alongside acts like Graveyard and Lucifer.
Up until this point MaidaVale have played renowned festivals like Freak Valley, Desertfest Berlin and Duna Jam.”
Said about Madness Is Too Pure (The Sign Records, 2018)
”— but rather just to say that with Madness is too Pure, the band have exceeded even the hints they gave the first time around of who they were as a group, and perhaps in showcasing their willingness to get weird.”
– The Obelisk
“Now the band is back with the terrific follow-up album “Madness Is Too Pure”.
This album has some funky and groovy psych rock at the centre of a band whose sound shoots off in all sorts of directions. It sounds a bit like if Ace Frehley and Siouxsie Sioux jammed with The Doors at a late- night after party in a small and damp bedsit in London, if you know what I mean.
– Roppongi Rocks

Shooter-Promotion proudly presents:

Einer der erfolgreichsten Instrumental-Rock-Gitarristen der Welt kommt im April 2020 für einige Konzerte wieder nach Deutschland: Joe Satriani!

Satriani hat bis jetzt über zehn Millionen Alben verkauft, zwei seiner 16 Alben wurden mit Platin, vier mit Gold ausgezeichnet, genau wie das Debüt seiner Band Chickenfoot. Allein 15mal standen seine Werke auf der Nominierungsliste der Grammy Awards. Vor seiner Solokarriere wirkte er als Lehrer von Metallicas Kirk Hammett, Steve Vai und Testaments Alex Skolnick. Seit1996 setzt Satriani regelmäßig seine Idee in die Tat um, mit mehreren Gitarristen durch die Welt zu touren. Seitdem hat er sich die Bühne u.a. mit Steve Vai, Michael Schenker, Steve Lukather, Yngwie Malmsteen, Robert Fripp, John Petrucci, Paul Gilbert, Steve Morse geteilt. Satrianis JS Series beim Kult-Gitarren-Bauer Ibanez ist bis heute eine der populärsten und konstantesten Verkaufserfolge der Firma. Sein letztes Album „What Happens Next“ (in Zusammenarbeit mit Glenn Hughes und Chad Smith) erschien im Januar 2018.

Im April wird Satriani nicht nur Klassiker wie „Surfing With The Alien“, „Cherry Blossoms“, „Always With Me, Always With You“ oder „Flying In A Blue Dream“ live präsentieren, nein, auch brandneue Stücke wird er zum Besten geben! Das neue Studioalbum wird nämlich ebenfalls im April 2020 erscheinen (Legacy/SONY).

Die Band, die Satriani live unterstützen wird, ist wie immer…..Weltklasse!:

Kenny Aronoff (Drums, u.a. John Fogerty)
Bryan Beller (Bass, The Aristocrats)
Rai Thislethwayte (Keyboard, Thirsty Merc)
and
Joe Satriani (Guitar)

THE CORONAS bringen im Juni ihr sechstes Album True Love Waits raus und gehen damit auf Tour. Die Band aus Dublin ist mit ihren Vorgängeralben stets in den Charts gelandet und wurden mit dem Meteor Award (2010) ausgezeichnet. Ehemals zu viert, macht die Band nun ohne Gitarrist Dave McPhillips weiter. Im September geht es auf Deutschlandtour. Tickets sind ab dem 28.02.2020, 12 Uhr an allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.

The Coronas
True Love Waits – album biography

The Coronas’ sixth album marks more than a fresh start. If its five, platinum-selling predecessors were chapters in the career of one of Ireland’s biggest, best-loved bands, True Love Waits is a whole new book.

A quartet for 13 years, last summer, The Coronas became a trio when guitarist Dave McPhillips unexpectedly left. Briefly they questioned whether to continue, but once the shock had subsided, something dawned on the Dubliners. If they weren’t the band they used to be, why make music as they always had?

“In retrospect, the shock of Dave leaving the band helped us get a clearer picture of what we wanted the album to be” says Danny O’Reilly, singer and lead songwriter. “When we accepted that we weren’t going to be the same band without him, it was easier to let the songs lead us in ways we wouldn’t have thought of before”

“Rather than replace Dave, we actually contemplated ditching guitars entirely. But instead we opened ourselves up to work with loads of our talented friends, mainly because the songs warranted it, and we had an amazing young producer George Murphy who knew exactly the kind of album we wanted to make.”

“For the first time we used real brass, there are extra guest backing vocalists, guest guitar players and our first featured duet. From early on, the guys encouraged me to use my voice differently, just pushing me to try something that I wouldn’t have done previously”

Two songs had already been recorded, in L.A. last February with Hozier and PJ Harvey producer Rob Kirwan, when Danny, bassist Graham Knox and drummer Conor Egan pressed reset. But the album only really began to take shape once a raft of new songs arrived. Key to the process was Danny’s coterie of new co-writers.

“I co-wrote a little on the last two albums and loved it,” says Danny. “This time I was up for anything. I took snippets of ideas to several musician mates, mostly around Dublin and Kerry, to see what we came up with and that’s how we hit on some of the new sounds and different song structures.

“When you’re five albums in, it can be difficult to write differently on your own – you instinctively return to the same patterns. With fresh input, you’re forced down new paths, and it’s also great sharing that excitement in a room when you both know that there’s something special in the idea you’ve just created together”

Title track and new single True Love Waits was written with Cian MacSweeny, frontman of Cork-formed, Dublin-based trio True Tides, one of The Coronas’ favourite bands and their recent support act.

Acoustic guitar and bright synths blend to create an atmosphere of dreamy optimism, while the lyrics – ‘Fuck that, take a chance’ – could as easily apply to The Coronas’ new outlook as a new relationship. Much of the song is the band’s original demo, recorded DIY in Dublin, before being completed in London with producer George Murphy.

“We’ve never kept so much of our demos before,” says Danny, “but what’s great about George is he can see the magic in a moment. There’s a spontaneity to that song which we’d have lost by rerecording it. George engineered our last two albums, so he knows us very well. He’d hone in on the vibes of what we brought him. A lot of the songs had odd arrangements and he understood straight away what we were trying to do.”

The unorthodox arrangements helped push The Coronas out of their comfort zone. The release last year of hypnotic first single Find The Water was a shock to some, but its success told the band they were on the right path.

Beginning with just piano and vocals, then breaking into an intense chant, Find The Water soars skywards on trumpets and percussion and has Danny singing so high by the end that he’s all but unrecognisable.

Future single Cold may rival it for surprises. Opening on its stark, prayer-like chorus, it’s a majestic spine-chiller that shapeshifts on piano, percussion and synths. Written by Danny as a pick-me-up late one night alone in Dingle, it’s about decision-making and self-doubt.

“How do you know you’ve made the right choice, about anything,” says Danny. “In the midst of so much change, you can question every decision, but what’s the point? It’s our ‘don’t get down’ song. Have confidence and move on.”

Lyrically, True Love Waits addresses everything from a new love in Danny’s life to looking back at past achievements with pride to dealing with Dave’s departure.

Light Me Up flips from atmospheric to anthemic and builds to a boisterous, gospel finish featuring co-writer Cian on backing vocals. Haunted, one of two songs written with producer Cormac Butler, is a toast to a partnership – with the phrase “haunted” being Dingle-speak for “lucky”.

Lost in The Thick It is one of the albums highlights, a gorgeous duet with Gabrielle Aplin, written in Brighton with Aplin and her partner Alfie Hudson-Taylor.

On the celebratory Brave, The Coronas work in a waltz. The euphoric Heat of the Moment they describe as their Richard Curtis love song. By the end of I Think We Jinxed It, the guitars and synths soar just much as Danny’s vocals.

“We never thought we’d make six albums, or be as excited about music as we are now. It’s great that we’re not trying to compete with anyone else. We’d rather just outdo ourselves.”

Gitarrist, Sänger, Songwriter und Woodstock Veteran Miller Anderson, der schon seit den 60ern mit allen Top Bands der internationalen Musikszene spielte, kam 1965 aus Schottland nach London und schloss sich zunächst mit dem späteren Mott the Hoople Frontman Ian Hunter zusammen. 1968 wurde er Mitglied der Keef Hartley Band mit der er fünf Alben als Songwriter, Gitarrist und Leadsänger aufnahm. Die Band trat 1969 bei dem legendären Woodstock-Festival auf, doch leider verweigerte das damalige Management die Filmaufnahmen.

Ein paar Jahre später gründete Miller gemeinsam mit Kim Simmonds und Stan Webb die Band Savoy Brown. In dieser Besetzung wurde das Album “The Boogie Brothers“ veröffentlicht und die drei Musiker tourten mit Deep Purple durch die USA, was in einer Show im ausverkauften Madison Square Garden gipfelte.

In den nächsten Jahren spielte er mit Stan Webbs Chicken Shack, Mountain, T. Rex, Donovan, der Spencer Davis Group, Mick Taylor, Roger Chapman und Jon Lord, trat aber seit 1973 auch immer wieder unter eigenem Namen auf und veröffentlichte diverse Solo-Alben, die großartige Kritiken erhielten. So erlangte z.B. das Album „Chameleon“ aus dem Jahr 2008 im Magazin Good Times den Titel „Album des Jahres“.

Sein prägnanter Stil macht Miller Anderson zu einem der großen Gitarristen des Bluesrock. Vor allem die versierte Slide-Arbeit und der kraftvolle, nie effektheischende Einsatz von Wah-Wah-Solos haben den Ruf des Woodstock-Veteranen und Jimi Hendrix-Verehrers als herausragenden Saitenvirtuosen zementiert. Nicht zu vergessen Millers ausdrucksvoller Gesang, einfach nur extraklasse !

Nach mehreren Tourneen als Gastgitarrist der Hamburg Blues Band ist Miller seit 2015 endlich wieder zu unserer und zur Freude seiner zahlreichen Fans mit seiner eigenen, heißgeliebten Miller Anderson Band auf Tournee! Die „Chemie“ stimmt und es groovt wie verrückt ! Laut Miller ist diese seit 2015 unveränderte Bandbesetzung  „die beste Miller Anderson Band, die es je gab ! “

Im Tourgepäck hat Miller die aktuelle CD „Live at Herzberg Festival“  !

line up:

Miller Anderson – guitar, harmonica & vocals
Janni Schmidt   – bass & backing vocals
Frank Tischer    – keyboards & backing vocals
Tommy Fischer – drums

Miller Anderson war/ist Gitarrist, Sänger, Songwriter von:
The Royal Crests, Keef Hartley Band, Hemlock, Savoy Brown, Blood Sweat & Tears, T-Rex,Donovan, Chicken Shack, Mountain, Jon Lord & the Gemini Band, The Spencer Davis Group, Deep Purple, Roger Chapman & the Shortlist, Hamburg Blues Band, …

Wer es wagt, sich an das Material der kanadischen Prog Rockband RUSH heranzutrauen, muss schon ein großes Vertrauen in sein musikalisches Können haben.
Die drei Mitglieder der italienischen Band LA VILLA STRANGIATO haben genau das! Die aus Rom stammende Band, benannt nach einem alten RUSH Titel, wurde 2010 von Gabriele Ferrari und Carlo Fattorini gegründet. Seither ist es ihr Anliegen, die Songs aus der Zeit der größten Popularität von RUSH, in den 70er und 80er Jahren, wieder zu beleben.
In den letzten Jahren haben die drei Italiener ihr Programm stetig weiterentwickelt und hinterließen auf vielen Shows begeisterte Fans Im aktuellen Programm Permanent Changes für 2020 stellt sich die Band der Herausforderung das gesamte Album Permanent Waves und eine faszinierende Auswahl an Songs, die RUSH seit damals nicht mehr gespielt hatte darzubieten. Sie
liefern damit endgültig den fulminanten Beweis als einzige Band in Europa fähig zu sein, das komplexe Material von RUSH zu spielen.

MARKY RAMONE – spielt 40 RAMONES-Klassiker

Schlagzeuger & Lifetime Grammy Award Winner Marky Ramone geht mit einem umfangreichen Ramones-Programm auf große Europaeroberungstour.
Zusammen mit seiner Band „Marky Ramone’s Blitzkrieg“ bestätigt er dreißig Daten in Europa, darunter neun in Deutschland und Österreich.
Er ist weltbekannt dafür 15 Jahre Teil der legendären Punkrock-Band RAMONES gewesen zu sein.
Seit seiner Highschool-Zeit spielte der gebürtige Marc Bell Schlagzeug mit zahlreichen einflussreichen Musikern, so z.B. mit der in Brooklyn ansässigen Hardrock Band „Dust“ (weitere: Misfits, The Speed Kings, Buckweeds und Osaka Popstar).
In den 70ern gründete er zusammen mit Bob Quine, Ivan Julian and Richard Hell:
„Richard Hell & The Voivods, die 1977 ihr bahnbrechendes Album „Blank Generation“ über Sire Records veröffentlichten.
Doch auch in die Welt des Films und der Literatur verschlägt es MARKY RAMONE.
Neben Gastauftritten bei den Simpsons, ZRock & Anthony Bourdain’s No Reservations war MARKY RAMONE Vorlage für einen Helden der Comicbuchreihe „Killogy“ von Alan Robert.
2015 erschien Bells Autobiografie: „Punk Rock Blitzkrieg: My Life as a Ramone“.
Marky Ramone trägt bis heute das Vermächtnis der RAMONES in die weite Welt: Mit seiner Band „MARKY RAMONE’S BLITZKRIEG“ bietet er eine authentische Show mit 40 RAMONES-Klassikern.

Tickets behalten Ihre Gültigkeit oder die Gutscheinlösung findet Anwendung

Wenn schon Sommer – DANN RICHTIG!

Wer ist für den perfekten Sommer-Soundtrack zuständig?
Korrekt! THE BEACH BOYS!

Die Helden der 60er und 70er Jahre kommen mit einem großen Koffer voller Surfsound für drei Shows nach Deutschland!

Ob nun „Surfin´USA“, „Fun Fun Fun“, „Help Me, Rhonda“, „Barbara Ann“ oder „Sloop John B“….wir alle kennen diese Welthits.

Wer die Beach Boys noch nie live erlebt hat, der sollte dies unbedingt nachholen!

Partylaune, Nostalgie, Welthits. Das sind THE BEACH BOYS!

– Achtung: Sonnencreme nicht vergessen! –

Nach ihrem sensationellen Konzertjahr 2019 kommt die legendäre britische  Rockband UFO im Sommer und im Oktober 2020 auf  Festival-Tournee nach Europa – und gibt wieder Konzerte auch in Deutschland.

Nach dem unerwarteten Publikumszuwachs auf der diesjährigen Tour haben UFO ihren geplanten Rückzug vom Tournee-Geschäft noch einmal aufgeschoben und planen sogar im Frühjahr noch einmal ins Studio zu gehen.

Durch die Wiederkehr von Keyboarder / Gitarrist Neil Carter (Gary Moore) ist bei UFO ein frischer Wind und ein püositiver Geist eingekehrt, der sich ab der ersten Minute in der Performance der Band und der Reaktion der Fans niederschlägt. Mehr denn je sind UFO für die Fans eine Macht und echter Kult.

A BRIEF HISTORY OF THE REAL MCKENZIES

Paul McKenzie claims he had a epiphany when he was subjected to an Andy Stewart record which was playing in one room, and intertwining with the vulgarity of a Sex Pistols album emerging from another. That year was somewhere around 1992, the setting was Vancouver Canada,and McKenzie was looking for something new, since his band TT Racer had recently disbanded. Who would have thought that a great deal of fun could be had pilfering your parents closet of old kilts and high socks to wear on a stage on which you would perform cover songs of various bands, altered slightly, to fit a scottish theme. Example: I Wanna Be Your Scot as opposed to I Wanna Be Your Dog. You get the point. Someone probably joked, If were gonna wear kilts, we might as well have a piper too.

While certainly not a new angle in rock music, the bagpipes were only ever used in a couple of songs at most by various bands, never a mainstay of an entire set. Soon though, it was apparent that this was a distinctive sound that could be finely tuned, with the soaring pipes complimenting the ferocious electric guitars and vise-versa. Of course the first thing that springs to mind is the word gimmick. Sure, I guess thats applicable here. But before you go taking things way to seriously, lets also not forget the concept of show buisness. People annually spend a shitload of money for the sole purpose of being entertained. So why not go out of your way to be entertainment? That was all a moot point with the McKenzies anyway. Because they just wanted to have fun, and you are more than welcome to have fun with them, as hundereds of thousands have. Sure some will read too much meaning into the whole idea, and take it out of its realm of fun, and those people should just shut the fuck up and drink their beer.

14 years later, the Real McKenzies have achieved lengendary status. Their live shows are highly regarded and they have been known to leave large audiences choking on their own dry mouths. They’ve been influence to more than a few bands, and ironically have been accused of ripping those same bands off, usually by journalistic hacks on the internet. They’ve toured the world endlessly, and frightened more than a few people at times, but its a small percentage to the numbers of people who leave their shows with ear to ear grins and think about the great time they had for weeks to come. I can imagine it will take death to stop these guys from doing what they do best, and that’s kicking your ass in the face at each and every show they play.

Tickets behalten Ihre Gültigkeit oder die Gutscheinlösung findet Anwendung

Die California Punk Rock-Legende kommt 2020 nach Europa:
DEAD KENNEDYS
40 Years Fresh Fruit for Rotting Vegetables

Die schnellste, zynischste und provokanteste, aber vor allem bekannteste Punkband der USA seit den späten 70er und frühen 80er Jahren – das sind die Dead Kennedys!

Vor genau vier Jahrzenten veröffentlichten die Polit-Punks aus der Bay Area ihr legendäres Debütalbum „Fresh Fruit for Rotting Vegetables“.
Das im Jahr 1980 erschienene Manifest „Fresh Fruit for Rotting Vegetables“ enthält Klassiker wie „California über Alles“, „Holiday In Cambodia“, oder „Kill The Poor“ mit denen sich bis heute die Punk-Bewegung identifiziert.

Nach ihrer Gründung 1978 spielten die Dead Kennedys ihren ersten Gig in einem Restaurant namens „The Fap“ nahe der Nordküste San Franciscos, welches bereits seit Jahren als Zuhause für Punk Bands und Fans der Szene bekannt war. Es dauerte nicht lange bis die Band eine engagierte und teils militante Bewegung innerhalb San Franciscos anheizte. Bereits im folgenden Jahr brachten die Dead Kennedys ihre erste Single „California Über Alles“ raus und das direkt unter ihrem eigenen Label „Alternative Tentacle Records“. Der Song entwickelte sich zu einem wuchtigen Angriff gegen den damaligen Gouverneur Kalifornien’s Jerry Brown und dessen Politik.
Kurz darauf erschien „Holiday in Cambodia“, eine perfekte Mischung aus kritischen Lyrics an der erfolgsbesessenen Mittelschicht gepaart mit wütenden Klängen.

„Fresh Fruit for Rotting Vegetables“ (1980), erreichte in Großbritannien Gold Status.
Mit scharfem Humor ziehen die Dead Kennedys in Songs wie „Let’s Lynch the Land Lord“, „I Kill Children“ und „Chemical Warfare“ auf satirische Art über die Extreme zwischen Gewalt und Konservatismus innerhalb Amerikas her. Es folgte eine ausgedehnte und erfolgreiche Welttournee durch Nordamerika, Europa und Australien.

Zahlreiche rechtliche Verfahren und die Mühen der Mächtigen dieser Welt sie zum Schweigen zu bringen konnten den Dead Kennedy‘s nichts anhaben – sie sind und bleiben ihrem Stil kompromisslos treu – als Garant aggressiver Musik und energiegeladener Live-Shows, böser sarkastischer und humorvoller Texte die ideologische Standpunkte von Religion, sowie rechter und linker Politik mit Vorliebe auseinandernehmen.

Mit 40 Jahren Musik-Kulturgeschichte kommt die Punk-Legende endlich wieder nach Europa mit dem Namen ihres erfolgreichen Debutalbums:
„Fresh Fruit for Rotting Vegetables“ als Tourmotto.

Medienpräsentatoren: Rock Hard, laut.de, SLAM, Away From Life, Gringoz Magazine, Tough Magazine
Termine “Fresh Fruit for Rotting Vegetables“ Tour 2020:
Der Vorverkauf startet am Freitag, dem 24.01.2020

Obwohl die Superstars aus Südafrika von einem deutschen Radio DJ anlässlich seines Urlaubs dort entdeckt wurden, haben sie sich hier in Europa immer rar gemacht.

Jetzt, zum 20-jährigen Jubiläum ihres Welthits „Indigo Girl“, kommen sie massiv zurück. Mit einem neuen Album und zwei älteren Alben als Wiederveröffentlichungen. Dazu gibt es eine überarbeitete Version ihres Smashhits, der noch immer weltweit im Radio gespielt wird und allseits präsent ist.

Stilistisch hat sich Watershed weiterentwickelt, wobei sie ihren eigenen, speziellen Sound nicht verleugnen. Emotional vorgetragener, energiegeladener Indie-Folk-Pop-Rock, der erfahren und anspruchsvoll daherkommt.

Erinnerungen an die Anfänge von R.E.M., Coldplay und den Crash Test Dummies werden wach.

Der Schwerpunkt der Instrumentierung liegt hier auf elektrischer wie auch akustischer Gitarre, die in einer besonderen Mixtur mit dem E-Piano zu überzeugen weiß. Dazu kommt die markante Stimme des Sängers und Gründers der Band, Craig Hinds.

⇒ Website der Band

Leider müssen wir euch eine traurige Mitteilung machen.
Wir trauern um Fotis Anagnostou, der die Welt und seine Band-Freunde um Julian Sas viel zu früh verlassen musste. Wir werden ihn als wunderbaren, liebenswerten Menschen und feinsinnigen Künstler auf so vielen Ebenen in lieber Erinnerung behalten und sind in Gedanken bei seiner Familie und seinen Freunden.
Die Band um Julian Sas verliert mit ihm nicht nur einen begnadeten Bassisten sondern auch ihren langjährigen engen Freund. Es ist unfassbar und nichts ist mehr, wie es war.
Dazu gehört auch die für September 2021 geplante Tournee, die nun aus verständlichen Gründen leider komplett abgesagt werden muss.
Wir wünschen Julian Sas und seiner Band viel Kraft für die kommende Zeit, und dass es irgendwann weitergehen kann.

Den niederländischen Gitarristen Julian Sas kann man getrost als einen der angesehensten seiner Art in Kontinentaleuropa bezeichnen.

Dank seines musikalischen Elternhauses ist Sas schon früh mit Jimi Hendrix, Alvin Lee, Peter Green und natürlich dem Gitarrengott Rory Gallagher in Kontakt gekommen: „Der Held für mich schlechthin ist Rory Gallagher. Zwischen 1987 und
1992 habe ich ihn insgesamt 21mal live gesehen.“

Mittlerweile hat er seine Setlist verändert und spielt kaum noch Gallagher Titel. Sein eigenes Repertoire ist mittlerweile so umfangreich und stilistisch breiter geworden, dass er sich nicht zu verstecken braucht. Mehr und mehr entwickelt er sich zum europäischen Warren Haynes, erdverbunden, unglaublich kreativ und energiegeladen.

Sein jüngstes Album, das 16., mit dem bezeichnenden Titel „Stand Your Ground“, ist nun das ambitionierteste von ihm. Es wurde analog aufgenommen und ist im typischen Stil der 70er Jahre produziert. Blues- u. Classic-Rock, viel Groove, harte
Hammondorgel-Sounds und treibender Bass wechseln sich ab und hinterlassen einen massiven Eindruck.

Corona-bedingt musste die Tour vom September 2020 nach 2021 verschoben werden. Diese Zwangspause nutze er mit seiner Band und produzierte ein neues Album, das er auf der neuen, ausgedehnten Tournee im Gepäck haben wird. Wir können sehr gespannt sein.

=> Website der Band

The Moorings are an ultra-energetic quintet famous for delivering an efficient mix between Celtic folk and alternative rock.

Since 2011, The band has been faithful to the traditional themes of the Anglo-Saxon repertoire. It has been chosen many times to share the bill with the most respected bands of the genre such as The Dubliners (at la Cigale – Paris), The Pogues (at l’Olympia – Paris) or The Dropkick Murphys (at Rock im ring – Italy).

Their appeal for Irish music and Punk rock has been revealed in Pints & Glory their 1^stEP back in 2011. A live record titled ‘La Cigale Unplugged’ has also come out in 2013. The second EP ‘Nicky’s Detox’ released in fall 2014 highlights a couple of songs in French.

The new record ‘Unbowed’ completed in spring 2017 asserts its own style. It mainly seduces by the production’s quality and the fine songwriting of its 12 tracks. Original material sung mostly in English mixes bitter protest songs (Captain Watson’s Gang, Mutins), folky ballads (Posy of Lily, The Mariner I Used To Be) as well as powerful punk rock songs reminding the Sex Pistols (Another Drinking Wound, Ice Cold Jar Of Whiskey…).

Still true to their French origins, this colourful opus encompasses 3 songs in their mother language including ‘Amsterdam’ a cover from the famous Jacques Brel.

The Moorings go from festivals to club stages, from pubs to bars all over Europe! The band has played the legendary Montreux festival in 2016.

«Since we 1st played a festival with The Moorings last Summer 12 months I’ve been a huge fan.They’re like a cross between The Pogues, The Dubliners and themselves. In other words they’re unique they’ve got their own individual sound whilst incorporating other influences of an Irish/punk style. I’m‘ gonna let y’all in on a“secret“ it’s been my great wish to produce a cd for them-well we all have dreams don’t we?»

Eamonn Campbell – The Dubliners

Hasu Langhart – Gitarre / GesangSimon Langhard – KontrabassJürg Luder – Schlagzeug

Uns gibt’s schon ewig. 17 Jahre oder so. Wir sind toll. Und sehen gut aus. Wir lieben was wir tun. Fast immer. Den Konzertbesuchern geht’s genauso. Wir rocken und rollen, kämpfen und leiden, lachen und weinen.

Autofahren wir auch und das nicht zu knapp. Den Erdball bestimmt schon ein Dutzend Mal umrundet. Belgien, Deutschland, Dänemark, England, Frankreich, Italien, Japan, Kanada, Oesterreich, Spanien, Tschechien, Slowenien,Ungarn, Finnland, Schweden, Norwegen, Holland und die USA wurden betourt. Macht rund 400 Shows (so heisst das) in den letzten drei Jahren. Begeisterung allenthalben.

Tausende Platten verkauft und Tausende Bands an die Wand gerockt. Bad Religion, NoMeans No, Rancid, Snuff, No FX, Slackers, Toasters, Demented Are Go… Aber immer noch hungrig. Trotz Rückenschmerzen, weil Fussböden scheisse sind zum Pennen, zuviel Kaffee und Zigaretten. Pleite sind wir auch ständig.

Doch die nächste Platte wird bestimmt grossartig. Punk, Rockabilly, tolle Songs, coole Rhythmen, Pop aber geil. Es geht vorwärts.

support :
Messerstecher Herzensbrecher   
(Psychobilly aus Dortmund )

Mit dem Verkauf von über 100 Millionen Alben gehört Black Sabbath zu den größten Rockbands aller Zeiten und werden noch heute als Erfinder des Heavy Metal geehrt. Sie stehen wie keine andere Band für schreiende Gitarrenriffs, wummernde Bässe, prügelnde Drumbeats, unheilschwangere Texte und verbreiten damit eine ordentliche Portion Gänsehaut und Schrecken. Black Sabbath sind die Vorbilder vieler Heavy-Metal-Bands und prägten den Heavy Metal mit ihren ersten Alben nachhaltig. Als alles Anfang 1969 begann, hieß die ursprüngliche Formation schlicht Earth, bis sich die vier Musiker in einem Proberaum ihres Jugendclubs trafen, um dort mit „Wicked World“ den ersten richtigen Black Sabbath Song zu erschufen, ein fünfzehnminütiger Blues-Jam. Bereits der zweite Song soll der Band den Namen geben: „Black Sabbath“. Ihr erstes Album wurde mit einem Budget von grade einmal 1.200 Dollar produziert und entstand Gerüchten zu Folge an nur einem einzigen Tag. Erschienen ist es am Freitag den 13. Februar 1970 und erreichte Platz 9 der britischen Charts. Was dann folgt ist heute Musikgeschichte -18 weitere Studioalben, unzählige Konzerte, eine reger Wechsel an Bandmitgliedern und Millionen verkaufte Platten.

Amerikas klassische Black Sabbath Tribute Band EARTH spielt Note für Note sämtliche Klassiker aus der frühen Ära mit Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Bill Ward und Geezer Butler. Die originalgetreue Darbietung in atemberaubenden Versionen der großen Klassiker steht dabei im Mittelpunkt. Zum Repertoire gehören die besten Songs der ersten Alben wie „War Pigs“, „N.I.B.“ „Sabbath Bloody Sabbath“ oder „Children Of The Grave“ bis hin zu düsteren Großtaten wie „Black Sabbath“ oder den Hits „Paranoid“ und „Iron Man“. Earth besteht aus erfahrenen Tourmusikern anderer etablierter amerikanischer Bands, die sich einfach aus Liebe zu den Gründern des Heavy Metal zusammengeschlossen haben. Die optisch und akustisch authentische Performance von Sänger Ray Sylvestre lässt das Herz eines jeden Black Sabbath Fans höher schlagen! Über eine ausgedehnte Europatour erspielte sich die Gruppe im vergangenen Jahr in Italien, Holland, Polen, der Tschechischen Republik, Belgien und natürlich Deutschland eine stetig wachsende Fangemeinde.

Lord Bishop, der schwarze Zwei-Meter-Hüne aus der Bronx, und seine Band bereiten seit Jahren unermüdlich die Bühne als Vorband für die Hauptakteure im Kulturhaus Neuruppin und haben sich damit ihre ganz eigene Fangemeinde erspielt. Ob zusammen mit Ian Paice und Roger Glover von Deep Purple, Uriah Heep, Sweet oder vor einigen Jahren Eric Burdon, Lord Bishop heizte die Menge vorher immer ordentlich an. In den Adern von Lord Bishop fließt purer Rock’n’Roll. Seine Musik steht für fette Gitarrenriffs à la Jimi Hendrix gemixt mit der Kraft von Motörhead und dem schweren Blues von Led Zepplin. Dazu kommt ein ordentlicher Schuss James-Brown-Funk. Auf der gemeinsamen Tour mit der Black Sabbath Tribute Band Earth bringt Lord Bishop seine von Jack Endino, unter anderem Produzent der legendären Alben von Nirvana und Soundgarden, gemixte und gemasterte CD „Heavy 10“ mit. Auf dieser finden sich zehn klassische Rocksongs, die die expansive 20-jährige Karriere von Lord Bishop beeinflusst haben. Darunter auch eine unglaublich starke Version des Black Sabbath Megahits „Paranoid“.

Ultimate Eagles ist mehr als eine Hommage. Die Band präsentiert die Songs der Eagles aus jedem Album und jeder Epoche in bisher nicht gekannter Perfektion.

Ultimate Eagles verzichten bewusst auf Verkleidungen und andere elektronische Hilfsmittel. Jede noch so kleine Interpretation Nuance wird genau auf den Punkt gebracht. Vergleichbar mehr mit dem Royal Philharmonic Orchester das Beethoven spielt.

Es reicht ihnen nicht nur die Musik ihrer Idole vorzutragen.

Die Band hat bisher vor mehr als 450.000 Menschen in über 12 Ländern gespielt.

Ihre You Tube links wurden mehr als 4,5 Millionen Mal in den letzten drei Jahren angeklickt. Ultimate Eagles begeisterten bei der BBC Show mit Chris Evans „Car Fest South and North“ über 20.000 Zuhörer.

Die Bandmitglieder sind alle erfahrene Profis die ihre Bühnenauftritte mit Größen wie: Joe Cocker, Paul Young, Roger Daltrey, Lulu, Bonnie Tyler, Tom Jones und auch Queen krönten. Einige Musiker der Band arbeiteten zusammen mit Barbara Streisand, Janet Jackson, Status Quo und Iron Maiden.

Ultimate Eagles hat auch einen BAFTA gekrönten Musikdirektor an Bord der die Weichen für die neue erfolgreiche X Factor Sendung Tenors of Rock gestellt hat.

Genießen Sie die hervorragenden Satzgesänge und Musikkompositionen geschrieben von Legenden. Lassen Sie sich in eine Zeit entführen in der Musik noch gesungen wurde.

Kommen Sie vorbei und erleben Sie einen Abend mit der umfassendsten und genauesten Hommage an die Eagles. Eine Show bei der Ihre Ohren Augen machen werden. Ultimate Eagles ein muß für Liebhaber der Musik und der Eagles.

BBC Radio Chris Evans: „The best Eagles Show in the world“.

“I thought I was listening the real thing”.

Performing all the Hits including:

HOTEL CALIFORNIA, LYIN’ EYES, ONE OF THESE NIGHTS, TAKE IT TO THE LIMIT, DESPERADO, TAKE IT EASY, AND MANY MORE

Nobody quite knew what to think of these long haired, tattooed bikers singing such soulful, yet ballsy, rock music when they arrived on the scene in Los Angeles in 1987. They stood out amongst the „Hair Bands“ that populated the music scene at the time….a distinction the band wore as a badge of honor.
Much hype surrounded the band as they were managed by music legend Jimmy Iovine, guided by legendary A&R man John Kalodner and produced by Bob Rock. It seemed like a formula for success, yet the band met an unfortunate set of circumstances that left many scratching their heads shortly after the release of their self-titled debut album. Many were to speculate why the band never achieved the level of success that their legendary team of backers took as inevitable. Many were to speculate that it was due to the dichotomy between the band’s gruff appearance and their sound. The truth was that the band fell prey to an unfortunate set of circumstances that occurred in the limited window that bands get to produce sales in, or get exiled in the music business. Three weeks into the bands initial release, Geffen Records was sold, their label Manager left the company, accountants took over, and their records where lost in transit to their new distributors. As sales dropped off due to the lack of product availability, the accountants shut the project down. And so, another band dies….there’s always more where they came from in the rough and tumble world that is the music business.
Little Caesar first appeared on Metal Blade’s “Street Survivors” compilation. The band then released a four song EP titled “Name Your Poison” (produced by Joe Hardy of ZZ Top fame), which subsequently led to a deal with Geffen Records. Little Caesar’s eponymous 1990 Geffen debut was produced by the infamous Bob Rock (producer of Metallica’s self-titled 1991 multi-platinum release, Motley Crue’s “Dr. Feelgood”, and The Cult’s “Sonic Temple” among others). The album was a no-nonsense collection of hard rock in the vein of ’70s giants like Bad Company and Humble Pie, and was also brimming with classic R&B influences, garnering widespread acceptance and positive reviews from the rock media. It also featured two Motown covers, including a ballsy rendition of the classic Aretha Franklin track, “Chain of Fools,” which hit the Billboard Top 100 chart and received strong airplay nationwide on both rock radio and MTV. The group toured extensively opening for such legendary acts as Jane’s Addiction, KISS, Social Distortion, Iggy Pop, Billy Idol, and Lynyrd Skynyrd. They also headlined their own club tours, and appeared on TV’s popular “Arsenio Hall Show”, “The Rick Dee’s Show”, and MTV’s “Sex in the 90’s”. Vocalist Ron Young was also featured in the movie “Terminator 2” as a tough talking biker that gets into a fight with the film’s star, Arnold Schwarzenegger. 1992 would bring the second full-length album, “Influence”, which would have Earl Slick (of John Lennon, David Bowie, and Ian Hunter fame) replacing Apache on guitar. The “Influence” album was produced by the highly respected Howard Benson (who has recently produced releases for platinum artists like Daughtry, Papa Roach, and P.O.D. among others). The band completed its first tour of Europe after the release of the album and drew rave reviews and sold out crowds across multiple countries including a sold out headlining performance at the famous Marquee club in London.

As the band slowly recovered from the shock and lessons learned in the nasty world of the music business, they always remained close, as they are a family way before they are a band. They started to do local shows and remember why they loved music and each other. Since the reformation, the band has played high profile shows at venues as House of Blues, California Speedway for NASCAR, and the Rock The Bayou Festival in Houston TX.
In 2010, Little Caesar moved forward with a vengeance on a worldwide level with new release titled „Redemption“ as well as touring in the US, Europe and the UK.
In 2012, Little Caesar released their latest effort entitled „American Dream“. Produced by Bruce Witkin, a powerful, no nonsense, guitar driven group of songs that takes the band to that same warm R&B driven Rock and Roll Universe they call home. They performed at the Hard Rock Hell festival in Wales in Dec 2012. They returned once again to Europe in 2013 appearing at The Download Festival appearing alongside such acts as Iron Maiden, Motorhead, Rival Sons, and Queens of the Stone Age. They are preparing a double live CD…something they have not done in their 30 years of playing together…

Fast forward to 2018 which will see the band release a brand new album of original music and their sixth European tour which will bring the band to Germany, Belgium, France, Sweden, Norway, Czech Republic and Slovakia.

In einer famosen Live-Inszenierung bietet die Band eine wunderbare musikalische Reise durch die Hits der erfolgreichsten Phase von Pink Floyd: von „Meddle“ (1971) über „Dark Side of The Moon“ (1973), „Wish You Were Here“, „Animals“ bis zu „The Wall“ (1979), sowie einige andere bekannte Stücke. Mit musikalischer Extraklasse, hervorragendem Stage-Design und großartigem Sound begeistern Kings of Floyd das Publikum und rufen die nahezu perfekte Illusion eines Pink Floyd Konzertes hervor.

Vocals, Guitar / Mark Gillespie (UK)
Guitars / Maurus Fischer(DE)
Keyboards, Vocals / Jürgen Magdziak (DE), Andy Schmidgen (DE)
Bass / Hans Maahn (DE), Ian Stewart (Canada)
Drums / Berni Bovens (NL)
Sax / Bernd Winterschladen (DE)
Vocals / Lucy Wende (NL)

Die populäre und mit Preisen ausgezeichnete Band bringt ein neues Album an den Start: „Come On In“. Intensiv wie gewohnt, lässt es auch Raum für Melancholie. In über 1.000 Konzerten in 21 Ländern hat diese dynamisch swingende und hochgelobte Formation das Publikum zum Lächeln und zum Tanzen gebracht. Denn das kann der Blues: die Probleme des Lebens mit seinen Grooves vertreiben. Der Frontmann weiß dies besser als viele andere, und auf dem zehnten Album – mit seinem einladenden Titel „Come On In“ – geht er Themen wie sein eigenes Alter oder die politische Realität an.

In diesem Sinne symbolisiert der Titel alles, wofür Thorbjørn Risager & The Black Tornado stehen. Dazu Thorbjørn: „Einige Leute meinen, der Blues sei traurig, weil er nach der Farbe der Melancholie benannt und aus der Musik der Sklaven in den USA entstanden ist. Aber man muss bedenken, dass dies eine Musik war, zu der sich die Leute versammelten, wenn sie die Mühen ihres Alltags vergessen wollten. Der Blues wurde bei festlichen Anlässen gespielt und war Tanzmusik. Und diese Tradition würde ich gerne weiterführen: eure Probleme durch unsere Musik erträglicher zu machen, damit ihr mit einem Lächeln auf euren Lippen nach Hause gehen könnt.“

Auch 2019 arbeiten die Musiker noch immer auf die gleiche Art und Weise, wie sie begonnen haben. Thorbjørn Risager sitzt zu Hause mit seiner akustischen Gitarre und entwickelt die Grundstruktur eines Songs, bevor sie ins Studio gehen, wo die anderen Vorschläge für Grooves, Basslinien, Bläsersätze, Backgroundgesang oder Fills machen. All das ergibt einen Sound, der einem das Gefühl gibt, alles drehte sich um Risagers Stimme.

Ihr undogmatischer und innovativer Umgang mit dem Blues kombiniert diesen mit Elementen aus anderen Genres wie Funk, Gospel, Soul oder Rock’n’Roll. Dabei hängt alles vom Feeling und der Ausrichtung des jeweiligen Songs ab. Eine weitere Nuance steuern auf dem neuen Album die melancholischen Songs mit akustischer Gitarre bei. Das hat sich instinktiv so ergeben, da sein Blues hier reflektiert, wo Risager aktuell in seinem Leben steht.

„Der Blues gibt mir die Möglichkeit, Dampf abzulassen. Und dieses Mal habe ich einige Songs geschrieben, in denen es um meine Zweifel geht, ob ich in meinem Leben alles richtig gemacht habe. Allerdings geht es bei meinem Songwriting auch immer um das Licht am Ende des Tunnels. Was wiederum bedeutet: die Zähne zusammenbeißen und sagen: ‚Ich mache einfach weiter’.“

„Never Givin’ In“ ist genau so ein Song, während es in „Last Train“ um die Problematik geht, sich zu sehr mit sich selbst zu beschäftigen. „Nobody But The Moon“ zeigt Thorbjørn Risagers selten artikulierte politische Seite, wenn dort die Frage gestellt wird: Wer hat die Kinder gesehen, die im Mittelmeer ertrunken sind, und wer hat ihre Schreie gehört? Worauf als Antwort folgt: Niemand außer dem Mond.

Bei aller Ernsthaftigkeit betont der Titelsong „Come On In“ das erbauliche Gefühl der Gemeinsamkeit, das Thorbjørn Risager & The Black Tornado schaffen wollen. Hier geht es um eine Bar, wo jeder willkommen ist, und Risager hat den Song mit der Kopenhagener Mojo Blues Bar im Hinterkopf geschrieben. Denn: „Dort sind wir groß geworden und viele von uns haben ihre Freundinnen da kennengelernt.“

Einige Bands schaffen den Durchbruch und das war es dann auch schon. Andere geben auf, wenn sich der Erfolg nicht schnell genug einstellt. Und dann gibt es noch diejenigen, die sich mit Leib und Seele dem Musikmachen verschrieben haben und die beständig an Popularität gewinnen, indem sie ihre hohen Standards über die Zeit beibehalten. Zu dieser letzten Kategorie zählen auch Thorbjørn Risager & The Black Tornado. Sowohl in Dänemark als auch im Ausland wird man sich immer mehr der Explosivität ihrer Konzerte bewusst, in denen Gitarre, Bass, Schlagzeug, Orgel und Bläser Risagers kraftvolle Stimme umkreisen, die Kritiker bereits zu Vergleichen mit Ray Charles und Joe Cocker angeregt hat.

Den Blues hat Thorbjørn Risager im Blut, seit er als Zehnjähriger etwas für ihn absolut Magisches gehört hat. Bei ihm zu Hause in Jyllinge legten seine Eltern, die beide Musik unterrichteten, nur Klassikplatten auf, aber im Nachbarhaus eröffnete sich ihm eine neue Welt. Thorbjørn war noch zu jung, um die Wurzeln dieser Musik zu verstehen, all das Elend und den großen Schmerz, aber eben auch die Euphorie, wenn man sich diesen aus dem Hals sang. Er wusste lediglich, dass er sie zu sich nach Hause mitnehmen musste. Also besorgte er sich Kassetten mit dieser exotischen Musik und schlief über Jahre hinweg zu den Sounds von Fats Domino und Muddy Waters ein.

46 Jahre nach ihrem ersten Album, 44 Jahre nach der Veröffentlichung des “Über-Hits” Gammaray (LP Hoodoo Man) und 13 Jahre nach dem letzten Studioalbum veröffentlichten BIRTH CONTROL, einer der in den 1970iger-1980iger Jahren, national wie international, wohl erfolgreichsten deutschen Prog-Rockbands, im März 2016 ein neues Studioalbum.
Mit „Here and Now“ liefern Birth Control 11 neue Kompositionen, die noch mit dem 2014 verstorbenen Bandleader Bernd “Nossi” Noske aufgenommen wurden.
Seit April 2018 ist das Album “Here and Now” auch als Doppel-Vinyl erhältlich,
mit Bonus-Live-Tracks vom letzten Konzert mit Bernd Noske.
Seit Anfang 2016 ist BIRTH CONTROL mit neuem Line Up wieder erfolgreich auf Tour. Zur Besetzung der letzten Jahre mit Sascha Kühn (keyboards), Hannes Vesper (bass) und Martin Ettrich (guitar) konnten mit Peter Föller (lead-vocals) und Manni von Bohr (drums) gleich zwei alte BC-Mitglieder der 1970er/1980er Jahre Birth Control Besetzung für das neue Line Up gewonnen werden.
Meist ausverkaufte Clubs und Festivalauftritte in den letzten 2 Jahren zeigen, daß BIRTH CONTROL auch in der aktuellen Besetzung „nichts an Strahlkraft verloren
hat“. ( Zitat: ROCKS Magazin Febr..2018)
Im Nov.2018 ist die neue Live-DvD /CD erschienen, (rec. Live in der Harmonie in Bonn im April 2018) Ein neues Studioalbum ist in Arbeit.

=> Website der Band

+++ neuer Termin wird noch bekannt gegeben +++

Gerry McAvoy´s BAND OF FRIENDS

Anlässlich des 25. Todestages von Rory Gallagher macht auch die Besetzung der Band Of Friends einen Wandel durch. Gerry McAvoy am Bass und Brendan O´Neill an den Drums werden verstärkt durch zwei Gitarristen. Paul Rose und Stephan Graf werden mit den beiden Originalmitgliedern das Gesamtwerk in bekannter leidenschaftlicher Weise zelebrieren.
Gerry McAvoy spielte von 1971-1991 mit Rory Gallagher und gründete 2012 die Band Of Friends. Am Schlagzeug wird er von Brendan O´Neill begleitet. Auch er spielte zusammen mit Rory Gallagher (1981-1991) und trat später der britischen R&B-Band Nine Below Zero bei.
Aber auch die beiden neuen Bandmitglieder sind leidenschaftliche Rory Gallagher-Anhänger. Paul Rose wurde bei einem von Fender ausgeschriebenen Wettbewerb unter 1.000 Gitarristen von Rory Gallagher persönlich zum Sieger ausgewählt und ist zwei Mal in Folge zum „Best UK guitarist“ ernannt worden!
Der Sänger und Gitarrist Stephan Graf hörte Rory Gallagher zum ersten Mal als er neun Jahre alt war und tourte seitdem mit seiner von Rory Gallagher inspirierten Band Double Vision durch ganz Europa. Dabei ist er so nah am Original, dass man sich die Augen und Ohren reiben muss!
Zwischenzeitlich bringt die Band Of Friends auch selbst eigene Alben auf dem Markt, die eine konsequente Weiterentwicklung der Musik von Rory Gallagher sind.
Für 2020 ist ein weiteres Album geplant, auf das man sehr  gespannt sein kann!

Das letzte Vierteljahrundert im Leben des Kenny Wayne Shepherd glich einem spannenden Roadtrip. Die Zeiten, in denen der junge Revolverheld aus Louisiana mit seinen feuerwalzengleichen Gitarrensoli und seinem Songwriting jenseits aller Normen erstmals die Bluesrockszene der frühen 90er Jahre aufmischte, liegen weit zurück. Der inzwischen 41-jährige hat sich weiterentwickelt und dringt mit seiner Fender Strat in Ebenen vor, an die andere sich nicht ansatzweise heranwagen. Mit einer Ehrlichkeit, die nur durch Erfahrung und vielen Meilen auf dem Tacho möglich sind, taucht er tief in menschliche Wahrheiten und Sorgen ein. Im Mai 2019 setzt er mit „The Traveler“ seine Reise fort.

Kenny Wayne Shepherds letztes Studioalbum “Lay It On Down” erschien 2017 und wurde für seine „Wutanfälle an der Gitarre“ und sein „durchdachtes Songschreiberhandwerk“ (Classic Rock) gelobt. Doch für den Bandleader ist sein Publikum das wahre Maß seines Erfolges. „Für mich ist es am Wichtigsten, dass meine Fans mir sagen, wie sehr ein Song sie beeinflusst hat oder dass sie in der ersten Reihe mitsingen. Bei ‚Lay It On Down‘ ist genau das passiert.“ Doch die letzten 25 Jahre haben Shepherd eines gelehrt: So ewas wie ‚Mission erfüllt‘ gibt es für ihn nicht.

Während die Refrains von “Lay It On Down” immer noch auf unseren Lippen liegen, ködert uns der Bandleader mit einem verlockenden Doppel-Comeback. Die Veröffentlichung von “The Traveler” ist für Mai vorgesehen und ein drittes Album mit seinem Allstar-Projekt “The Rides” (mit Stephen Stills und Barry Goldberg) ist bereits in Vorbereitung. “Wenn man sich inspiriert fühlt, zapft man diese Quelle am besten sofort an.”, sagt er. “Wenn Du wartest, ist es schwer, wieder an diesen Punkt zu kommen. Ich war in letzter Zeit sehr produktiv und will genau so weitermachen.”

„The Traveler“ ist eine Fortsetzung des letzten Albums, doch es hat mit mehr Ecken, Kanten und noch mehr Rock’n’Roll definitiv seine eigene Identität. Als erwachsener Mann und Vater sind für Shepherd andere Gedanken und Gefühle in den Fokus gerückt.

Bereits als Kind spielte er die Licks der Platten nach, die sein Vater, ein Konzertveranstalter, mit nach Hause brachte. Im Alter von 13 Jahren veränderte ein Treffen mit Stevie Ray Vaughan sein Leben und führte zu seinem Bühnendebüt im gleichen Jahr. Erste Alben wie „Ledbetter Heights“ (1995), „Trouble Is…“ (1997), „Live On“ (1999), „The Place You’re In“ (2004) und ein wahres Feuerwerk an der Gitarre während seiner Liveshows zeigten deutlich, dass einer der ehrlichsten Songwriter der Bluesrockszene geboren worden war.

„In den ersten fünf Jahren meiner Karriere war ich nonstop auf Tour und vielleicht zwei Wochen im Jahr zuhause.“, erinnert er sich. Auch nach der Jahrtausendwende überquerte er immer wieder die Kontinente und legte nur für neue Studioalben wie „How I Go“ (2011), Goin’Home“ (2014) und „Lay It On Down“ jeweils eine kurze Pause ein. Ganz zu schweigen von seinen Alben mit The Rides 2013 und 2015.

„The Traveler“ handelt von einer Welt, die wie noch nie zuvor gespalten zu sein scheint. „Der Albumtitel stammt von dem Song ‚Tailwind‘“, erklärt Shepherd. „Wir reisen alle zusammen durch dieses Ding, das man Leben nennt. Die momentanen Zeiten und Spannungen sind verrückt und sind ein Test für uns als Gesellschaft.“ Ohne einen eindeutigen politischen Standpunkt zu nennen, sagt er: „Lasst uns das gemeinsam durchstehen, einander schätzen und nicht gegeneinander kämpfen.“

Die neuen Songs beginnen üblicherweise mit rohen Riffs, die Shepherd zunächst auf seinem Handy aufgenommen hatte. In den Neptune Valley Studios in Los Angeles wurden diese durch das Produktionsteam um Marshall Altmann schließlich perfektioniert. Zusammen mit einer hervorragenden Studioband schufen sie eine Palette von Songs, die die sowohl wild als auch beruhigend wirken.

„Ich habe Balladen und emotionale Momente immer geliebt.“, sagt Shepherd. „Ich rocke aber auch gerne und spiele feurigen Blues. ‚The Traveler‘ enthält beides. Diese Freiheit habe ich durch meine Fans, die mich bei jedem meiner Alben immer unterstützt haben.“

Sein erstklassiges Gitarrenspiel war schon immer Shepherds Visitenkarte, aber erst seit seinen Vierzigern weiß er, wann er brennen und wann er atmen muss. „‘The Traveler‘ hält sich auf gewisse Weise etwas zurück.“, erklärt er. „Als ich älter wurde, wurde mir klar, dass weniger manchmal mehr ist. Ich spiele jetzt um des Songs Willen. ‚I Want You‘ oder auch ‚Turn To Stone‘ bauen sich immer weiter auf und drehen sich letztendlich um das Gitarrensolo. Bei ‚“Woman Like You‘ steht hingegen der Rhythmus im Vordergrund. Ein geradliniger Les Paul Sound, dessen Riff sich wie von selbst dem Gesang unterordnet.“

Auf „The Traveler“ klingt Shepherds Stimme stärker wie nie zuvor und vereint aufrichtige Herzlichkeit mit scharfzüngigen Texten. Inzwischen teilt er die Gesangsparts öfter mit seinem langjährigen Sänger Noah Hunt, wodurch die Band sowohl im Studio als auch auf der Bühne vielseitiger geworden ist. „Ich klinge immer noch nicht wie Muddy Waters.“, lacht er. „Aber ich bin definitiv als Sänger gewachsen. Das verdanke ich Stephen Stills, der mich bei The Rides dazu drängte, mehr zu singen. Auch die Texte waren mir auf dieser Platte wichtiger als je zuvor. Bei ‚Woman Like You’ war es mein Ziel, die Frau in der Beziehung zu verherrlichen und ihr nicht die Schuld für etwas zu geben. Einige Songwriter konzentrieren sich nur auf die negativen Aspekte einer Beziehung, aber dieser Song rockt und lässt Dich gut fühlen.“

Auch andere typische Bluesklischees sucht man auf diesem Album vergeblich. „Long Time Running“ handelt davon, eine komplizierte Existenz zu führen. „Tailwind“ bedeutet laut Shepherd: „Hey Mann, lass uns unsere Kämpfe beenden. Es gibt keinen Grund für all den Hass. Lass uns einfach miteinander auskommen und uns lieben.“ Bei ‚Gravity‘ geht es oberflächlich um eine sehr komplizierte Beziehung. Man könnte daraus schließen, dass jemand am Ende des Songs stirbt, aber es gibt noch viele andere Möglichkeiten, dieses Stück zu interpretieren.“

Shepherd fesselt die Zuhörer, während sich die Stimmung von der Aufregenden ins Nachdenkliche entwickelt. „Mit ‚We All Alright‘ wollte ich einfach einen Song mit diesem klassischen Groove schreiben. Wir fingen an zu schreiben und es fühlte sich wie eine Party an. Das haben wir festgehalten. Es geht darum, eine gute Zeit zu haben, ohne um etwas kämpfen oder sich um etwas sorgen zu müssen. Mit ‚Take It On Home“ erinnere ich an meine Wurzeln. Es handelt von mir: einer Person, die auf der ganzen Welt unterwegs ist, aber dennoch weiß, wann es Zeit ist, nach Hause zu gehen, sich zu erden und neu zu ordnen. Bei ‚Better With Time‘ spricht genau dieser Typ mit der Liebe seines Lebens. Es ist ein Moment der Dankbarkeit.“

Neben acht eigenen Songs sind auch zwei Coverversionen auf dem Album enthalten. „Ich wurde gebeten, an einer Veranstaltung zu Ehren von Joe Walsh teilzunehmen.“, führt er fort. „Jeder musste sich für ein paar Songs entscheiden. Ich bin ein Katalogtyp und grabe gerne nach versteckten Diamanten. Bei YouTube stieß ich auf „Turn To Stone“ und schaute mir das Video immer wieder an. Wir haben diesen Song bei der Veranstaltung gespielt und es kam so gut an, dass wir es im Studio noch einmal komplett live eingespielt haben.

Über das Bufallo Springfield-Stück ‚Mr. Soul erzählt der Gitarrist: „Stephen wollte mich und Neil Young gemeinsam bei einer Autismus-Benefizshow auf die Bühne bringen. Ich hatte ‚Mr. Soul’ im Hinterkopf und es wurde ein spektakulärer Moment. Auf dem Album möchte ich diesem besonderen Moment und dieser Erfahrung Tribut zollen.“

Auch wenn er sich inzwischen selbst zwischen Legenden bewegt, möchte der bescheidene Shepherd nicht im gleichen Atemzug mit den Bluesgrößen genannt werden, mit denen er 2007 im Platin-ausgezeichneten und Grammy nominierten Dokumentarfilm „10 Days Out: Blues From The Backroads“ zusammen gearbeitet hat. Trotzdem akzeptiert er, dass die alte Garde mehr und mehr verblasst und er allmählich das Zepter übernehmen muss. „Die Realität ist: je älter ich werde, verschwindet die vorangegangene Generation an Blueskünstlern. Niemand lebt ewig. Wenn ich lange genug lebe, komme vielleicht auch ich in die Kategorie der Elder Statesmen des Blues. Für jeden in dieser Position ist es Pflicht, seine Musik weiterzugeben und das Genre lebendig zu halten.

Für Shepherd bedeutet das auch, weiter zu reisen. „In Bewegung zu sein, ist nur ein Teil dessen, wer ich bin und was ich tue“, sagt er. „Nun, da das Album fertig ist, wird es bald Zeit, wieder auf Tour zu gehen. Ich werde nicht untätig herumsitzen. Ich möchte in Bewegung bleiben, weiter erschaffen und das tun, was ich liebe – so lange ich es kann… “

Facts zum neuen Album “Kill Or Be Kind” (am 20.09.2019 bei Rounder/in-akustik erschienen):

Die genresprengende US Gitarristin, Sängerin und Songwriterin Samantha Fish veröffentlicht am 20. September in Deutschland ihr mit Spannung erwartetes neues Werk “Kill Or Be Kind” (in-akustik). Es ist das erste Album der 30-Jährigen beim legendären Nashville Label ROUNDER.

Samantha fasziniert das Publikum rund um den Globus mit ihrer zündenden Live-Performance – und begeisterte unlängst auch in Deutschland mit ihrem sensationellen Gitarrenspiel und fulminanten Liveshow. Mit „Kill Or Be Kind“ schickt sich die „Wonder Woman“ aus Kansas City an, den ganz großen internationalen Durchbruch zu schaffen!

Das vibrierende Album wurde in den Royal Studios in Memphis aufgenommen und vom dreifachen Grammy-Gewinner Scott Billington produziert; abgemischt wurde es schließlich vom zweifachen Grammy-Sieger Steve Reynolds.
Das Album beeindruckt mit elf Songs, die von der stampfenden neuen Single „Bulletproof“ (gespielt auf einer Electric Cigar Box) bis hin zum süßen Memphis R&B Song „Trying Not To Fall In Love With You“ reichen. Keine Frage: Dieses Album wird Frau Fish als kraftvolle Macht in der Roots Music etablieren.

Die begnadete Gitarristin aus Kansas City flirtet auf „Kill Or Be Kind“ ganz ungeniert und selbstverständlich mit dem traditionellem Blues ihrer Heimat, verschiebt dabei die Grenzen des Genres jedoch hin zu ihrem ganz eigenen, unverkennbaren Sound. So stößt der Memphis Soul Song „She Don´t Live Here Anymore“ durch das eindringliche Vibrato der Gitarre dicht an die Grenze zur County Music. „Love Your Lies“ hingegen überzeugt durch einen Spagat aus Punk, Rockabilly und Soul,während „You Got It Bad (Better Than You Ever Had“) als klassischer Blues Rocker punktet.

Die Vorgeschichte…

Ihre Karriere begann zwar erst 2009, aber es dauerte nicht lange, bis sich Samantha Fish als eine der aufstrebenden neuen Künstler im aktuellen Blues-Universum etablieren konnte. Seitdem hat sich die charismatische junge Sängerin, Gitarristin und Songwriterin einen exzellenten Ruf als talentierte Musikerin und kraftvolle Live-Künstlerin erspielt. Eine Reihe von Alben wurde von Kritikern und Fans gleichzeitig gefeiert; womit einmal wieder bewiesen wäre, wie ein ruheloser kreativer Geist konstant in neue und aufregende musikalische Richtungen führen kann.

Die altehrwürdige ‘New York Times’ bezeichnete Fish zu Recht als „eine beeindruckende Blues-Gitarristin, die mit süßer Kraft” singe, sie sei eines der „vielversprechendsten jungen Talente des Genres“. In ihrer Heimatstadt befand ‘The Kansas City Star’, dass „Samantha Fish die Türen des patriarchalischen Blues-Clubs eingetreten” habe und bescheinigte außerdem, dass die junge Künstlerin „mehr Vorstellungskraft und Kreativität an den Tag legt als manche Blues-Veteranen während ihrer gesamten Karriere.“

Ihre bisherigen Werke ließen schon vermuten, dass Fish mehr daran interessiert ist, ihrem Herz zu folgen als vergangene Triumphe zu wiederholen. Auch auf „Belle Of The West”, dem fünften Studio-Album, überzeugt Samantha Fish einmal mehr mit großartiger Qualität. Die elf Songs lassen tief in die Persönlichkeit der Sängerin blicken und haben den Soul quasi implantiert. Dabei sind es diesmal vor allem ihre außergewöhnlichen Fähigkeiten an der akustischen Gitarre, die Fish grandios in ihr emotionales Songwriting einfließen lässt.

Auf der einen Seite stehen die neuen Eigenkompositionen wie ‚American Dream‘, ‚Blood In The Water‘, ‚Need You More‘ und ‚Don’t Say You Love Me‘, die ihr Talent für klassisches Americana-Songwriting unterstreichen. Auf der anderen Seite gibt es gleich drei Coverversionen: R.L. Burnsides ‚Poor Black Mattie‘, Lillie Maes ‚Nearing Home‘ und der von Jimbo Mathus geschriebene Titelsong. So etwas macht nur, wer die Kompetenz des Covern verinnerlicht hat. Abgesehen davon sind die Stücke auch Beispiele für ihren beeindruckend breitgefächerten Musikgeschmack.

„Für mich ist das Ganze eine natürliche Entwicklung“, bemerkt Fish dazu. „Die Scheibe ist eine Sammlung voller Geschichten eines Mädchens aus dem Mittleren Westen. Sie ist sehr persönlich. Ich habe mich diesmal hauptsächlich auf das Songwriting, den Gesang, die Melodien und die Gefühle konzentriert, um meinen Songs eine andere Dimension hinzuzufügen. Ich hatte keine Lust, nur auf der Gitarre zu schrammeln, obwohl wir auch ein paar härtere Stücke dabei haben. Ich liebe den alten Mississippi-Blues; in ihm steckt so viel Soul und so viel Echtheit, also habe ich die Chance wahrgenommen, tief in dieses Genre einzutauchen.”

Aufgenommen hat Fish „Belle Of The West“ in der entspannten, ländlich-kreativen Atmosphäre der legendären Zebra Ranch Studios in den North Hills von Mississippi. Produzent war erneut Luther Dickinson (bekannt als Frontmann der North Mississippi Allstars), mit dem sie schon auf „Wild Heart“ (2015) zusammengearbeitet hat. Im Studio gesellten sich dann noch einige der renommiertesten Musiker der Region dazu: unter ihnen natürlich auch Dickinson, dann die Solokünstlerin und Jack White-Kollegin Lillie Mae (deren unverkennbare Stimme man auf ‚Nearing Home‘ hört). Außerdem mit dabei: der bekannte und weitgereiste Blues-Künstler Lightnin’ Malcolm (zu hören auf ‚Poor Black Mattie’), der Squirrel Nut Zippers-Gründer Jimbo Mathus, die Kontra-Bassistin und Solokünstlerin Amy LaVere, Tikyra Jackson, Trina Raimey und Shardé Thomas, Enkelin der legendären Südstaaten-Blues-Ikone Otha Turner.

„Ich wollte diese Platte sowohl mit akustischen als auch mit elektrischen Gitarren machen, um den Stil und die damit verbundene Einzigartigkeit von Mississippi einzufangen”, erklärt Fish und fügt hinzu: „Jedes Mal, wenn man sich auf einen anderen Ort, einen anderen Vibe oder neue Menschen einlässt, fordert man sich selbst heraus, musikalisch zu wachsen. Ich habe mich sofort auf der Zebra Ranch zuhause gefühlt. Luther und Malcolm kenne ich seit Jahren, also war es im Prinzip eine sehr komfortable Situation. Wenn du eine Platte wie diese machst, dann muss es sich natürlich anfühlen, damit du die Leute auch erreichen kannst.“

„Belle Of The West” ist übrigens der Nachfolger von „Chills & Fever”, das sich im März 2017 in den Top 10 der US-Billboard Blues-Charts platzieren konnte. Auf diesem Album hat sie sich einem stilistisch völlig anderen Genre zugewandt und mit einer Reihe von weniger bekannten alten R&B-Stücken experimentiert. Hilfe und Unterstützung kam dabei von Mitgliedern der Garagen-Soul-Band The Detroit Cobras. „Zwei so verschiedene Alben nacheinander herauszubringen ist sehr befreiend gewesen”, freut sich Samantha.

Die kreative Kraft hinter „Belle Of The West“ und „Chills & Fever“ ist von Beginn an ein ausschlaggebendes und entscheidendes Element in der Karriere von Samantha Fish gewesen. Aufgewachsen ist sie in einer musikalischen Familie in Kansas City/Missouri. Schon früh spielte Musik eine wichtige Rolle in ihrem Leben: Sie startete am Schlagzeug, um dann mit 15 an die Gitarre zu wechseln. Im Alter von 20 Jahren gründete sie ihre erste Band, ein Trio, und veröffentlichte ihr erstes Album in Eigenregie. Das wiederum machte das renommierte Blues-Label Ruf Records auf sie aufmerksam, das dann 2011 eine Compilation namens „Girls With Guitars“ auf den Markt brachte, auf der sie mit ihren Kolleginnen Cassie Taylor und Dani Wilde vertreten ist. Im selben Jahr noch erschien ihr Solo-Debüt „Runaway“. Bei den Blues Musik Awards 2012 in Memphis wurde es zu Recht als ‘Best Artist Debut’ ausgezeichnet.

„Black Wind Howlin’“ folgte 2013, 2015 schließlich das erwähnte „Wild Heart“. Beide Alben wurden ebenfalls euphorisch von der Kritik gefeiert und etablierten Fish als prominente Persönlichkeit in der Blues-Community. „Wild Heart“ erreichte dabei sogar die Spitze der US- Billboard Blues-Charts. 2013 arbeitete sie außerdem noch mit den Blues Rock-Veteranen Jimmy Hall und Reese Wynans zusammen, das Projekt nannte sich The Healers. Im selben Jahr jammte sie auf der Bühne mit Blues-Ikone Buddy Guy und war als Gastmusikerin auf Devon Allmans „Turquoise“-Album zu hören.

Trotz all dieser Erfolge bleibt Fish bei demselben Ansatz wie zu Beginn ihrer Karriere: hart arbeitend und produktiv. „Ich denke, ich hatte das schon immer im Blut“, sagt sie dazu. „Musik ist mein Leben, also welche andere Option habe ich denn, als da rauszugehen und Musik zu machen? Wir touren ziemlich viel, und vielleicht ist es auch ein wenig verrückt, in nur einem Jahr zwei so dermaßen unterschiedliche Alben herauszubringen. Aber ich mag es, hart zu arbeiten. So bin ich nun mal, und das mache ich. Wenn ich schreibe, aufnehme und toure, fühle ich mich am ehesten wie mich selbst. Und jetzt ist der Moment gekommen, an dem die Leute auf mich aufmerksam werden. also muss ich das Beste daraus machen. Ich habe das Gefühl, gerade jetzt viel sagen zu müssen, warum sollte ich es also nicht tun?“

Wenn es nach Samantha Fish geht, dann ist ihre musikalische Zukunft offen. „Ich werde nie ein traditioneller Blues-Künstler sein, weil ich das nicht bin“, bekräftigt sie. „Aber Blues ist alles für mich. Als Muddy Waters und Howlin’ Wolf bekannt wurden, klang ihre Musik wie nichts aus der Vergangenheit des Blues. Man sollte diese Art von Antrieb und Mut beibehalten. Ich werde niemals Muddy Waters besser spielen als Muddy Waters, also bleibe ich lieber diejenige, die ich bin.”

Website Samantha Fish

“His voice stands above all others in the field. Quite simply, Marc Broussard is the reason they invented soul music.”- PerformerMag.com
“A blue eyed soul singer with a broad, soulful voice nicely scraped around the edges. – The Washington Times

Marc Broussard ist ein US-amerikanischer Singer-Songwriter, dessen musikalischer Stil auch als “Bayou Soul“ beschrieben wird, da er Elemente aus Rock, Country, Blues, R&B und Soul miteinander vereint. Einen wesentlichen Einfluss haben jedoch seine “Southern Roots“, denn Broussard wuchs als Sohn eines Gitarristen in Carencro, Louisana auf. Mit 5 Jahren hatte er seinen ersten Auftritt, als er eines Tages einfach mal „Johnny B. Good“ in der Band seines Vaters raushaute!

Seit er 18 ist, lebt der mittlerweile 38-Jährige von der Musik und spielt bis zu 150 Konzerte pro Jahr. Er tourte mit Musiklegenden wie Dave Matthews Band, Zac Brown, Huey Lewis oder Bonnie Raitt und ist der Protagonist auf dem aktuellen Allman Brothers Tribute Album. Für den Sommer 2021 sind einige Auftritte zusammen mit seinem Kumpel Joe Bonamassa geplant.

Seine Liebe zum Soul dokumentierte er auf beeindruckende Weise auf dem Charity Album „S.O.S. 2: Save Our Soul, Soul on a Mission“, wobei sich der Akustikclip von „Cry to me“ mit mehr 20.0 Millionen Youtube Views bereits zu einem veritablen Hit entwickelt hat. Natürlich darf dieser Song, ebenso wie sein grösster US Hit „Home“, auf den Live Shows nicht fehlen.

Für Marc Broussard steht dieser in Walnussbaumrinde geräucherte Song, der ihn über die Jahre begleitete, für alles, was ihm wichtig erscheint – Southern Roots der alten Schule, Heimat, Freunde, Familie, Erdverbundenheit und Authentizität.
Bei seinen Shows spürt man die Hitze des Südens und Marc Broussard lässt uns teilhaben an seiner, ihm in die Wiege gelegten Leidenschaft, mit der er sein abwechslungsreiches Repertoire interpretiert und die Genre verschmelzen lässt.

Die neuen Termine :
Marc Broussard | The Southern Roots Tour
06.10.21 | Hamburg, Downtown
07.10.21 | Köln, Kulturkirche
08.10.21 | Aschaffenburg, Colos Saal
09.10.21 | München, Strom
10.10.21 | Dortmund, Piano
12.10.21 | Münster, Hot Jazz Club
13.10.21 | Isernhagen, Blues Garage

> zur Website der Band

Before Mötley Crüe, before RATT, even before there was a Metallica, Y&T was slogging away in sweaty rock clubs around America. When the band formed in the early 1970s, little did they know they would set the standard for hard rock bands that trailed. Many of the biggest acts of the ’80s became popular opening for headliners Y&T—and cut their teeth on the band, as evidenced by the Y&T mentions in tell-all books by acts such as Metallica and Mötley Crüe.

Born in Oakland, California, Y&T is one of the San Francisco Bay Area’s own innovators of the hard rock sound. Whether performing to a festival crowd of fifty-thousand or in an intimate nightclub, Y&T’s high-energy set and passionate performances still captivate legions of fans around the globe, proving Y&T’s music timeless.

Originally formed as Yesterday and Today, the initial powerhouse quartet—featuring Dave Meniketti (lead guitar/lead vocals), Phil Kennemore (bass), Leonard Haze (drums), and Joey Alves (rhythm guitar)—tore through the ’70s and ’80s with their own brand of hard rock. After two ’70s albums on London Records, they shortened their name to Y&T and released eight albums on A&M in the ’80s. Two more albums with Geffen Records marked an era of change with Jimmy DeGrasso (Alice Cooper, Suicidal Tendencies, Megadeth) on drums and Stef Burns (Alice Cooper, Berlin, Huey Lewis) on guitar.

With a discography of 18 albums, three greatest hits collections, plus a boxed set, Y&T has sold over four million albums since their 1974 inception. The band’s most recent single I’m Coming Home has climbed to roughly 1.5 million views on YouTube. Y&T received extensive airplay with hits such as Forever, Rescue Me, Mean Streak, Don’t Stop Runnin’, and Summertime Girls—which played in heavy rotation on MTV. Y&T songs have been featured in a multitude of movies and television shows, including Real Genius, Out of Bounds, Baywatch, and Hunter. After five top 100 albums, songs that tipped into the 40s, two Bammie Awards, and many international television appearances, Y&T’s hits are still played on VH1 Classic and classic rock radio stations worldwide.

With the passing of Kennemore, Haze, and Alves, it’s Meniketti who carries on the legacy that is Y&T.  Y&T continues to tour the world, featuring the dynamic original frontman Dave Meniketti (lead guitar/lead vocals), John Nymann (guitar/vocals), Aaron Leigh (bass/vocals), and Mike Vanderhule (drums/vocals), playing songs that span the band’s five-decade career and including all the hits and fan favorites. Prepare to have your face melted.

Khemmis is an American doomed heavy metal band from Denver, Colorado.

Their debut record, ‚Absolution,‘ earned the four-piece outright critical praise from the underground, including a slot on Decibel Magazine‘s “Top 40 Albums of the Year” list, which allowed them to start seeping into the mainstream consciousness. 2016’s ‚Hunted‘ helped break down those final barriers in the USA, earning Khemmis more widespread recognition, ranging from glowing reviews at Metal Sucks, Metal Injection and Pitchfork, to earning them a spot in Rolling Stone‘s “20 Best Metal Albums of 2016” list and Decibel‘s highly sought after Album of the Year accolade.

With their latest full-length record ‚Desolation,‘ Khemmis have finally reached a more international audience, winning over hearts and minds across the globe. Though undeniably influenced by doom and classic metal, to tag the quartet with those labels doesn’t do justice to what they’ve accomplished. Theirs is a perfect representation of modern heavy metal that integrates the past in a way only possible with the faculty of hindsight. The album earned widespread critical praise from the global metal press and marked the band’s first appearance on the Billboard charts.

Moreover, the band remains hard at work writing the follow up to ‘Desolation,’ which will be their first worldwide release with Nuclear Blast.

Discography:

2013: Khemmis (EP, self-released)
2015: Absolution (Album, 20 Buck Spin)
2016: Hunted (Album, 20 Buck Spin)
2017: Empty Throne (Single, Decibel)
2017: Fraught with Peril (Split EP with Spirit Adrift, War Crime Recordings)
2018: Desolation (Album, 20 Buck Spin (USA)/Nuclear Blast (international))
2020: Doomed Heavy Metal (EP, 20 Buck Spin (USA)/Nuclear Blast (international))

IRON WALRUS:

IRON WALRUS have made a name for themselves in the doom / sludge / metal scene. After 2 major European tours with CROWBAR (2014 & 2015), the German shows with ROOTS (Cavalera Brothers), OBITUARY, SODOM, TROUBLE, ST.VITUS, MANTAR & PENTAGRAM as well as appearances at Desert Fest London, Hammer of Doom,  the Rockavaria Festival and the Stoned From The Underground Festival – they caused a lot of open mouths and sweaty hair. At the end of 2020, Iron Walrus will release their successor album.

Discography:

2014 Insidious Black Sea (Album, Redfield/Alive)
2015 The Plague (Album, Redfield/Alive)
2017 A Beast Within (Album, Redfield/Alive)

The Ruts were a reggae-influenced British punk rock band, formed in 1977 at the height of the Punk revolution. They finally released their first single ‘In A Rut’ in early 1979 on the People Unite label . This 7” vinyl was much played and highly regarded by the UK BBC Radio 1 D.J, John Peel. From then on and over the years, the record rightly became what can be considered to be a Punk anthem.

There were more to follow, with the singles ‘Babylons Burning’,’ Something that I Said’, ‘Jah War’ (all from the debut album ‘The Crack’) and ‘Staring at the Rude Boys’, ‘West One’ (both featured on the album ‘Grin and Bear It’).The band were quickly established as a major force in U.K music, but by 1980, The Ruts were over. The 3 remaining Ruts felt that they had to continue with their mission.
To differentiate between incarnations, they added the initials D.C (Da.Capo) – a musical term for back to the beginning. After 2 albums – ‘Animal Now’ and later ‘Rhythm Collision Volume 1’ with legendary dub producer “Mad Professor” they parted ways to follow their own musical paths.

And so it remained until 2007 when sad news of Paul Fox’s illness brought them back together. It was decided to do “One last gig”. With Henry Rollins taking over the lead vocals, the set of timeless classics served as both a celebration of Foxy’s unique talent but also as a belated tribute to original vocalist Malcolm Owen. See the gig here.

The second circle was complete.

⇒ Website der Band

EZIO kündigt ein Best-Of Album und für Herbst 2021 endlich wieder eine Tournee durch Großbritannien und Deutschland an – natürlich unter der Voraussetzung, dass der pandemiebedingte Stillstand ein Ende hat.

Das erste Konzert nach dem Lockdown sollte ein gutes sein. Mit einem Ticket für die britische Folk-Band EZIO, gefeiert für ihre live Qualitäten, ist die Chance für einen grandiosen Abend groß. Die Band EZIO um Sänger und Songwriter Ezio Lunedei sowie Gitarrist und best Buddy Mark „Booga” Fowell erspielte sich seit ihrer Gründung 1990 eine große und treue internationale Fangemeinde. Ihre Performances haben den Ruf aufregend, dynamisch und mit viel Energie, Humor und emotional aufgeladen zu sein. Mundpropaganda vergrößerte die Aufmerksamkeit für die rund um den Globus tourende Band enorm.

Acht Studioalben hat EZIO in dieser Zeit veröffentlicht. Von dem von der Kritik gefeierten Album „Black Boots on Latin Feet“ von 1995 (Arista/Ariola, produziert von dem verstorbenen Rupert Hine), über „Diesel Vanilla“ (MCA Universal, produziert von Peter Van Hooke und Rod Argent) bis hin zur neuesten Veröffentlichung „Daylight Moon“.

Hundred Seventy Split ist ein neues High-Energy Blues/Rock Trio bestehend aus Joe Gooch (git/voc), Leo Lyons (bass) und Damon Sawyer (drums).

Die Band wurde 2010 von Basser und „Woodstock Legende“ Leo Lyons ins Leben gerufen, der zusammen mit Alvin Lee bereits als Mitbegründer von Ten Years After Pate stand. Nach dem Ausstieg von Alvin Lee spielte Joe Gooch elf Jahre lang bei TYA. Leo und Joe bildeten bereits bei TYA ein Songwriting-Duo und führten ihre Zusammenarbeit fort, als sie beide im Jahr 2013 TYA verließen. Der Dritte im Bunde ist Schlagzeuger Damon Sawyer, ein gefragter Studiomusiker und Produzent, der mit zu vielen namhaften Künstlern gespielt hat, um hier alle aufzählen zu können.

Das Debut von Hundred Seventy Split „The World Won’t Stop“ erschien im Jahre 2010. Ein zweites, selbstbetiteltes Album wurde im Februar 2014 veröffentlicht. Das Doppel-Live-Album „The Road“ erscheint im Februar 2015 und stieg auf Platz 1 der Amazon Deutschland „New Blues Charts“. Die CD ist ein Mix aus HSS Songs sowie den großen TYA Hits.

Live präsentiert die Band in ihrem Set die neuen Songs, gepaart mit den HSS-Standards sowie TYA-Klassiker. Hundred Seventy Split wurde gegründet, um außerhalb der Grenzen von Ten Years After kompromisslos zu rocken.

Mit einem vielversprechenden neuen Studio-Album geht die Henrik Freischlader Band im Herbst 2020 auf Tour und freut sich darauf, überall dort zu spielen, wo handgemachte Musik noch gefragt ist. Abseits jeglicher Inszenierungen und Showelemente darf sich das Publikum auf eine Band freuen, die jeden Abend musikalisch neu und anders gestalten kann, und die Tradition des Blues durch die Flexibilität jedes Einzelnen sensibel in die heutige Zeit überführt.

Henrik Freischlader hat sich in den vergangenen 15 Jahren seinen Platz in der Bluesszene erspielt. Mit 9 Studio- und 6 Livealben, gemeinsamen Auftritten mit BB King, Gary Moore, Peter Green und Johnny Winter, sowie unzähligen Konzerten in kleinen und großen Clubs, hat sich der Autodidakt seinem Publikum vorgestellt und freut sich heute über eine treue Fangemeinde.

Moritz Meinschäfer (Schlagzeug), Armin Alic (Bass), Roman Babik (Hammond Orgel) und Marco Zügner (Saxophon) komplettieren seit zwei Jahren eine Band, die sich auch abseits der Bühne als eine Gemeinschaft versteht. Die Freude am Zusammenspiel, der Spaß an Dynamik und Improvisation und ganz besonders die Liebe zum kleinsten Detail zeichnen die fünf Musiker aus. Die rockige Ausrichtung früherer Tage trifft auf moderne und mitreißende Grooves und leidenschaftliche Soloeinlagen der einzelnen Musiker.

„Wenn eine Band es schafft, 20 Minuten lang bei Zimmerlautstärke über ein Drei-Ton-Riff so intensiv zu improvisieren, dass nicht eine Sekunde Langeweile aufkommt und das Publikum so mucksmäuschenstill zuhört, dass man eine Gitarrensaite hätte fallen hören können – dann ist das große Kunst.“ Uwe Plien, RP Online

Besetzung:
Henrik Freischlader – Gitarre & Gesang
Roman Babik – Orgel & Keyboards
Moritz Meinschäfer – Schlagzeug
Marco Zügner – Saxophon
Armin Alic – Bass

Randy Hansen – Guitar, Vocal
UFO Walter – Bass, Backing Vocal
Manni von Bohr – Drums                  

Seit Jimi Hendrix´ Tod im Jahre 1970 gab es immer wieder Musiker, die versuchten, seine Musik so identisch wie möglich zu interpretieren. Doch so richtig gelang es keinem, bis Randy Hansen in den 80ern auftauchte.

Überraschenderweise ist er tatsächlich in der Lage, Jimi´s original Gitarrensounds verblüffend exakt nachzuempfinden. Aber damit nicht genug; wenn er singt,
meint man, Jimi´s Stimme zu hören. Randy Hansen hat Jimi Hendrix sozusagen bis ins Detail „studiert“. Nicht umsonst wird er von Musikkritikern -und Magazinen in der ganzen Welt als Reinkarnation von Jimi Hendrix betitelt. Wie ein Derwisch fegt das Energiebündel über die Bühne und zieht das Publikum, mit seinem „waffenartigen Sound“ in seinen Bann.

Bereits als Zwölfjähriger hörte er das erste Hendrix Album „Are You Experienced“.
Sein Ehrgeiz, sich Jimi´s außergewöhnliche Feedback-Sounds `draufzuschaffen` sollte sein weiteres Leben bestimmen. Mittlerweile in den USA hinreichend bekannt, tourte er mit vielen bekannten Musikern und Bands, unter anderem Jethro Tull, Ritchie Blackmore, Buddy Miles, John Mellencamp, Bob Seger, den Beach Boys, Mitch Mitchell und vielen
anderen.

Auch am Soundtrack von Francis Ford Coppola´s Antikriegsfilm “Apocalypse Now“ hat Hansen mitgeschrieben. Sein Debüt in Deutschland feierte Randy, als auch Uli Jon Roth von den Scorpions von Randy so begeistert war, dass er ihn für sein Konzert zu Ehren Jimi Hendrix engagierte, welches in Kölner E-Werk stattfand und vom WDR aufgezeichnet wurde. („Tribute to Jimi Hendrix“). Es läuft immer wieder auf deutschen TV-Sendern.

Inzwischen hat Randy, der es wie kein anderer vermag „his whole body and soul“ in seinen Gitarren Sound einfließen zu lassen in ganz Europa diverse Fernsehshows sowie unzählige Live-Gigs absolviert, und sich so eine feste Fangemeinde aufgebaut.

Sowohl in den USA als auch in Europa ist er zu einer Kultfigur geworden. Seine Konzerte werden nicht nur von Hendrix Fans sehnsüchtig erwartet und frenetisch gefeiert und sind vor allem in Europa und speziell in Deutschland immer regelmäßig gut besucht bis ausverkauft.

Auch Randy Hansen´s Band ist hinreichend bekannt in der deutschen Rockszene. Mit von der Partie sind nämlich Manni von Bohr, früher an den Drums bei der Krautrock-Institution Birth Control und Redakteur beim bekannten Magazin Drums & Percussion und UFO Walter am Bass, der langjährige Bassist von Marla Glen.

Jethro Tull´s MARTIN BARRE & Band
Aqualung 50th Anniversary Tour

Während dieser Tour werden Jethro Tull-Gitarrist Martin Barre und seine Band das legendäre Jethro Tull-Album Aqualung in seiner Gesamtheit aufführen. Die Show wird auch andere Tull-Klassiker sowie andere Überraschungen beinhalten.

Martin Barre war von 1968 bis 2012 Gitarrist bei Jethro Tull. Barre´s Sound und Spiel waren zweifellos ein wesentlicher Faktor für ihren Erfolg. Martin´s Gitarrenspiel auf dem Titeltrack „Aqualung“ des Aqualung-Albums wurde zu einem der 20 besten Gitarrensoli aller Zeiten gewählt (MusicRadar, Guitar World und viele andere). 1988 erhielt er für sein Spiel auf dem Album Crest of a Knave einen Grammy Award.

Neben zahlreichen Jethro Tull-Alben arbeitete Martin mit vielen anderen Künstlern zusammen, darunter Paul McCartney, Phil Collins, Gary Moore, und teilte Bühnen mit Legenden wie Jimi Hendrix, Led Zeppelin und Pink Floyd.

Im Jahr 2021 feiert Jethro Tull das 50. Jubiläum ihres wegweisenden Albums Aqualung. Aqualung brachte Jethro Tull an die Spitze der Mainstream-Rock-Arena wie kein Album zuvor oder seitdem. Zum Gedenken an diesen großen Meilenstein werden Martin und seine Band das gesamte Album sowie andere Klassiker aus dem Tull-Katalog aufführen. Die Band von Martin Barre verpflichtet sich, den Tull-Fans und einem breiteren Publikum die Möglichkeit zu geben, Tracks zu hören, die seit vielen Jahren nicht mehr aufgeführt werden.

An introduction…

1969 kam eine Gruppe von vier englischen Musikern nach New York und eroberte Amerika buchstäblich im Sturm. In den nächsten 50 Jahren hat diese legendäre Band über 65 Millionen Plattenverkäufe und eine Anhängerschaft treuer Fans gesammelt, um die sie Rockbands weltweit beneiden! Diese Band war Jethro Tull.

Aqualung, wahrscheinlich das berühmteste aller Alben von Jethro Tull, feiert nun 50 Jahre seit seiner Veröffentlichung im Jahr 1971. Im Zentrum von Tulls einzigartigem Sound steht der Gitarrist Martin Barre, der für seine beeindruckende Beherrschung historischer Riffs und Power Akkorde und hochfliegende melodische Soli bekannt ist.

Martin feiert den 50. Jahrestag der Veröffentlichung des legendären Albums Aqualung mit einer weltweiten Tournee im Jahr 2021. Zu den Territorien gehören Südamerika, USA, Kanada und Europa. Mit seiner Tourband The Martin Barre Band wird er eine spektakuläre Show bringen, die das gesamte Album spielt – mit Dan Crisp am Lead-Gesang, Alan Thomson am Bass und Darby Todd am Schlagzeug.

Martin Says:

“Aqualung war das Album, das Tull definierte. Prächtige Melodien, große Dynamik und Power-Riffs in Hülle und Fülle. Akustik traf Elektrik … und alles funktionierte”.

Die Jubiläumstour wird eine einmalige Gelegenheit sein, sich zurückzulehnen und dieses legendäre Album noch einmal zu erleben, das zum ersten Mal vollständig und nacheinander gespielt wird.

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Martin Barre

Martin Barre war über 43 Jahre lang Jethro Tulls Gitarrist. Sein Sound und sein Spiel waren ein wesentlicher Faktor für ihren Erfolg. Die Albumverkäufe haben 60 Millionen Einheiten überschritten und werden weiterhin weltweit gespielt, was einen wichtigen Teil der klassischen Rockgeschichte darstellt.

Martins Gitarrenspiel hat ihm ein hohes Maß an Respekt und Anerkennung eingebracht. Seine Soli wurden für sein Spiel auf Aqualung zum 25. besten Solo aller Zeiten in den USA und zum 20. besten Solo aller Zeiten in Großbritannien gewählt. Sein Spiel auf dem Album Crest of a Knave brachte ihm 1989 einen Grammy ein.

Neben zahlreichen Jethro Tull-Alben hat Martin mit vielen anderen Künstlern wie Paul McCartney, Phil Collins, Gary Moore, Joe Bonamassa und Chris Thompson zusammengearbeitet und die Bühne mit Legenden wie Jimi Hendrix, Fleetwood Mac, Pink Floyd und Led geteilt Zeppelin.

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Martin Barre Social/Web

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Glasgow Blues Rockers KING KING are pleased to announce their first concert dates for 2020 with a German Tour as part of a full European run to co-incide with the release of a new album in the spring of 2020.

KING KING who feature Alan Nimmo on Lead Vocals & Guitar, Jonny Dyke on Keyboards, Zander Greenshields on Bass and Andrew Scott on Drums were formed in Scotland in 2008 and have released four critically acclaimed studio albums plus a double live album & DVD.

Alan Nimmo “We are really looking forward to our return to Germany as part of our spring 2020 tour. A new year, new songs.. and possibly a new kilt!!!”

The Tour dates are as follows:

Sun 19^th April – Downtown, Hamburg DE
Mon 20^th April – Harmonie, Bonn DE
Tue 21^st April – OFF
Wed 22^nd April – Rosenhof, Osnabruck DE
Thu 23^rd April – Piano, Dortmund DE
Fri 24^th April – Ducsaal, Freudenburg DE
Sat 25^th April – Die Halle, Reichenbach DE
Sun 26^th April – OFF
Mon 27^th April – Ampere, Munich DE
Tue 28^th April – Spectrum, Augsburg DE
Wed 29^th April – Hirsch, Nurnberg DE
Thu 30^th April – Colos Saal, Aschaffenburg DE
Fri 1^st May – OFF
Sat 2^nd May – Jazzhaus, Freiburg DE
Sun 3^rd May – Museumskeller, Efurt DE
Mon 4^th May – Frannz, Berlin DE

Demon’s Eye – „In Rock“-Tour 2020 

„Deep Purple in Rock“- sämtliche Songs des Klassikers endlich wieder live!
Demon’s Eye zelebrieren als Nr. 1 der Deep-Purple-Tribute-Bands das 50. Jubiläum des Jahrhundertalbums „Deep Purple In Rock“!

2020 jährt sie sich zum 50. Mal – die Veröffentlichung von „Deep Purple In Rock“! Das runde Jubiläum des 1970 erschienenen Meisterwerks nehmen Demon’s Eye zum Anlass für eine ganz spezielle Tournee. Im ersten Konzertteil führt „Europas Deep-Purple-Tribute-Band Nr. 1“ das komplette Album inklusive der Outtakes auf. Anschließend bringt das spieltechnisch virtuose Quintett, das bereits mit Ian Paice (Schlagzeug) beziehungsweise Jon Lord (Keyboards) aufgetreten ist und von beiden Deep-Purple-Ikonen in den höchsten Tönen gelobt wurde, weitere Highlights aus der Karriere der 1968 gegründeten britischen Hardrock-Ikone live auf die Bühne.

„Deep Purple in Rock“ gilt als eine der einflussreichsten Platten der Rockgeschichte. Für Purple bedeutete sie den weltweiten Durchbruch, das belegen alleine schon diverse Goldene Schallplatten. In Deutschland stand ihre vierte Studio-Scheibe zwölf Wochen auf Platz eins.

Ritchie Blackmores markante Gitarrenriffs in Verbindung mit Jon Lords klassischen Kadenzen auf der röhrenden Hammond-Orgel verbanden sich zu einer bis dato nicht gekannten Härte und Wucht. Nebenbei setzte sich Ian Gillan als ihr neuer Sänger insbesondere mit seiner ekstatischen Darbietung auf „Child in Time“ selbst ein Denkmal. Wenn es einen Tonträger gibt, der sinnbildlich für das Ende der Flower-Power-Ära steht, dann dieser epochale Geniestreich! Gute Gründe für Demon’s Eye, den Genre-Klassiker in all seinen Facetten live zu performen.

Die Tribute-Formation widmet sich bereits seit 1998 primär der Siebziger Jahre-Phase des Hardrock-Flaggschiffs und orientiert sich dabei am Sound des für viele Rockfans besten Live-Albums „Made in Japan“. Wie das Original so zeichnen sich auch Demon’s Eye durch furios improvisierte Gitarren- und Orgelduelle bei unbändiger Spielfreude aus. „Stets wird eine ganz besondere Magie erzeugt, der sich keiner entziehen kann“ (‚Rastatter Tagesblatt‘).

Angesichts der Tatsache, dass Deep Purple mit ihrer „The Long Goodbye-Tour“ seit Mai 2017 ihren Abschied von ausgedehnten Gastspielreisen eingeläutet haben, sind Demon’s Eye die legitimen Verwalter des live-musikalischen Erbes der weltberühmten Hardrocker. Das sieht auch Ian Paice so. Der Purple-Drummer bescheinigte Demon’s Eye auf einer Pressekonferenz „eine wundervolle Gruppe“ zu sein und sagte darüber hinaus: „Diese Jungs sind wirklich fantastisch. Sie wissen genau, was sie tun!“

Wer also „Child In Time“, „Speed King“ oder „Hard Lovin‘ Man“ von „In Rock“ sowie weitere Klassiker wie „Highway Star“, „Smoke On The Water“ oder „Burn“ authentisch erleben möchte, darf sich dieses Konzert nicht entgehen lassen. Allein schon deswegen, weil zahlreiche „In Rock“-Songs von Purple selbst live nicht mehr aufgeführt werden! Top-Qualität ist immer garantiert, denn Demon’s Eye sind ein Deep-Purple-Tribute-Act, der, laut „Mannheimer Morgen“, „vom Original nicht zu unterscheiden ist“.

5 DECADES OF CLASSIC ROCK – 2019 feierten EPITAPH ihr 50-jähriges Bandjubiläum.

Das Album „Long Ago Tomorrow“ ist der Höhepunkt einer langen Reise durch fünf Jahrzehnte Rock. Es ist ein sehr abwechslungsreiches und zugleich persönliches musikalisches Statement, von den Kellern des Fantasio über das Spukhaus der Black Hills bis zu den Wolkenkratzern von
Chicago. Dieses Album bringt all die Prüfungen, das Trübsal, die Erfolge und die gebrochenen Träume zusammen, die EPITAPH zu dem gemacht haben, was sie heute sind. – Eine Top-Classic-Rock-Band, die auch heute jede Bühne rockt!

Nur eine Handvoll Rockbands in Deutschland darf für sich den Zusatz „legendär“ beanspruchen. EPITAPH gehören dazu. Die 1969 gegründete Formation hat insbesondere in den 1970ern Musikgeschichte geschrieben. Als erste deutsche Band tourten sie mehrfach in den USA und produzierten in Chicago das 1974 veröffentlichte Album „Outside The Law“. Spätestens nach den Fernsehauftritten im Beat Club und im Rockpalast, war die Band in aller Munde. Gemeinsame Tourneen mit Joe Cocker, Rory Gallagher, Golden Earring oder auch ZZ-Top, sowie unzählige Festivalauftritte, machten EPITAPH zu einer der gefragtesten und kultigsten deutschen Rockbands.

Die Band veröffentlichte in den vergangenen 40 Jahren insgesamt 17 Studio- und Live-Alben. Zählt man die digitalen Re-releases dazu, sind es 22 Alben. Nachdem es in den 80ern und 90ern etwas ruhiger geworden war, meldeten sich EPITAPH im neuen Jahrtausend zurück. Die neuzeitlichen Studio-CDs
„Remember The Daze“, „Dancing With Ghosts“ und „Fire From The Soul“ sind Alben mit zeitloser Rockmusik. Die CD/DVD-Box „Live At Rockpalast“ mit allen drei (!!) Rockpalast-Konzerten, und den Beat-Club- Aufzeichnungen als Bonusmaterial, steht zur Freude der Fans in den Regalen. Der Konzertmitschnitt von 2013 „Still Standing Strong – Live At The Capitol“, ist als Doppel-DVD und als Doppel-CD erhältlich.

EPITAPH zeigen dort eindrucksvoll, dass sie jeden Saal zum Kochen bringen. Akustisch begeistern EPITAPH auf dem unplugged Album „The Acoustic Sessions“, welches unter den Top 100 Rock-Alben des Jahres 2014 Platz 31 im ECLIPSED Magazin belegte. Und das vor Bands und Musikern wie Foo
Fighters, Joe Bonamassa oder Legenden, wie Wishbone Ash. Weil EPITAPH auch unplugged erfolgreich sind, produzierte die Band 2016 „A Night At The Old Station“ eine Live-CD/DVD-Box. Das aktuelle Line-Up besteht aus den Gründungsmitgliedern Cliff Jackson (Gitarre/Gesang) und Bernd Kolbe (Bass/Gesang), sowie Heinz Glass (Gitarre), der auch schon in den 70ern zur Band gehörte. Am Schlagzeug sorgt Carsten Steinkämper für den nötigen Druck. Der Dortmunder absolvierte ein Schlagzeugstudium von 1997 bis 2001 am Conservatorium in Maastricht NL. Er spielte bereits in verschiedenen Formationen – u.a. auch bei EPITAPH. Carsten ersetzt den Schotten Jim McGillivray.

Seit fast 4 Jahrzehnten touren fünf Typen durch überfüllte Clubs, die mit zum Besten gehören, was die europäische Bluesszene zu bieten hat. Die Hamburg Blues Bandsteht für intensiven, clever arrangierten und live umwerfenden Roots Blues der regelmäßig Puristen ins mentale Wanken bringt. Denn die die Truppe um den oft mit Joe Cocker verglichenen Sänger Gert Lange, vermengt brettharten Gitarren-Bluesrock so spielfreudig wie traditionsbewusst mit Soul, Psychedelic, Rhythm & Blues, Boogie & sogar Ausflüge in Jazz Gefilde.1982 gründeten der Hamburger Sänger & der englische Saxophonist DickHeckstall-Smithim legendären Hamburger „Onkel Pö“ spontan nach einer Mitternachts Session die Hamburg Band Band. „Dick Heckstall-Smith war unser Schlüssel zur britischen Bluesszene, unsere Brit-Blues-Connection“. „Er war für uns das, was Alexis Korner für die Stones & viele andere war.“ so Lange heute. So verwundert es nicht, das die Band über die Jahre dann auch mit den Stars der Szene auf Tour war: Jack Bruce, Chris Farlowe, Mike Harrison, Arthur Brown und Gitarrenheroen wie Clem Clempson & Miller Anderson zu Bandmitgliedern wurden. „Wir hatten darüberhinaus das grosse Glück, dass DickHeckstall-Smith vor seinem Tod uns noch mit der Texter-Legende PeteBrown (Cream) zusammen brachte, der bis heute unsere Texte schreibt & auch ein weiterer gern gesehener Gast auf unseren Tourneen ist“.Hamburgs renommierter Blues/Rock Shouter Gert Lange, Stimme diverse Werbespots (u.a. Carlsberg Bier) sowie dem Titelsong des mit dem deutschen Filmpreises in Gold ausgezeichneten Roadmovies “Burning Life“ und die famose Rhythmustruppe, Trommler Hansi Wallbaum & Bassist Michael Becker(Spooky Tooth, Lake, Stoppok, Interzone, Chuck Berry, Westernhagen), kennt man als eine verschworene Bande, die mit einer konsequenter Durchschlagskraft arbeitet, ergänzt durch ihre Fähigkeit, Dynamik auf Abruf zu steuern und mit perfektem Harmoniegesang zu würzen. Unter dem Motto „Friends For A LIVEtime VOL.II“ ist die Hamburg Blues Band mit Freunden & Weggefährten auf grosser Tour. Die Stimme von Chris Farlowe erregte erstmals Mitte der Sechziger Aufmerksamkeit, als er mit dem von Mick Jagger & Keith Richards produzierten Rolling Stones Song “Out Of Time“, Platz 1 sämtlicher Hitparaden in Europa eroberte. Der allseits bekannte “Blues-Pavarotti“ (Good Times) war Sänger der Progressiv-Giganten Atomic Rooster & Colosseumderen Doppelalbum „Colosseum Live“ auch heute noch getrost als Juwel der Rockgeschichte bezeichnen kann. 1982 holte ihn Jimmy Page(Led Zeppelin) für die Filmusik zu dem Charles Bronson Film “Death Wish II“ & und zu dessen Soloalbum “Outrider“. Seid Mitte der 80er ist Chris mit eigener Band auf Tour, übernimmt jedoch immer wieder gerne Gastangebote bei anderen Formationen an – u.a. bei Van Morrison, den R&B Allstars & der Hamburg Blues Band mit Bandkumpel Clem Clempson. 1994 war Chris Farlowe Teil des groß angelegten Colosseum Comebacks bis zum Abschiedskonzert der Supergroup um Jon Hiseman im Februar 2015 im legendären Shepherd ́s Bush Empire in London. Als R&B Entertainer alter Schule versteht er es wie kein anderer Delta, Opera & New Orleans Scatgesang zu kombinieren.Namen wie Jimi Hendrix, Muddy Waters, Eric Clapton, Jeff Beck, Johnny Winter, Rory Gallagher oder auch Pete Townsend fallen, wenn von dem erst 23 Jahre alten Krissy Matthews die Rede ist. Sie alle sollen Pate für den Gitarren-Stil des jungen Ausnahme Gitarristen gestanden haben und in der Tat ist das Spiel von Matthews alles andere als eindimensional. Mal klingt er frisch und rau, dann wieder schräg und wild. Schon als Dreijähriger stand er zum ersten Mal auf der Bühne, im Alter von acht Jahren bekam er seine erste Gitarre und als Elfjähriger wurde er vom Blues erfasst. Ein Jahr später traf er John Mayall bei einem Auftritt in Norwegen, und der Gottvater des weißen Blues zögerte nicht lange und nahm den Zwölfjährigen mit auf die Bühne. Musikerkollegen, Kritiker sowie Presse sind voll des Lobes; „This guy is the real deal“ (Beth Hart), „Oh boy, this kid can play“ (Hubert Sumlin. Auch nach 38 Jahren ist die Hamburg Blues Band immer wieder für Überraschungen gut & präsentiert ihren ganz eigenen Sound fernab jeglicher Klischees. Auf der „Friends For A LIVtime VOL.l II“ Tourerwartet das Publikum ein musikalisches Feuerwerk mit echten Typen und Originals.

24-7 Spyz präsentiert brandneues Album mit Live-Shows

Das Jahr 2021 markiert die Rückkehr des Heavy Metal Soul Sounds, der 24-7 Spyz signifiziert!

Die aus der South Bronx stammende Band hat kürzlich ihr brandneues Album The Soundtrack to The Innermost Galaxy veröffentlicht, das ab Anfang 2020 in Europa beworben wird.

24-7 Spyz wurde 1986 gegründet, ist seitdem viele Male durch Europa gereist und hat die Menge immer begeistert. Ihr Sound ist eine einzigartige Mischung aus Heavy Metal, Soul, Funk und Jazz. Sie werden oft mit Bands wie Living Color, Urban Dance Squad, Fishbone und Red Hot Chili Peppers verglichen.

⇒ Website der Band

Wyzard – Bass, Voc • Moses Mo – Guitars, Voc • Carl Carlton – Lead Vocals, Guitars • Bertram Engel – Drums, Percussion, Voc • Pascal Kravetz – Organ, Keyboards, Voc •

Nach der von Kritik und Publikum hochgelobten Reunion Tour 2019, sind Carl Carlton & The Songdogs motiviert und heiß, jetzt in 2021 ihren musikalischen Siegeszug fortzusetzten. Das Tourmotto „HIGH IN A SWEET RELEASE” signalisiert diesen neugewonnenen Enthusiasmus der fünf Ausnahmemusiker. Nachdem ihre vier Alben über die Jahre einen legendären Status erreicht haben, war es nicht verwunderlich, dass Fans und Publikum sich die Songdogs zurück
auf die Bühne wünschten.

THE BEGINNING: Guter Rat ist nicht immer teuer. Robert Palmer, guter Freund und  musikalischer Lehrmeister von Carl, gab im Jahr 1999 den Anstoß. »Why not have your own band?«, konfrontierte er ihn bei einer ihrer vielen, gemeinsamen Produktionen. »That’s long overdue, Carl…!« Und Recht hatte der viel zu früh verstorbene Robert Palmer (2003), der durch grandiose Alben wie »Sneakin’ Sally Thru The Alley« und Blockbuster-Hits wie z.B. »Simply Irresistable« und »Addicted To Love« Weltruhm erlangte. Carl nahm Roberts Rat an und gründete die Songdogs mit einem Champions-League-Line-Up, zu dem neben der Kerntruppe zahlreiche temporäre Supporter gehörten: Robert Palmer, Levon Helm und Garth Hudson (beide The Band), Bobby Keys, Sonny Landreth (ein Meister an der Slide-Gitarre), Ian »Mac« McLagan (Small Faces, Rolling Stones etc.), Ronnie Wood (ja, genau der…), Jon Smith, Steve Howard, Eric Burdon, Xavier Naidoo, Klaus Voormann und viele handverlesene Kollegen mehr.

Der Kern der Songdogs bestand, während der aktiven Karriere, aus Moses Mo (guitars) und Wyzard (bass) von den Funkrock-Pionieren Mother’s Finest aus Atlanta, Pascal Kravetz an den Tasten (Lindenberg, Maffay, Robert Palmer u.a.) und »the one and only« Bertram Engel am Schlagzeug. Später saßen (in chronologischer Folge) Wayne P. Sheehy (Ronnie Wood Band), Zachary Alford (David Bowie, Bruce Springsteen u.a.) und Dion Murdock (Mother’s Finest) an den Drums.

Die Gründung der Songdogs war ein Glücksfall für alle Rock-Liebhaber und den umtriebigen, stets am Limit arbeitenden Musiker Carlton, der als Gitarrist, Songwriter und Performer (Robert Palmer, Eric Burdon, Peter Maffay, Udo Lindenberg, Wolfgang Niedecken u.v.a.m.) nur einen Arbeitsmodus kennt: »Let’s get it on!« Mit den Songdogs schuf sich Carl, der unermüdliche Netzwerker, die perfekte Plattform, um mit all den hochkarätigen Musiker-Freunden seinen »No-Bullshit,- Keep On Swinging« Approach umzusetzen und seine tief im Rock, Blues und R’n’B verwurzelten Songs zu präsentieren. Das geniale Debütalbum von 2001 mit dem Titel »Revolution Avenue«, aufgenommen in den Sümpfen Louisianas, spiegelt in beeindruckender Weise die musikalische Seele der Songdogs. In den Folgejahren wurden drei weitere grandiose Songdog-Longplayer/CDs veröffentlicht: »Love & Respect« (2003), das von Kritik und Publikum gleichermaßen gefeiert wurde – »noch internationaler, noch farbiger« – die Live-Doppel-CD »CaHoots & Roots« (2004) und »Songs for the Lost and Brave« (2008), für dessen Produktion sich Carl & Co. in Levon Helms berühmtem Studio »The Barn« in Woodstock/NY einfanden. Wie allerdings die Geschichte beweist, sind sogenannte „Supergroups“ gleichermaßen fragile, wie sensible Gebilde. Nach knapp zehn erfolgreichen, überaus kreativen Jahren trennte man sich in aller Freundschaft bis auf Weiteres, um sich individuellen musikalischen Wegen widmen zu können.

Jetzt, 20 Jahre, nachdem die Töne des ersten Songs »God’s Gift To Man« in den Dockside Studios in Maurice, Louisiana aus den Lautsprechern schallten, sind Carl Carlton & The Songdogs in Originalbesetzung und in Topform, nach ihrer begeisternden Reunion Tour im letzten Jahr auch in 2021 wieder voll da! Save the dates und frei nach Carls Motto: »Keep Swinging!«

Was wäre die Geschichte der deutschen Rockmusik ohne Kraan? Zweifelsohne nicht nur unvollständig, sondern vor allem um ein besonders buntes, höchst kreatives Kapitel ärmer.

Kraan verschrieben sich von Beginn ihrer Karriere an einer spannenden Fusion aus Rock, Jazz und Ethno-Einflüssen und fügten ihrem Sound später US-Mainstream- und Soul-Elemente hinzu. Ihren Stil nannten sie kurz und ergreifend ´Wintrup Musik`, benannt nach ihrem Domizil im Teutoburger Wald. Eine kleine Erbschaft im Mai 1970 war quasi die Initialzündung der Band. Die vier Ur-´Kraaniche` Peter Wolbrandt, Jan Fride, Hellmut Hattler und Alto Pappert warfen ihr Geld zusammen und kauften sich eine Anlage plus einen Bandbus. Ihr Debütalbum nahmen sie in einer 2-tägigen (!) Studiosession auf und pflegten auch sonst den Hang zur Spontaneität. Die Galionsfiguren bei Kraan waren Bassist Hellmut Hattler und Gitarrist Peter Wolbrandt, gleichzeitig die beiden Hauptsongschreiber der Band. „Ich suchte nach einem Wort, das gut klingt“, erklärte Hattler später die skurrile Namensgebung. „Wir wollten raus aus diesem Klischee und solch ein Wort wie Kraan taucht fast in jeder Sprache auf.“ Passend dazu auch der musikalische Rahmen der Band: Über einen rockigen Drum-Beat, perfekt ergänzt durch Hattlers kraftvollen funky Grooves, zog Saxophonist Alto Pappert wunderschöne Melodien, während Gitarrist Peter Wolbrandt mit ganz eigenem Sound und swingenden Licks die Songs abrundete.

Kraan genossen das Leben einer musikalischen Kommune. Ein stillgelegtes Weidegut, ein anno 1871 erbautes Fachwerkgebäude mit etwa 4000 Quadratmeter Land, einsam am Rande des Teutoburger Waldes gelegen, war in den Siebzigern ihr Zuhause. Das ehemalige Pferdegestüt hatte Graf Metternich den Musikern zur Verfügung gestellt – kostenlos und ohne Bedingungen. Dort wohnten sie mit 13 Gleichgesinnten (vier Musiker, der Manager, zwei Roadies, drei Frauen, drei Kinder und etliche Katzen und Hunde). Hattler charakterisierte die Philosophie des Zusammenlebens seinerzeit mit den Worten: „Es herrscht hier eine freundliche Anarchie. Wir haben absichtlich keine Pläne gemacht, wer wann wo putzen muss oder Spüldienst hat. Es ist natürlich ganz schön schwierig, weil wir auf unsere eigene Einsicht angewiesen sind.“ Denn: „Wenn in der Küche alles stimmt, geht auch die Musik in Ordnung.“

Im täglichen Leben zwar mit derlei Banalitäten konfrontiert entwickelte sich die Band in den kommenden Jahren zu eine der außergewöhnlichsten deutschen Formationen. Ihre dritte Veröffentlichung ´Andy Nogger` (der Albumtitel beleuchtete den Konsumterror kritisch und war eine Anspielung auf den Speiseeis-Werbeslogan ´Nogger Dir einen`) verkaufte sich 120.000 Mal. Das Werk erschien in Österreich, der Schweiz, Holland, Kanada, Australien, England, Skandinavien und Südafrika und wurde vom deutschen ´Musikexpress` zur Platte des Jahres gekürt. Bereits vier Wochen nach Veröffentlichung in Amerika rangierte das Album in den Billboard Charts auf Platz 9 der meistgespielten LP´s aller US-Sender. Nach drei Studiowerken wurde im Oktober 1974 im Berliner ´Quartier Latin` ihr Doppelalbum ´Kraan Live` mitgeschnitten, eines der herausragenden Jazzrock-Alben jener Tage, das vom legendären Produzenten Conny Plank aufgezeichnet und bearbeitet wurde. Nach einem umjubelten Auftritt beim Roskilde Festival in Dänemark im Juni 1975 ersetzten Kraan den ausgestiegenen Alto Pappert durch den Pianisten/Organisten Ingo Bischof. Mit dem folgenden, ebenfalls großartigen ´Let It Out` Album, das mit einem mobilen Studio in Wintrup, quasi zwischen Pferdestall und Küchenherd von Conny Plank produziert wurde, avancierten Kraan im Magazin ´Sounds` zur Gruppe des Jahres. Auch der ´ME` fand Gefallen an der Band: „Lange Kollektiv-Improvisationen zwischen Jazz, Rock und Blues werden mit spielerischer Leichtigkeit für ein paar Takte von arrangierten Teilen unterbrochen“, schrieb das Magazin im November 1975. „Da zeigt sich echtes Können und die Kraan-Leute verwirklichen ihre ausgefallenen musikalischen Ideen mit derart viel Einfühlungsvermögen und Präzision, als wollten sie augenzwinkernd an den Genius eines Frank Zappa erinnern.“

Nach ´Let It Out` begann für Kraan eine neue Zeitrechnung. Die beiden folgenden Alben ´Wiederhören` (1977) und ´Flyday` (1978), speziell aber das 83er Opus ´Nachtfahrt` (dazwischen liegt noch die Veröffentlichung des zweiten Live-Albums ´Tournee`), reflektierten den geänderten Zeitgeist. Die Neue Deutsche Welle zog in die deutsche Musiklandschaft ein. Von ihr blieben auch Kraan nicht unbeeinflusst. Und umgekehrt. Hattler: „Viele dieser Bands waren Kraan-Fans, und waren von dem, was wir auf ´Flyday` machten, vor allem von Peters Arpeggio-Gitarrenstil, beeindruckt und ließen diese Elemente auch in ihre Musik einfließen. ´Nachtfahrt` dagegen war unsererseits eine mehr oder weniger ironische Auseinandersetzung mit der damaligen Musikszene.“ Echte Kraan-Scheiben waren beide Veröffentlichungen indes nur teilweise, sondern eher – wie Hattler es nennt – „jeweils zur Hälfte Solowerke von Peter und mir.“ Als kreative und produzierende Band wie zu Wintrups Zeiten existierten Kraan zum damaligen Zeitpunkt nicht mehr; die Aktivitäten der Gruppe beschränkten sich auf Tourneen in wechselnden Besetzungen bis zum Jahr 1984. Danach sollte endgültig Schluss sein, aber schon 1988 erschien das dritte Bühnenwerk ´Live ´88`, gefolgt von den beiden letzten Studioalben ´Dancing In The Shade` und ´Soul Of Stone`.

Mit einem Auftritt 1992 auf der ´Dokumenta` in Kassel schloss die Kraan-Historie für das fast komplette Jahrzeht der 90er Jahre.

Hattler setzte seine Karriere mit dem bereits auf den letzten Kraan-Veröffentlichungen zu hörenden Trompeter Joo Kraus in der Formation Tab Two fort, Wolbrandt widmete sich seinem erlernten Beruf als Graphiker und Programmierer und erst anlässlich des dreißigjährigen Kraan-Jubiläums reformierte sich die Band im Frühjahr 2000 in der Besetzung Hattler, Wolbrandt, Bischof und Fride, veröffentlichte die beiden Jubiläums-konzerte (´Live2001`), spielte eine überaus erfolgreiche Deutschlandtournee und veröffentlichte Ende Juni 2003 ihr Comeback-Album ´Through`, das auf wundersame Weise nahtlos an alte Tugenden anknüpft, ohne dabei etwa angestaubt oder vom Zeitgeist überholt zu klingen. Auch auf dem Nachfolgewerk Psychedelic Man (für das die Fa. EMI übrigens eigens ihr legendäres „Harvest“ label reanimiert hat), erweist sich diese unverwechselbare Band als ein Füllhorn an Kreativität und Musikalität, die in dieser Form in Deutschland einzigartig ist.

Seit Anfang 2008 wurde der längst in der Luft liegende Wunsch verwirklicht, auch live wieder freier und den Fähigkeiten der Urmitglieder entsprechender aufzuspielen. Seither besteht KRAAN „nur“ noch aus den drei Gründungsmitgliedern Peter Wolbrandt, Hellmut Hattler und Jan Fride Wolbrandt, absolvierte gefeierte Tourneen und veröffentlichten 2011 in dieser Besetzung ihr aktuelles Albums mit dem Titel „Diamonds“, das hochmodern und trotzdem 100% nach KRAAN klingt und damit deutlich zeigt, dass diese Band offenbar keinerlei Zeitschema zu unterliegen scheint; immerhin wird kein Prädikat im Zusammenhang mit KRAAN so oft gebraucht wie das Wort „zeitlos“.

Im Jahr 2008 also verschlankten sich KRAAN zum klassischen Kern-Trio, ohne jemals so zu klingen. Die drei Schulfreunde Peter und Jan Fride Wolbrandt sowie Hellmut Hattler wurden nicht zu Verwaltern des eigenen Erbes, sondern schrieben neue Stücke, produzierten frische Alben, interpretierten die eigenen Klassiker virtuos, funky und mit extrem viel Drive. Immer wieder bewiesen sie, dass sie auf ihrem ureigenen Kraan-Terrain zwischen Rock und Jazz auch handwerklich einfach unschlagbar sind. Mit „The Trio Years“ und „The Trio Years – Zugabe!“ ist nun endlich das Beste – und darüberhinaus das komplette Repertoire der vergangenen Live-Jahre zu haben.

Tickets behalten Ihre Gültigkeit, bei Stornoanfragen findet die Gutscheinlösung Anwendung

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Gerade war sie für mehrere ausverkaufte Konzerte in Deutschland. Die bisher erfolgreichste Deutschland – Tournee überhaupt für diese Ausnahmekünstlerin.

Beth Hart ist so authentisch wie nie. In einer Musikindustrie voller Hochglanzproduktionen und retuschierten Fotoshootings ist sie die Künstlerin, die ihre Karten offen auf den Tisch legt und
ihre dunkelsten Geheimnisse preisgibt. Noch nie hat sich das Grammy-nominierte Talent auf einer Platte so roh präsentiert wie auf „War In My Mind“.

Auf dem neuen Album, das am 27. September 2020 erscheint, geht sie offen mit ihren inneren Dämonen um und offenbart den Zuhörern ihre bisherigen Erfolge und Rückschläge im Leben.
„Mehr als bei jedem anderen Album, das ich bisher gemacht habe, bin ich auf diesen Songs ganz ich selbst gewesen.“, erklärt die Sängerin.

„Mein innerer Heilungsprozess hat sehr lange gedauert, doch inzwischen fühle ich mich mit meiner dunklen Seite, meiner Verrücktheit und den Dingen, für die ich mich so lange schämte, sehr wohl.“

Beth Hart muss sich wahrlich für gar nichts schämen. Schon gar nicht für ihre einfach tolle Musik.

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Auch mit Atomic Rooster taucht nach langer Zeit wieder eine der alten britischen Rockbands in der heutigen Musikszene auf. Klar hatte die Band in den 70-er Jahren ihren Höhepunkt, als Atomic Rooster mit dem Organisten Vincent Crane und dem Schlagzeuger Carl Palmer namhafte Musiker in ihren Reihen hatte, die beide schon vorher bei Arthur Brown für Aufsehen sorgten. Während ihrer gesamten Geschichte war der Keyboarder Vincent Crane das einzige konstante Mitglied und schrieb den größten Teil der Songs.

Die Geschichte wird von zwei Perioden bestimmt: Anfang Mitte der 1970er und Anfang der 1980er Jahre. Dabei durchlief die Band radikale Stiländerungen, aber sie war bekannt für den harten, progressiven Rock-Sound ihrer Hit-Singles „Tomorrow Night“ (UK Nr. 11) und „Devil’s Answer“ (UK Nr. 4), beide aus dem Jahr 1971.

Im Jahr 2016 haben die beiden ehemaligen Bandmitglieder Pete French (Gesang) und Steve Bolton (Gitarre) Atomic Rooster wieder neues Leben eingehaucht und sind jetzt in neuer Besetzung, aber alten Programm, auf Tour.

Die Tour im nächsten Jahr wird von den Magazinen präsentiert
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