Veranstaltung an diesem Ort

DJ Uwe Meyer legt die besten Tracks der Rockgeschichte auf.
Von den 60′s bis heute. Alles was rockt. Keine Kompromisse. Und das im wohl urigsten Club Dortmunds. Rockerherz was willst du mehr.

VVK ab sofort im Piano oder online

Feinster Ska mit Working Class Attitude aus Dublin City.

Großartiger Sound ohne Schnörkel, der nach UK-Ska Revival der 80ziger klingt, sowie die eine oder andere traditionelle Ska- Nummer hauen die Iren uns um die Ohren. Ein besonderes Markenzeichen der Hacklers ist die unverwechselbare eingängige Stimme des Sängers Kevin Kenny.

Mit dieser energiegeladenen Mischung bringen die Hacklers jeden Club zum skanken.

Und ja, es gibt Neuigkeiten: Mark Conway, der Original-Gitarrist und Gründungsmitglied, ist wieder mit am Start und neu sind: am Bass „Richi Costigan“ und Cushla Gillespie zur Gesangsunterstützung.

Nach mehreren Touren durch Deutschland sind die Hacklers ein Garant für gefüllte Clubs und Festivals. Mittlerweile können die Iren zwei Longplayer vorweisen: einmal „Between The Lines“, 2016 auf Contra Records erschienen, und ihr aktuelles Album „Another Round“  von 2020, welches auf Smith&Miller Records erschienen und mittlerweile fast ausverkauft ist.

Eine neue Ära beginnt – No More Tears…

Blizzard of Ozz bietet als gefragteste Ozzy Osbourne und Black Sabbath Tributeband in Europa das dazu passende Programm.

Eine Mischung professioneller Musiker aus Deutschland & England.

Nicht nur die populären Hits wie I donʼt Know,Mr Crowley, Bark At The Moon, War Pigs, Paranoid, Dreamer, No More Tears, Crazy Train oder Suicide Solution werden absolut authentisch umgesetzt.

Für wahre Ozz Fans – die ultimativen Songs von den Großmeistern des Heavy Rock & Metal The Prince Of Darkness Mr. Ozzy Osbourne & Black Sabbath!

Let the madness begin…

Jade MacRae ist eine australische Blues- und Soul-Sängerin, deren Songs den Sound von Etta James, Ray Charles, Sam Cooke, Big Maybelle und Dinah Washington ins 21. Jahrhundert transportieren. Mit „Up above your Head“ hat sie 2020 neben ihren zahlreichen Kollaborationen mit internationalen Musikern bereits ihr drittes Solo-Album herausgebracht und arbeitet momentan an ihrem neuen Album, das Mitte 2022 erscheinen soll. Sie steht nicht nur den Hauptteil des Jahres mit Joe Bonamassa und Jimmy Barnes auf der Bühne, sondern fand im Laufe ihrer Karriere auch noch Zeit, mit Größen wie Ray Charles, James Brown, Dave Stewart (Eurhythmics) und John Legend zusammenzuarbeiten.

Ihre mitreißenden, emotionalen Songs leben von ihrer ausdrucksstarken Soul-Stimme, ihrem originellen Songwriting und dem Groove ihrer Band, die musikalisch unüberhörbar im Soul und R´n´B der 60er und 70er Jahre verwurzelt ist.

Im Anschluss an Joe Bonamassas Mediterranean Cruise  wird sie im September 2022 zum zweiten Mal in Europa auf Tour unterwegs sein, um ihre neuen Songs vorzustellen.

FROM THE SPECIALS starring NEVILLE STAPLE, the Legendary front man of The Specials, Fun Boy Three and Special Beat and his top class band. Also known as The Original Rude Boy, Neville celebrates 40 years of his super music career, and of the beginning of the 2-Tone movement. Awarded with an Honorary Doctorate by Arden University in July 2019, Neville Staple is credited with changing the face of popular music not only once but twice. His UK and International career in the music industry, is well documented and started out from the early days with Ray King, Pete Waterman (OBE), The Coventry Automatics and his Jah Baddis Sound System, before taking to the stage as a frontman of The Specials and performing at the famous tour with ‘The Clash’ and Bernie Rhodes. He has performed, written or produced, highly acclaimed and hit albums and singles, along with TV and film soundtracks, including performing on a song for the 2019 Spiderman blockbuster film and more music releases in 2020 and beyond. His musical awards also include MOJO, NME, Gold, Silver & Platinum Discs and a lifetime achievement award from Foxford School in his home City of Coventry (birthplace of the 2-Tone Movement). He is celebrated as a living legend.

Neville states, “I remember the massive reactions to the hit songs like Ghost Town, Too Much Too Young and Gangsters, and fans still write to me about my rugged, energetic and fun stage presence. The way we bring ska to the mainstream is by mixing Jamaican music with the English punky style. I love performing live and always include my Specials hits, along with other classics and career favourites. Every show is like a massive party, where the brilliant fans love to dance, stomp or sing-along. I was so proud to become an official Doctor of Music recently too. Dr Rude Boy! How cool is that!”

Neville continues to write, perform, collaborate and produce new music, including alongside his wife, Christine ‘Sugary Staple’, and his 2-Tone legacy is huge. The music that fused traditional Jamaican ska and
reggae music and style, with punk rock attitude, energy and musical edge. The movement helped to transcend and defuse racial tensions in Thatcher-era Britain and still resonates in today’s Brexit uncertainties. The actual black and white chequered imagery of 2 Tone has become almost as famous as the music itself. Neville has worked with other top International and mainstream artists too and his work is regularly shared on mainstream TV, Films, Radio and exhibitions, reflecting his highly successful career.

His bestselling autobiography, THE ORIGINAL RUDE BOY, was published by Aurum Press in 2009. Neville and the band are currently promoting anti-knife crime, during their UK and International tours, which follows the highly publicised and recent fatal stabbing of Neville’s 21-year-old grandson. Neville Staple and Sugary also work with schools, charities and youth groups, providing awareness talks, performance tips, music lesson guest-tuition and fund-raising activities. He is also a patron of the Coventry Music Museum at the 2Tone Village, Cefovid Uganda and is an Ambassador for various charities including Musicians Against Homelessness.

Neville Staple’s collaborations and joint tours / shows, have included all of the bands & artists shown, plus work with Amy Winehouse, Rancid, Save Ferris, No Doubt, Planet Smashers, Desmond Dekker, The Undertones, The Clash, UB40, The Jam, Sting, Madness, Midge Ure, Kim Appleby, Leee John, Toyah, Hazel O’Connor, Ferry Aid Collective, Bob Marley’s Estate, Bananarama, Dreadzone, Roy & Yvonne, Stranger Cole, Dub Pistols, plus so many more, over the decades.

The Neville Staple Band Musicians are a professional collective of musicians who have worked
in the music industry for decades, with various members and deps having regularly worked with The
Specials, The Selecter, Bad Manners, Madness, The Beat, The Talks, Flipron, Roy ‘Mr Symarip’ Ellis,
Rat Scabies, Stranger Cole, Dandy Livingstone and many, many more. Some of the band members
write and produce music too. The band includes Joe Atkinson, Sledge Armstrong, Matty Bane, Billy
Shinbone and Peter Johnson, plus regular appearances by Drew Stansall, Spencer Hague, Ross
Moore and other professional band members (see the web for more band info).

Sugary Staple (aka Christine Sugary Staple) is a vocalist who performs alongside her husband, the Legendary Neville Staple, as part of his ‘From The Specials’ Neville Staple band. She also provides day to day management and artistic direction and creation of the Band, and is especially known for bringing energy,
character and fun to the stage, during tours. She is currently performing songs from her recent joint ska/reggae/punk album, ‘Rude Rebels’. The album also features Roddy Radiation (Hey Little Rich Girl & Rat
Race), plus a reworking of Stranger Cole & Patsy Todd’s, ‘When I Call Your Name’, as a duet with Neville.

Sugary has been writing, producing and performing in film, video and music since her teens and although she came from a difficult and harsh childhood and early adult life, she still managed to graduate in Business Management and Health and Safety, as well as pursue her creative dreams in theatre, film, literacy and music.

Sugary spearheaded the famous Skamouth Festivals, works with celebrated artists from the UK and across the World, plus with schools, colleges & charities. She is an official patron of the 2Tone Village in Coventry and Cefovid Uganda, as well as an Ambassador for Music Against Homelessness. Sugary recently wowed audiences with her stage presence and performances during huge headline sets at Rewind, Let’s Rock and Rebellion Festivals. She also takes on regular roles for film and TV.

“Boomtown whipped up by Neville Staple..!”   Financial Times
„Out on his own, still pretty special“   Record Collector

Nobody quite knew what to think of these long haired, tattooed bikers singing such soulful, yet ballsy, rock music when they arrived on the scene in Los Angeles in 1987. They stood out amongst the „Hair Bands“ that populated the music scene at the time…..a distinction the band wore as a badge of honor.

Much hype surrounded the band as they were managed by music legend Jimmy Iovine, guided by legendary A&R man John Kalodner and produced by Bob Rock. It seemed like a formula for success, yet the band met an unfortunate set of circumstances that left many scratching their heads shortly after the release of their self-titled debut album. Many were to speculate why the band never achieved the level of success that their legendary team of backers took as inevitable. Many were to speculate that it was due to the dichotomy between the band’s gruff appearance and their sound. The truth was that the band fell prey to an unfortunate set of circumstances that occurred in the limited window that bands get to produce sales in, or get exiled in the music business. Three weeks into the bands initial release, Geffen Records was sold, their label Manager left
the company, accountants took over, and their records where lost in transit to their new distributors. As sales dropped off due to the lack of product availability, the accountants shut the project down. And so, another band dies….there’s always more where they came from in the rough and tumble world that is the music business.

Little Caesar first appeared on Metal Blade’s “Street Survivors” compilation. The band then released a four song EP titled “Name Your Poison” (produced by Joe Hardy of ZZ Top fame), which subsequently led to a deal with Geffen Records.

Little Caesar’s eponymous 1990 Geffen debut was produced by the infamous Bob Rock (producer of Metallica’s self-titled 1991 multi-platinum release, Motley Crue’s “Dr. Feelgood”, and The Cult’s “Sonic Temple” among others). The album was a no-nonsense collection of hard rock in the vein of ’70s giants like Bad Company and Humble Pie, and was also brimming with classic R&B influences, garnering widespread acceptance and positive reviews from the rock media. It also featured two Motown covers, including a ballsy rendition of the classic Aretha Franklin track, “Chain of Fools,” which hit the Billboard Top 100 chart and received strong airplay nationwide on both rock radio and MTV. The group toured extensively opening for such legendary acts as Jane’s Addiction, KISS, Social Distortion, Iggy Pop, Billy Idol, and Lynyrd Skynyrd. They also headlined their own club tours, and appeared on TV’s popular “Arsenio Hall Show”, “The Rick Dee’s Show”, and MTV’s “Sex in the 90’s”. Vocalist Ron Young was also featured in the movie “Terminator 2” as a tough talking biker that gets into a fight with the film’s star, Arnold Schwarzenegger. 1992 would bring the second full-length album, “Influence”, which would have Earl Slick (of John Lennon, David Bowie, and Ian Hunter fame) replacing Apache on guitar. The “Influence” album was produced by the highly respected Howard Benson (who has recently produced releases for platinum artists like Daughtry, Papa Roach, and P.O.D. among others).

The band completed its first tour of Europe after the release of the album and drew rave reviews and sold out crowds across multiple countries including a sold out headlining performance at the famous Marquee club in London.

As the band slowly recovered from the shock and lessons learned in the nasty world of the music business, they always remained close, as they are a family way before they are a band. They started to do local shows and remember why they loved music and each other. Since the reformation, the band has played high profile shows at venues as House of Blues, California Speedway for NASCAR, and the Rock The Bayou Festival in Houston TX.

In 2010, Little Caesar moved forward with a vengeance on a worldwide level with a release titled „Redemption“ as well as touring in the US, Europe and the UK and in 2012, Little Caesar released „American Dream“. Produced by Bruce Witkin, a powerful, no nonsense, guitar driven group of songs that takes the band
to that same warm R&B driven Rock and Roll Universe they call home. They performed at the Hard Rock Hell festival in Wales in Dec 2012. They returned once again to Europe in 2013 appearing at The Download Festival appearing alongside such acts as Iron Maiden, Motorhead, Rival Sons, and Queens of the Stone Age. In 2016.

Bass player Pharoah Barrett (The Four Horsemen) joined founding members Ron Young (Vocals), Tom Morris (Drums) and Loren Molinare (Guitar) and they released a double live CD titled “Brutally Honest” which authentically captured the band’s live energy. In 2017 the band has continued touring the US, UK and Europe and entered the studio to work with Bruce Witkin again for their upcoming release on Golden Robot Records. Joining the band on Guitar is Mark Tremalgia (Bang Tango, Chambers Brothers, Brothers Johnson) whose band “Disreputable Few” has been backing great artists Billy Gibbons, Slash and Butch Trucks. The band has upcoming tours in the UK and Europe to support their 5th studio album and 8th release entitled “Eight” coincidently.

The band toured Europe in September 2021, one of the very few US artists to do so in pandemic times.
They return to Europe in 2022 with a brand new album.

“His voice stands above all others in the field. Quite simply, Marc Broussard is the reason they invented soul music.” – PerformerMag.com

“A blue eyed soul singer with a broad, soulful voice nicely scraped around the edges
– The Washington Times

Sein außergewöhnliches Talent war schon im zarten Alter von 5 Jahren erkennbar, zumindest für die glücklichen Zeugen, die sein Live Debüt hautnah erlebten, als er als in der Band seines Vaters Ted Broussard sitzend, der legendären The Boogie Kings, eines Tages einfach mal „Johnny B. Good“ raushaute , mit fünf Jahren, wohlvermerkt.

Spätestens ab dem Moment war sein Weg vorgezeichnet, der über sein erstes unabhängiges Album
„Momentary Setback“ im Alter von 20 Jahren sehr schnell zu einem ersten Majordeal und dem Album „Carencro“ führte , die Gegend in der er aufwuchs und heute noch lebt und um die es auch in dem zentralen Song des Albums , dem Titel „Home“ ging. Für Marc Broussard steht dieser in Walnussbaumrinde geräucherte Bayou Soul Song, der ihn über die Jahre begleitete und mit ihm gealtert ist, für alles , was ihm wichtig erscheint  – Southern Soul der alten Schule, Heimat, Freunde, Familie, Erdverbundenheit und Authentizität.

Daher wundert es nicht, dass er diesen Song als Bonus für sein aktuelles Unplugged Album neu produziert hat : „ Dieses Lied hat mir meine Karriere ermöglicht. Ohne ihn wäre ich heute nicht , wo ich stehe. Aber wenn ich das Original höre, dann höre ich den 20-jährigen Jungen, der versucht zu klingen, wie ein Mann.“ Es wurde Zeit für das Remake. Etwas schmutziger, sumpfiger und erwachsener sollte es klingen, was ihm zweifelsohne gelungen ist.

So sind Home – The Dockside Sessions – ein Innehalten , ein Zwischenstand, eine momentane , wohl auch spontane Ortsbestimmung , die uns zeigt, wo dieser Mann seine Wurzeln hat und welch ungeheuerliches Potential noch in ihm schlummert.

Marc Broussard folgt seinem Instinkt und nicht den üblichen Regeln des Geschäftes , die jetzt vor dem nächsten Studioalbum eine „best of“  oder das übliche Live Album erwartet hätten. Vielmehr hat er diese beiden Aspekte einfach miteinander vereint und seine liebsten Songs auf spezielle Weise im Dockside Studio , quasi in seiner  Nachbarschaft in Lafayette Louisiana,  live neu eingespielt. Ursprünglich nur als Soundtrack für eine Reihe von Youtube Videos entstanden, die er in den Studios filmte, gab es sehr schnell eine schier unglaubliche Nachfrage der Fans nach diesen Mitschnitten, dass die jetzt stattfindende Veröffentlichung nur logisch erscheint.

Nicht verwunderlich, wenn man sieht , dass die Videos zu diesen Songs bereits 30 Millionen YouTube Aufrufe auf der Uhr haben und der Titel „ Cry to me“, seiner Version des Hits aus  „Dirty Dancing“, allein 10 Millionen Mal aufgerufen wurde.

Auch wenn diese 15 Songs sein Lebenswerk und die Lieblingstitel seiner Fans repräsentieren , so sind Home – The Dockside Sessions  doch mehr als nur eine Ansammlung von Erinnerungsstücken. Alle Werke wurden neu arrangiert und interpretiert und in sehr reduzierter Weise auf ihren Kern und Ursprung zurückgeführt. Marc Broussard lässt uns teilhaben an seiner ihm in die Wiege gelegten Leidenschaft, mit der er dieses soulige Repertoire interpretiert und macht es damit fast zu einem intimen Erlebnis.

Soul, Blues, Country Balladen und Americana – bei Broussard verschmelzen die Genre. Seine Interpretationen dieser zeitlosen Klassiker  wie  “Cry To Me,” “These Arms Of Mine,” “Do Right Woman, Do Right Man” and “I Love You More Than You’ll Ever Know” , grossteilig nur auf Piano und akustischer Gitarre begleitet,  schaffen Raum für seine außergewöhnliche Stimme und Raum für den  Geist und Soul von u.a. Otis Redding, Marvin Gaye und Al Green, die hier im Geiste mitschwingen.
Marc Broussard liebt diese Momente.

© 2019 India Media Group

Tracklisting:

French Café (Live at Dockside Studio)
The Wanderer (Live at Dockside Studio)
I Love You More Than You’ll Ever Know (Live at Dockside Studio)
Lonely Night in Georgia (Live at Dockside Studio)
Do Right Woman, Do Right Man (Live at Dockside Studio)
The Beauty of Who You Are (Live at Dockside Studio)
Gavin’s Song (Live at Dockside Studio)
Let Me Leave (Live at Dockside Studio)
Send Me a Sign (Live at Dockside Studio)
Don’t Be Afraid to Call Me (Live at Dockside Studio)
Come in From the Cold (Live at Dockside Studio)
Lucky (Live at Dockside Studio)
Cry to Me (Acoustic)
These Arms of Mine (Live Acoustic)
Home (Anthology)

In einer famosen Live-Inszenierung bietet die Band eine wunderbare musikalische Reise durch die Hits der erfolgreichsten Phase von Pink Floyd: von „Meddle“ (1971) über „Dark Side of The Moon“ (1973), „Wish You Were Here“, „Animals“ bis zu „The Wall“ (1979), sowie einige andere bekannte Stücke. Mit musikalischer Extraklasse, hervorragendem Stage-Design und großartigem Sound begeistern Kings of Floyd das Publikum und rufen die nahezu perfekte Illusion eines Pink Floyd Konzertes hervor.

Vocals, Guitar / Mark Gillespie (UK)
Guitars / Maurus Fischer(DE)
Keyboards, Vocals / Jürgen Magdziak (DE), Andy Schmidgen (DE)
Bass / Hans Maahn (DE), Ian Stewart (Canada)
Drums / Berni Bovens (NL)
Sax / Bernd Winterschladen (DE)
Vocals / Lucy Wende (NL)

Tommy Castro kommt mit seiner Band The Painkillers endlich wieder zurück nach Europa, um sein 30-jähriges Bandjubiläum zusammen mit der Veröffentlichung seines neuen Albums „A Bluesman Came To Town“ ausgiebig zu feiern.

Kein Blues Fan sollte es sich entgehen lassen diesen Superstar live zu erleben!

Die Zahl der einzelnen Künstler und Bands, die eine erfolgreiche Karriere über 30 Jahre hinweg aufrecht erhalten haben, ist äußerst gering und eine Übung in Beharrlichkeit. „Wir haben länger durchgehalten als alle unsere Ehen zusammen, und wir rocken immer noch fast jeden Abend irgendwo“, scherzen Castro und McDonald, die seit 30 Jahren der konstante Kern der Band sind. Die atemberaubende Zahl der gemeinsam gespielten Shows beläuft sich auf weit über 6000, darunter drei Saisons als Hausband für die HBO-Produktion „Comedy Showcase“, zwei sommerlange Tourneen mit BB King und Buddy Guy, 40 Musik-Kreuzfahrten (darunter 33 aufeinanderfolgende ausverkaufte Legendary Rhythm and Blues Cruises) und viele der größten Musikfestivals weltweit.

Die Band hat unter anderem mit John Lee Hooker, Carlos Santana, Bob Weir, Gregg Allman, Dr. John, Willie Nelson, Jeff Beck, Joe Bonamassa, Elvin Bishop, Charlie Musselwhite, Magic Dick of The J. Geils Band, Taj Mahal und Los Lobos zusammengearbeitet.

“Soul-baring, roadhouse-meets-church, Memphis guitar licks…gritty voice…Southern colors and rootsy textures.” – Washington Post

Castro gründete die Band, nachdem er und McDonald sich 1990 bei der Warner Brothers Band „Dynatones“ kennengelernt hatten. 1992 schlossen sich die beiden zusammen und gründeten offiziell die Tommy Castro Band. Die Band achtete auf die Grenzen der amerikanischen Roots-Musik und begann, ihren charakteristischen rauen und treibenden Sound zu entwickeln. Castro erlangte sofort die Aufmerksamkeit der Musikszene der Bay Area von San Francisco und gewann mehrere lokale Musikpreise, bevor er sich auf einen weltweiten Streifzug begab.

“Castro is one of the brightest stars in the blues-soul genre. Voracious blues energy and ultimate soul power … impassioned vocals and pure inventiveness in his stellar guitar solos.” – Blues Music Magazine

Während der 1990er und in den 2000er Jahren nahm Castro eine Reihe von Alben auf, die von der Kritik gelobt wurden. Im Jahr 2009 schloss er sich Alligator Records an und veröffentlichte 8 Alben, die großen Anklang fanden. Dieser Schritt brachte den zunehmend beliebten Blues-Star mit dem größten unabhängigen Blues-Label zusammen, das derzeit 50 Jahre Blues-Veröffentlichungen feiert. Nach seinem Wechsel zu Alligator gewann er sechs Blues Music Awards, darunter den begehrten B.B. King Entertainer Of The Year Award (die höchste Auszeichnung, die ein Bluesmusiker erhalten kann).

Trotz der vielen Tourneen widmete er sich auch dem Songwriting, und als Autor gehört Castro zu den Besten.
Das Line-up der Band hat sich im Laufe der drei Jahrzehnte verändert, ebenso wie ihr Name: „The Painkillers“ wurde dem Namen hinzugefügt, nachdem ein langjähriger Fan die Musik der Band als „Painkiller“ bezeichnet hatte. Der Name inspirierte Tommy und er schrieb sofort den Song, der zum Titeltrack des Painkiller-Albums und schließlich zum neuen Namen der Band wurde. McDonald, der Schlagzeuger Bowen Brown und der Keyboarder Michael Emerson spielen in der aktuellen Besetzung seit sieben Jahren zusammen. Sie sind zu einer der telepathisch engsten Einheiten zusammengewachsen, die Castro je zusammengebracht hat, was sie zu einer der gefragtesten Live-Bands für Blues-Musik macht, die heute auftreten.

Billboard says the band plays “irresistible contemporary blues-rock” with “street-level grit and soul.

Derzeit besteht die Oysterband aus den Gründungsmitgliedern John Jones (Gesang, Melodeon), Alan Prosser (Gitarren, Gesang) und Ian Telfer (Geige, Keyboard, Gesang) sowie Dil Davies (Schlagzeug), Al Scott (Bassgitarre, Mandoline, Gesang) und Adrian Oxaal (Cello, Gitarre, Gesang).

Zunächst – um 1978 – eine reine Tanzband („The Oyster Ceilidh Band“), begannen wir bald mit radikalen Arrangements traditioneller Lieder und mit Homerecording zu experimentieren und brachten in den frühen 80er Jahren sogar vier Alben heraus. Diese klingen heute harmlos genug, aber damals war ihre hausgemachte, alles ausprobierende Haltung umstritten. Wir waren entschlossen, dass traditionelle Musik nicht nur ein Zweig der Kulturindustrie sein sollte.

Andere Musiker kamen und gingen. Der Name verkürzte sich zu The Oyster Band. Wir begannen zu lernen, wie man Lieder schreibt. 1985 lernten wir ein neues Roots-Musik-Label kennen, Cooking Vinyl. Step Outside (1986), mit Ian Kearey am Bass und Russ Lax am Schlagzeug, war deren erste Veröffentlichung. In der Folge nahmen wir 9 Studioalben mit ihnen auf.

In den späten 80er Jahren waren wir fast ununterbrochen auf Tournee. Neben den von unserer neuen Plattenfirma erschlossenen Gebieten in Skandinavien, Osteuropa und Nordamerika und Auftritten mit ähnlich gesinnten Künstlern wie Michelle Shocked und Billy Bragg tourten wir für den British Council in Indien, Sri Lanka, Bangladesch, Japan, Malaysia, Indonesien und Marokko. Reisen in diesem Umfang hatten einen starken Einfluss auf unsere Einstellung zur Welt und auf unser Songwriting.

Auch das normale Familienleben wurde dadurch erschwert. Zuerst verließ Ian Kearey 1988 die Band und wurde durch Ray Cooper ersetzt. Als Russ Lax 1990 die Band verließ, holte Ray seinen alten Freund Lee Partis als Schlagzeuger. Der Name verkürzte sich zu diesem Zeitpunkt wieder auf Oysterband. Der letzte Akt von Russ war die Aufnahme von Freedom And Rain mit uns und der großen englischen Folk-Diva June Tabor. Obwohl es sich im Wesentlichen um eine Coversammlung handelte, waren die Songs klug ausgewählt, und das Album wurde sehr gut aufgenommen, vor allem in den USA. „Stellen Sie sich vor, Aerosmith und Madonna würden ankündigen, gemeinsam auf Tournee zu gehen“, schrieb der Rolling Stone aufgeregt.

Im Vereinigten Königreich hat sich der Boden unterdessen verschoben. Während wir von einem Folk-Hintergrund aus expandierten, expandierten andere von einem Rock-Hintergrund aus in Richtung Folk, und die Konvergenz wurde zu einer neuen Szene. The Pogues, The Levellers, The Waterboys, Celtas Cortos…. wir fanden uns in einem anderen Kontext wieder, der oft „keltisch“ genannt wurde (obwohl das Wort in jedem Land etwas anderes zu bedeuten scheint). Die USA wurden schwieriger, aber wir gewannen neue Zuhörer im Vereinigten Königreich, in Deutschland und Spanien. Der Höhepunkt dieser Zeit ist wahrscheinlich Holy Bandits (1993); der erste Song „When I’m Up I Can’t Get Down“ war später ein großer Hit für Great Big Sea in Kanada. (Danke, Jungs!)

1997 hatten sich unsere Beziehungen zu Cooking Vinyl etwas abgekühlt. Wir bemühten uns nicht um einen neuen Vertrag, aber wir kooperierten bei der Vorbereitung einer „Best Of“ 2-CD-Sammlung, Granite Years (2000), die die Jahre 1986-1997 abdeckt.

Im Jahr 2003 wurde uns die Ehre zuteil, bei den BBC Folk Awards die Auszeichnung „Good Tradition“ zu erhalten, und 2005 wurden wir zur „Best Group“ gewählt.

Lee Partis verbrachte einige Jahre mit einer Ausbildung zum Berater/Therapeuten, während er gleichzeitig für die Oysterband trommelte und sang. Im Jahr 2008 erfüllte er sich einen lang gehegten Wunsch und verließ uns, um in einem Gefängnis in Nordengland zu arbeiten – möglicherweise ein Novum in der Geschichte der Unterhaltungsindustrie. Der sehr erfahrene Dil Davies übernahm daraufhin den Stuhl des Schlagzeugers.

In den letzten Jahren haben wir bewusst versucht, unser Songwriting jenseits der Klischees des „keltischen“ Stils weiterzuentwickeln, und mit Rise Above (2002) und vor allem Meet You There (2007) denken wir, dass wir auf dem richtigen Weg sind. Meet You There wurde damals von vielen als unsere beste Aufnahme überhaupt gefeiert.

Doch gerade als wir daran dachten, eine Teepause einzulegen, wurde alles durch den bemerkenswerten Erfolg unseres Reunion-Albums mit June Tabor, Ragged Kingdom, das 2011 veröffentlicht wurde, wieder auf den Kopf gestellt. 21 Jahre zu warten, um einen Nachfolger von Freedom & Rain zu machen, mag pervers erscheinen, aber hey! beide Parteien waren sehr beschäftigt. Wir haben unsere Freundschaft mit June in der Zwischenzeit nie verloren und spielten sogar gelegentlich zusammen; und eines Tages schien die Zeit einfach reif zu sein, wieder gemeinsam aufzunehmen. Ragged Kingdom brachte uns drei weitere BBC Folk Awards ein (Bestes Album, Beste Gruppe und Bester Track, sowie Folksängerin des Jahres für June). Wir waren 2012 und 2013 auf Tournee und hatten einen Auftritt bei BBC TV’s Later….with Jules Holland.

Anfang 2014 brachten wir eine Sammlung neuen Materials heraus, Diamonds On The Water. Die 6-köpfige Besetzung mit Al Scott und Adrian Oxaal hat sich längst eingespielt, und die Auftritte machen jetzt wahrscheinlich noch mehr Spaß als je zuvor. Wir haben eine „Best Of… Vol 2“-CD veröffentlicht, die die Jahre von 1999 bis 2015 unter dem Titel This House Will Stand abdeckt. Und im Moment drehen wir, wie alle anderen auch, Däumchen, denken über neue Songs nach und fragen uns, wie das Ende von Covid Lockdown aussehen wird!

Jock McDonald : Vocals (Doneagal, Irland)
Chris McKelvey : Guitar (Glasgow, Schottland)
Chesko Geert Vandekerkhof : Keyboard (Ostende, Belgien)
Richard Collins : Bass (London, England)
Patrick Pattyn : Drums (Ostende, Belgien)

Auch wenn er völlig zu Recht zu den anerkanntesten Künstlern der zeitgenössischen Bluesszene gehört, zählt für Mike Zito vor allem, dass er sich seine Aufrichtigkeit, Authentizität und Integrität bewahrt. Diese Eigenschaften waren von Anfang an für seine Karriere von herausragender Bedeutung und prägen auch weiterhin Zitos musikalisches Schaffen.

„Ich habe nichts zu verbergen, und es scheint so, dass die Leute vor allem meine Aufrichtigkeit schätzen“,sagte er einmal der Zeitschrift Vintage Guitar.

„Anders(Osborne) hat mir schon früh geraten: ‚Wenn du nicht an das glaubst, was du singst, wirst du nie ein guter Sänger sein.’ Ich versuche, kein belangloses Zeug zu schreiben; bei mir zählt jedes Wort.“

Auf seinem neuen Album –seinem 16. insgesamt –, das in diesem November bei Ruf Records erscheint und den selbsterklärenden TitelRock’n’Roll: A Tribute to Chuck Berryträgt, geht Zito noch einen Schritt weiter, auch wenn es zugleich eine Rückkehr zu seinen Wurzeln darstellt. Das Album enthält 20 Chuck-Berry-Klassiker, die von Zito und einem beeindruckenden Aufgebot an Gastgitarristen interpretiert werden, darunter Joe Bonamassa, Walter Trout, Eric Gales, Robben Ford, Sonny Landreth, Luther Dickinson, Albert Castiglia, Anders Osborne und last, but not least Chucks Enkel Charles Berry III.Selbstredend gehörten Geduld und Durchhaltevermögen von Anfang zu Zitos Handwerkszeug.

Er begann im Alter von fünf Jahren mit dem Gitarrenspiel und gegen Ende seiner Teenagerzeit war er bereits ein fester Bestandteil der lokalen Musikszene von St. Louis. Zunächst veröffentlichte er seine Musik in Eigenregie und unterschrieb dann 2008 bei Eclecto Groove Records. „Pearl River“, der Titelsong seines 2009er-Albums für dieses Label, brachte ihm einen Blues Music Award in der Kategorie „Song of the Year“ ein und stellte zugleich seine erste Kooperation mit Cyril Neville dar, mit dem er später bei der Royal Southern Brotherhood zusammenarbeiten sollte.

Es folgte eine Reihe von positiv aufgenommenen Alben, die ihren Höhepunkt mit Greyhounderreichte, das als bestes „Rock Blues Album“ bei den Blues Music Awards nominiert war. Zwei Jahre darauf unterschrieb er bei Ruf Records und brachte mit Gone to Texas, auf dem er die Geschichte seines Wegs aus der Drogenabhängigkeit erzählte, eine emotionale Hommage an jenen Staat heraus, der für ihn zur neuen Heimat wurde. Gleichzeitig markierte das Album das Debüt seiner Band The Wheel.

Von 2010 bis 2014 spielte Zito zudem eine zentrale Rolle in der an eine Supergroup erinnernden Royal Southern Brotherhood. Mit dieser Band veröffentlichte er zwei Studioalben sowie das CD/DVD-Set Songs from the Road –Live in Germany, das mit einem Blues Music Award als beste DVD ausgezeichnet wurde. Darüber hinaus konnte sich Zito als Produzent einen Namen machen, so etwa für Alben von Samantha Fish, Albert Castiglia, Ally Venable, Jeremiah Johnson, Jimmy Carpenter und vielen anderen.

Und Zitos Erfolgsgeschichte geht weiter. Sein Album Make Blues Not Warstieg in den Blues-Charts des US-Magazins Billboard auf Nummer eins ein und brachte ihm 2018 bei den Blues Music Awards den Sieg in der Kategorie „Rock Blues Artist of the Year“ ein. Mit seinem im letzten Jahr erschienenen Album First Class Life konnte er eine weitere Nummer eins landen, und das Magazin The Alternate Root urteilte: „Warum er seinem neuen Album den Titel First Class Life gab, wird deutlich, wenn man den Sound jenes Blue Soul hört, der wie Hitzewellen aus seiner Gitarre und seiner Stimme aufsteigt.“

Auf American Blues Scenewar zu lesen: „Mike Zitos Rückkehr zum Blues ist, um es mit einem Wort zu sagen, triumphal!“

Und bei No Depression hieß es: „Einmal mehr hat Zito die Erwartungen erfüllt und ein erstklassiges Paket abgeliefert, ohne dass man dafür Porto bezahlen muss.“

Mit Rock’n’Roll: A Tribute to Chuck Berryhat Zito nun erneut das getan, was er am besten kann: ein Album aufzunehmen, das demütig, von Herzen kommend, professionell gemacht und einfach großartig ist … und um Chuck Berry selbst zu paraphrasieren, es zugleich so richtig rocken lässt.

Dies kann man live auf der Bühne erleben, wenn Mike in Europa die Bühnen rockt! Mit altbekannten Hits und den mitreißenden neuen Songs vom Album Rock’n’Roll: A Tribute to Chuck Berry! Das wird definitiv eine Show bei der niemand die Füße stillhalten kann!

1970 auf Canvey Island, Essex, gegründet, ist Dr.Feelgood noch heute eine der weltweit bekanntesten und spannendsten Live Bands des frühen Rhythm & Blues. Ihr rauer, erdiger Sound und die kompromisslose Live Performance machen jedes Konzert zu einem Erlebnis.

Nicht von ungefähr, dass Dr.Feelgood mit ihrem Album „Stupidity“ nach ihrem No.1 Erfolg in den U.K. Charts Fans aller Coleur von Punk bis Rock´n´Roll um sich vereinen konnten. Weitere Erfolge mit Single-Veröffentlichungen folgten mit Songs wie Roxette, Back in the Night, Milk and Alcohol, Down at the Doctors, She Does it Right, Going Back Home. Ihre Version von See You Later Alligator erhielt sogar Gold Status!

Seit über 30 Jahren ist die heutige Besetzung der Band bereits gemeinsam auf der Bühne: Kevin Morris am Schlagzeug, Phil Mitchell am Bass, Steve Walwyn an der Gitarre. Lediglich Sänger Robert Kane (früher The Animals) ist als Frontman 1999 hinzugestossen und ein Garant für eine energetische und fesselnde Show!

Das letzte Album mit Original-Sänger Lee Brilleaux, „Down At The Doctors“, wurde zwei Monate vor seinem Tod live in der Dr.Feelgood Music Bar auf Canvey Island aufgenommen (heute das Oysterfleet Hotel). Mit „Chessmasters“ (2000) und „Speeding Thru Europe“ (2003) veröffentlichten Dr.Feelgood auch Aufnahmen in der aktuellen Formation, mit der die Band Jahr für Jahr weltweit ausgedehnte Tourneen spielt.

Its back to business!

King King – “best blues-rock band in the world” (Blues Rock Review)

The mission is far from accomplished for the Glaswegian Rock band. “We’re not stopping to smell the roses,” says lead singer Alan Nimmo “We want to take this band as far as we can”

…. and so it continues, don’t hang about to get your tickets for this concert, King King are hot, and they are arguably one the best live acts out there at the moment.

New album ‘Maverick’ Out Now!

KING KING who feature Alan Nimmo on Lead Vocals & Guitar, Jonny Dyke on Keyboards, Zander Greenshields on Bass and Andrew Scott on Drums were formed in Scotland in 2008 and have released four critically acclaimed studio albums plus a double live album & DVD.

Alan Nimmo “We are really looking forward to our return to Germany as part of our spring 2020 tour. A new year, new songs.. and possibly a new kilt!!!”

Seit nunmehr drei Jahrzehnte treiben die DIRTY DEEDS ‘79 ihr Unwesen auf den Bühnen Europas, um die unsterblichen Hits ihrer Idole hochleben zu lassen. Auch die fünf Bonner gehören zu den Millionen AC/DC-Maniacs weltweit. Allerdings waren sie wohl die ersten, die zu den Instrumenten griffen, um ihrer Verehrung Ausdruck zu verleihen. Seit 1989 sind die DEEDS nun schon auf dem „Highway To Hell“ zwischen Balearen und Weißrussland unterwegs um das australische Rotzrock-Evangelium zu predigen.

Nach drei dreckigen Dekaden ist die Qualität der DIRTY DEEDS ‘79 das offenste Geheimnis unserer Tage, habe sie sich doch schon früh den Ruf der führenden AC/DC-Tribute- und Coverband im Land erspielt. Hunderte Konzerte waren es seit die DEEDS das erste Mal mit „Whole Lotta Rosie“ gas gegeben haben und allesamt waren schweißtreibende, zweistündige Andachten.

Und im ganzen Land hat man sie gefeiert: 100.000 und die Mannschaft des FC St.Pauli drehten zu „Hells Bells“ bei der Aufstiegsfeier des Clubs durch. Zweimal waren sie zu Gast beim renommierten AC/DC Fantreffen in Geiselwind und bestanden mit Bravour vor einer Halle gefüllt mit der Creme der internationalen AC/DC-Connaisseure. In der Heimat sind sie hingegen bereits legendär. Ihr Wohnzimmer, die Harmonie, haben sie seit ihrem ersten Gastspiel im Jahre 2001 tatsächlich 60 mal ausverkauft, denn mittlerweile spielen die fünf wegen der großen Nachfrage vier Christmas-Shows im Jahr.

Und ihre runden Bandgeburtstage unter freie Himmel n der Bonner Rheinaue sind Treffpunkt von Tausenden. Und zwischendrin noch eine Riesenehre: als einzige Tributeband in über 40-jährigen Geschichte des legendären WDR Rockpalast wurden die DIRTY DEEDS ‘79 aufgezeichnet und in voller Länge ausgestrahlt. Ein Ritterschlag, über den sie sich noch heute freuen.

Angeführt werden die DEEDS vom Ausnahmegitarristen Volker „Vangus“ Voigt, über den die Bibel der AC/DC-Coverbands, das Onlinemagazin „Daily Dirt“ zu berichten weiß: „Als Besonderheit würde ich noch „Vangus“ erwähnen. Mit „Spiegelglatze“ und aufgeklebten Hörnchen (Schuluniform sowieso) kann man anfangs noch schmunzeln, was jedoch schnell in Begeisterung umschlägt: Der Mann versteht sein Handwerk.“ Das Solinger Tageblatt schlägt in die gleiche Kerbe: „Neben der Schuljungen- Kleidung von Angus Young imitierte er auch dessen weltberühmte Bewegungen täuschend echt: Deutschlands authentischster Angus Young-Klon!“ Ihm zur Seite steht Sänger Alex „Big Bonn“ Kaiser wie Vangus Vorzeigemusikant und eine Rampensau erster Güte. „Bemerkenswert, wie der gewichtige „Big Bonn“ die AC/DC-Sänger Bon Scott und Brian Johnson bühnenwirksam zu verkörpern weiß und wie kraftvoll er seine aufmüpfigen Texte skandiert. Nicht zu überhören ist Lead-Gitarrist „Vangus“, der atemberaubende Soli spielt und dem legendären AC/DC-Gitarristen Angus Young kaum nachsteht.“ (General-Anzeiger, Bonn)

Wir wollen an dieser Stelle eine Kritik der Kollegen von Musicheadquater.de bemühen, die bestens trifft, wofür die DEEDS stehen wollen: „Im komplett ausverkauften Prime Club zu Köln rockten die fünf Jungs aus Bonn alles in Grund und Boden. Über zwanzig Songs, darunter „The Jack“, „Sin City“, „Live Wire“ und natürlich „Dirty Deeds“ wurden zum Besten gegeben, was für ein Abend. Die Band selber ganz im Stil der Australier, Gesang (Big Bonn), Lead Gitarre (Vangus), Rhythmus Gitarre (KutA Young), Bass (Dr. Williams) und Schlagzeuger Gonz „the machine“ Rudd. Nach etwa zehn Minuten ist klar, wohin die Reise an diesem Abend gehen soll: DIRTY DEEDS ’79 rocken was das Zeug hält, man hat kaum Zeit zu verschnaufen, an meinem Shirt befindet sich keine trockene Stelle mehr, egal! Der Prime Club bebt, die Meute tanzt und singt jeden Song aus vollem Herzen mit als wolle man Bon Scott, der mit Sicherheit anwesend war, eine Botschaft schicken.“

Bei den DEEDS gibt’s das Vollprogramm mit „High Voltage“, „Let There Be Rock“, „Hells Bells“, „Thunderstruck“ und all den anderen Prachtstücken von Angus & Co. Bonnaparte.de erfasste es seinerzeit ganz gut, was passiert, wenn sie sich hingebungsvoll durch den AC/DC-Backkatalog rocken: „Die Stimmung kam der auf einem AC/DC-Konzert gleich, auch wenn nur einige hundert Leute in die Harmonie reinpassten: Voll, nass, heiß, laut und genial! Es schien als fegte Angus Young persönlich wie ein Wahnsinniger über die Bühne. Super Konzert, Headbanging, Bier, lauter Gesang. Ende. Gegröle. Zugabe.“

ALASTAIR GREENE – ein Name, den man sich nicht nur in Blues- und Gitarrenkreisen merken sollte.
Er sang und spielte 7 Jahre in der Touringband des Alan Parsons Live Projects Gitarre, tourte mit Starship featuring Mickey Thomas und war erst kürzlich mit Blues Music Award-Winner Sugaray Rayford auf Welttournee.

Damit nicht genug. Nach 8 Solo Blues-Alben veröffentlichte er 2020 sein neues Studio-Album „THE NEW WORLD BLUES“. Die Kritiken für das Album sind durchgehend gut bis sehr gut (u.a. ausführliches Review in der BluesNews 104) und Blues Rock Powerhouse Joe Bonamassa hat nicht nur den Title Track von „THE NEW WORLD BLUES“ in seine Spotify playlist „Epic Guitar Solos“ hinzugefügt, er hat auch den Song „Bayou Mile“ in seiner SiriusXM radio show „Different Shades Of Blue“ gespielt.

Joe meinte dazu on air: „Alastair Greene is killing it! Singing great, writing great, he’s at the height of his powers.“

Alastair wird mit seinem Bluesrock-Trio im Oktober 2022 die deutschen Shows für Walter Trout eröffnen und weitere Zusatzshows mit seiner Band in Deutschland, Österreich und der Schweiz spielen.

ALASTAIR GREENE BLUESBAND
The New World Blues Tour 2022
08.10 Dortmund, Piano
12.10 Wien, Reigen
15.10 Kaiserslauten Blues-Festival
18.10 Frankfurt, Nachtleben
19.10 Kandern, Chabah
20.10 Basel, 8 Bar
21.10 Reichenbach, Die Halle
22.10 Isernhagen, Bluesgarage

Supporting WALTER TROUT
05.10 Hamburg, Jucks
07.10 Dillingen, Lockschuppen
11.10 Aschaffenburg, Colos Saal
13.10 Münster, Jovel
14.10 Erfurt, Gewerkschaftshaus
16.10 Berlin, Kesselhaus

Wer es wagt, sich an das Material der kanadischen Prog Rockband RUSH heranzutrauen, muss schon ein großes Vertrauen in sein musikalisches Können haben.
Die drei Mitglieder der italienischen Band LA VILLA STRANGIATO haben genau das! Die aus Rom stammende Band, benannt nach einem alten RUSH Titel, wurde 2010 von Gabriele Ferrari und Carlo Fattorini gegründet. Seither ist es ihr Anliegen, die Songs aus der Zeit der größten Popularität von RUSH, in den 70er und 80er Jahren, wieder zu beleben.
In den letzten Jahren haben die drei Italiener ihr Programm stetig weiterentwickelt und hinterließen auf vielen Shows begeisterte Fans Im aktuellen Programm Permanent Changes für 2020 stellt sich die Band der Herausforderung das gesamte Album Permanent Waves und eine faszinierende Auswahl an Songs, die RUSH seit damals nicht mehr gespielt hatte darzubieten. Sie
liefern damit endgültig den fulminanten Beweis als einzige Band in Europa fähig zu sein, das komplexe Material von RUSH zu spielen.

Europas größte Genesis Tribute Show kommt erneut auf Deutschland-Tour

Das muss ihnen erst mal jemand nachmachen: Als Kim Schwarz und Jacob Hansen von „Geneses“ ihr fulminantes Drum Duett abliefern, haben sie über zwei Stunden Programm hinter sich. Zwei Stunden mit so komplexen, epischen Songs wie „Dancing with the moonlit knight“, dem „Old Medley“ oder „Abacab“. Aber auch Hits wie „Mama“, „No Son Of Mine“ oder „Carpet Crawlers“.

So ist das eben, wenn die Idole von einst eine so umfassende Wandlung durchleben wie Genesis das tat, vom komplex durcharrangierten Progressive Rock mit Sänger Peter Gabriel zum stadiontauglichem Rockpop-Mainstream und Phil Collins am Mikrofon. Zwei Seiten, die im Fokus der Show der Tribute-Band Geneses stehen. Ein Brückenschlag zwischen den 70ern und 90er Jahren mit all ihren Facetten.

Perfekte Hommage an Genesis

Die Band trägt dem wechselvollen Charakter ihres Vorbilds Rechnung und überzeugt mit instrumentaler Klasse – Kai Hildebrand als erstklassiger Gitarrist, Bert Böttcher an den Keyboards, die für Genesis so tonangebend waren wie bei kaum einer anderen Band ihrer Zeit, Richard Schaeffer am Bass, der so cool wie Mike Rutherford das Understatement zelebriert, der großartige Kim Schwarz an den Drums, in typischer Genesis-Manier unterstützt von Jacob Hansen am zweiten Drumkit und ihrem neuen Sänger, Jean-Michael Brinksmeier. Bei letzterem wird besonders deutlich: Hier wird sich nicht an einer bloßen Kopie der britischen Rockband Genesis versucht, sondern eine emanzipierte Hommage von sechs versierten Musikern dargeboten.

Nicht zu vergessen eine Lichtshow, die hervorragend dosiert die Wirkung der Songs untermalt, etwa wenn zu „Home By The Sea“ ein Lichtschleier gespenstisch durch die Band schwebt oder passend zur Intensität von „Land Of Confusion“ weiße Blitze durchs Publikum schneiden.

Und dann ist da ja noch das Bonbon zum Schluss, dass endgültig alle Begeisterungsdämme brechen lässt: Das Schlagzeug-Duett von Schwarz und Hansen, das an das legendäre Wembley-Konzert von 1987 auf der „Invisible Touch-Tour“ erinnert, als Phil Collins und Chester Thompson sechs Minuten lang die Drums bearbeiteten, bevor die gesamte Band zum Finale einsteigt – das nachzumachen, das soll „Geneses“ erst mal jemand nachmachen!

24-7 Spyz präsentiert brandneues Album mit Live-Shows

Das Jahr 2021 markiert die Rückkehr des Heavy Metal Soul Sounds, der 24-7 Spyz signifiziert!

Die aus der South Bronx stammende Band hat kürzlich ihr brandneues Album The Soundtrack to The Innermost Galaxy veröffentlicht, das ab Anfang 2020 in Europa beworben wird.

24-7 Spyz wurde 1986 gegründet, ist seitdem viele Male durch Europa gereist und hat die Menge immer begeistert. Ihr Sound ist eine einzigartige Mischung aus Heavy Metal, Soul, Funk und Jazz. Sie werden oft mit Bands wie Living Color, Urban Dance Squad, Fishbone und Red Hot Chili Peppers verglichen.

⇒ Website der Band

Before Mötley Crüe, before RATT, even before there was a Metallica, Y&T was slogging away in sweaty rock clubs around America. When the band formed in the early 1970s, little did they know they would set the standard for hard rock bands that trailed. Many of the biggest acts of the ’80s became popular opening for headliners Y&T—and cut their teeth on the band, as evidenced by the Y&T mentions in tell-all books by acts such as Metallica and Mötley Crüe.

Born in Oakland, California, Y&T is one of the San Francisco Bay Area’s own innovators of the hard rock sound. Whether performing to a festival crowd of fifty-thousand or in an intimate nightclub, Y&T’s high-energy set and passionate performances still captivate legions of fans around the globe, proving Y&T’s music timeless.

Originally formed as Yesterday and Today, the initial powerhouse quartet—featuring Dave Meniketti (lead guitar/lead vocals), Phil Kennemore (bass), Leonard Haze (drums), and Joey Alves (rhythm guitar)—tore through the ’70s and ’80s with their own brand of hard rock. After two ’70s albums on London Records, they shortened their name to Y&T and released eight albums on A&M in the ’80s. Two more albums with Geffen Records marked an era of change with Jimmy DeGrasso (Alice Cooper, Suicidal Tendencies, Megadeth) on drums and Stef Burns (Alice Cooper, Berlin, Huey Lewis) on guitar.

With a discography of 18 albums, four greatest hits collections, plus a box set, Y&T have sold over four million albums since their 1974 inception. The band’s most recent single „I’m Coming Home“ has climbed to roughly 1.5 million views on YouTube. Y&T received extensive airplay with hits such as Forever, Rescue Me, Mean Streak, Don’t Stop Runnin‘, and Summertime Girls—which played in heavy rotation on MTV. Y&T songs have been featured in a multitude of movies and television shows, including Real Genius, Out of Bounds, Baywatch, and Hunter. After five top 100 albums, songs that tipped into the 40s, two Bammie Awards, and many international television appearances, Y&T’s hits are still played on VH1 Classic and Classic Rock radio stations worldwide.

With the passing of Kennemore, Haze, and Alves, it’s Meniketti who carries on the legacy that is Y&T. Y&T continues to tour the world, featuring the dynamic original frontman Dave Meniketti (lead guitar/lead vocals), John Nymann (guitar/vocals), Aaron Leigh (bass/vocals), and Mike Vanderhule (drums/vocals), playing songs that span the band’s five-decade career and including all the hits and fan favorites. Prepare to have your face melted.

PRESS CONTACT: management@YandTRocks.com

The Ruts were a reggae-influenced British punk rock band, formed in 1977 at the height of the Punk revolution. They finally released their first single ‘In A Rut’ in early 1979 on the People Unite label . This 7” vinyl was much played and highly regarded by the UK BBC Radio 1 D.J, John Peel. From then on and over the years, the record rightly became what can be considered to be a Punk anthem.

There were more to follow, with the singles ‘Babylons Burning’,’ Something that I Said’, ‘Jah War’ (all from the debut album ‘The Crack’) and ‘Staring at the Rude Boys’, ‘West One’ (both featured on the album ‘Grin and Bear It’).The band were quickly established as a major force in U.K music, but by 1980, The Ruts were over. The 3 remaining Ruts felt that they had to continue with their mission.
To differentiate between incarnations, they added the initials D.C (Da.Capo) – a musical term for back to the beginning. After 2 albums – ‘Animal Now’ and later ‘Rhythm Collision Volume 1’ with legendary dub producer “Mad Professor” they parted ways to follow their own musical paths.

And so it remained until 2007 when sad news of Paul Fox’s illness brought them back together. It was decided to do “One last gig”. With Henry Rollins taking over the lead vocals, the set of timeless classics served as both a celebration of Foxy’s unique talent but also as a belated tribute to original vocalist Malcolm Owen. See the gig here.

The second circle was complete.

⇒ Website der Band

Mit neuer Band und einem neuen Studio Album möchte Henrik Freischlader auf die Bühnen der Clubs und Festivals zurückkehren. Die Fans können sich auf intensive Konzerte freuen, bei denen musikalisch aufgeholt wird, was in den letzten Jahren vermisst wurde. Es wird wieder rockiger und natürlich auch etwas lauter als im Internet. Das klassische Bluesrock-Quartett bilden Schlagzeug, Bass, Hammond Orgel, Gitarre & Gesang und es darf sich auf alte Bekannte gefreut werden.

Neben den neuen Songs, dürfen sich nach einer so langen Pause außerdem Lieblingsstücke gewünscht werden. Wir freuen uns auf Euch alle!

Besetzung:
Henrik Freischlader – Gesang & Gitarre
Hardy Fischötter – Schlagzeug
Armin Alic – Bass
Moritz Fuhrhop – Hammond Orgel

The Coronas
True Love Waits – album biography

The Coronas’ sixth album marks more than a fresh start. If its five, platinum-selling predecessors were chapters in the career of one of Ireland’s biggest, best-loved bands, True Love Waits is a whole new book.

A quartet for 13 years, last summer, The Coronas became a trio when guitarist Dave McPhillips unexpectedly left. Briefly they questioned whether to continue, but once the shock had subsided, something dawned on the Dubliners. If they weren’t the band they used to be, why make music as they always had?

“In retrospect, the shock of Dave leaving the band helped us get a clearer picture of what we wanted the album to be” says Danny O’Reilly, singer and lead songwriter. “When we accepted that we weren’t going to be the same band without him, it was easier to let the songs lead us in ways we wouldn’t have thought of before”

“Rather than replace Dave, we actually contemplated ditching guitars entirely. But instead we opened ourselves up to work with loads of our talented friends, mainly because the songs warranted it, and we had an amazing young producer George Murphy who knew exactly the kind of album we wanted to make.”

“For the first time we used real brass, there are extra guest backing vocalists, guest guitar players and our first featured duet. From early on, the guys encouraged me to use my voice differently, just pushing me to try something that I wouldn’t have done previously”

Two songs had already been recorded, in L.A. last February with Hozier and PJ Harvey producer Rob Kirwan, when Danny, bassist Graham Knox and drummer Conor Egan pressed reset. But the album only really began to take shape once a raft of new songs arrived. Key to the process was Danny’s coterie of new co-writers.

“I co-wrote a little on the last two albums and loved it,” says Danny. “This time I was up for anything. I took snippets of ideas to several musician mates, mostly around Dublin and Kerry, to see what we came up with and that’s how we hit on some of the new sounds and different song structures.

“When you’re five albums in, it can be difficult to write differently on your own – you instinctively return to the same patterns. With fresh input, you’re forced down new paths, and it’s also great sharing that excitement in a room when you both know that there’s something special in the idea you’ve just created together”

Title track and new single True Love Waits was written with Cian MacSweeny, frontman of Cork-formed, Dublin-based trio True Tides, one of The Coronas’ favourite bands and their recent support act.

Acoustic guitar and bright synths blend to create an atmosphere of dreamy optimism, while the lyrics – ‘Fuck that, take a chance’ – could as easily apply to The Coronas’ new outlook as a new relationship. Much of the song is the band’s original demo, recorded DIY in Dublin, before being completed in London with producer George Murphy.

“We’ve never kept so much of our demos before,” says Danny, “but what’s great about George is he can see the magic in a moment. There’s a spontaneity to that song which we’d have lost by rerecording it. George engineered our last two albums, so he knows us very well. He’d hone in on the vibes of what we brought him. A lot of the songs had odd arrangements and he understood straight away what we were trying to do.”

The unorthodox arrangements helped push The Coronas out of their comfort zone. The release last year of hypnotic first single Find The Water was a shock to some, but its success told the band they were on the right path.

Beginning with just piano and vocals, then breaking into an intense chant, Find The Water soars skywards on trumpets and percussion and has Danny singing so high by the end that he’s all but unrecognisable.

Future single Cold may rival it for surprises. Opening on its stark, prayer-like chorus, it’s a majestic spine-chiller that shapeshifts on piano, percussion and synths. Written by Danny as a pick-me-up late one night alone in Dingle, it’s about decision-making and self-doubt.

“How do you know you’ve made the right choice, about anything,” says Danny. “In the midst of so much change, you can question every decision, but what’s the point? It’s our ‘don’t get down’ song. Have confidence and move on.”

Lyrically, True Love Waits addresses everything from a new love in Danny’s life to looking back at past achievements with pride to dealing with Dave’s departure.

Light Me Up flips from atmospheric to anthemic and builds to a boisterous, gospel finish featuring co-writer Cian on backing vocals. Haunted, one of two songs written with producer Cormac Butler, is a toast to a partnership – with the phrase “haunted” being Dingle-speak for “lucky”.

Lost in The Thick It is one of the albums highlights, a gorgeous duet with Gabrielle Aplin, written in Brighton with Aplin and her partner Alfie Hudson-Taylor.

On the celebratory Brave, The Coronas work in a waltz. The euphoric Heat of the Moment they describe as their Richard Curtis love song. By the end of I Think We Jinxed It, the guitars and synths soar just much as Danny’s vocals.

“We never thought we’d make six albums, or be as excited about music as we are now. It’s great that we’re not trying to compete with anyone else. We’d rather just outdo ourselves.”

Es gibt Musik die von einer Generation zur Nächsten weitergereicht wird und dabei nichts an Spannung und Authentizität einbüßt. Wer das Album „Pampered Mental“ von der Gruppe „Pavlov´s Dog“ – gegründet bereits 1972 in St. Louis Missouri – gehört hat wird einfach nachhaltig beeindruckt  von einem Sound der auf gewisser Weise einmalig ist.

Die Mischung aus Klassik und Rock, Folk und Pomp – getragen von David Suhrkamp´s sicher unvergleichlicher Falsettstimme – gehört zur Gen-Substanz einer Musikrichtung die man inzwischen „Prog“ nennt.

Traumhaft schöne Songs –  seit Jahrzehnten darf „Julia“ auf keiner Schmuseparty fehlen – und eine bemerkenswerte Instrumentierung ziehen die Hörer magisch in ihren Bann. Akustische und elektrische Gitarren verweben sich mit Mellotron- und Geigenklängen. Rhythmische Hardrock-Phasen wechseln sich mit sphärischen Melodienbögen ab – und da ist dann immer wieder diese überirdische Stimme.

Im Lauf der Jahrzehnte hat sich die Besetzung der Band immer wieder verändert ohne dass das musikalische Spektrum weiter eingegrenzt wurde.

Das Album „Pampered Mental“ – mit dem berühmten Hund auf dem Cover und dem Dauerbrenner „Julia“ brachte die Band 1975 sofort zu weltweiter Beachtung. Es wurde viel spekuliert ob David Suhrkamp diese stimmliche Akrobatik mit Hilfe von Helium erzeugte. Doch auch das folgende Album „At the Sound oft he Bell“ konnte genauso viele Menschen begeistern.

Es folgte eine lange Funkstille. Erst Anfang der 90er Jahre wurde ihr drittes Album „Third“ veröffentlicht doch erst im neuen Jahrtausend begann die Band international zu touren und war wohl selbst erstaunt wie viele Menschen „Pavlov´s Dog“ überwiegend zum ersten Mal live sehen wollten.

Tatsächlich begab sich die Band wieder ins Studio und begann auf gleichem Niveau dort weiter zu machen wo sie Ende der 70er aufgehört hatten. Und die Melodien blieben betörend und der Sound außerirdisch.

2018 erschien das Album „Prodigal Dreamer“ – und was fand sich auf dem Cover? Richtig! Ein eingebildeter fetter Hund. Das Album übertraf alle Erwartungen und wurde von der Musikpresse gefeiert. Im Prog-Magazin „eclipsed“ wurde es zum Album des Monats gekürt und selbst in der Liste der Jahresbesten kam es auf Platz 14. Die Band war ohne Zweifel ein aktueller Act – die Tourneen europaweit erfolgreich.

Wir freuen uns dass PAVLOV´s DOG nach der langen allgemeinen Kunstpause auch im Jahr 2022 wieder nach Europa kommt.

Randy Hansen – Guitar, Vocal
UFO Walter – Bass, Backing Vocal
Manni von Bohr – Drums

Seit Jimi Hendrix´ Tod im Jahre 1970 gab es immer wieder Musiker, die versuchten, seine Musik so identisch wie möglich zu interpretieren. Doch so richtig gelang es keinem, bis Randy Hansen in den 80ern auftauchte.

Überraschenderweise ist er tatsächlich in der Lage, Jimi´s original Gitarrensounds verblüffend exakt nachzuempfinden. Aber damit nicht genug; wenn er singt,
meint man, Jimi´s Stimme zu hören. Randy Hansen hat Jimi Hendrix sozusagen bis ins Detail „studiert“. Nicht umsonst wird er von Musikkritikern -und Magazinen in der ganzen Welt als Reinkarnation von Jimi Hendrix betitelt. Wie ein Derwisch fegt das Energiebündel über die Bühne und zieht das Publikum, mit seinem „waffenartigen Sound“ in seinen Bann.

Bereits als Zwölfjähriger hörte er das erste Hendrix Album „Are You Experienced“.
Sein Ehrgeiz, sich Jimi´s außergewöhnliche Feedback-Sounds `draufzuschaffen` sollte sein weiteres Leben bestimmen. Mittlerweile in den USA hinreichend bekannt, tourte er mit vielen bekannten Musikern und Bands, unter anderem Jethro Tull, Ritchie Blackmore, Buddy Miles, John Mellencamp, Bob Seger, den Beach Boys, Mitch Mitchell und vielen
anderen.

Auch am Soundtrack von Francis Ford Coppola´s Antikriegsfilm “Apocalypse Now“ hat Hansen mitgeschrieben. Sein Debüt in Deutschland feierte Randy, als auch Uli Jon Roth von den Scorpions von Randy so begeistert war, dass er ihn für sein Konzert zu Ehren Jimi Hendrix engagierte, welches in Kölner E-Werk stattfand und vom WDR aufgezeichnet wurde. („Tribute to Jimi Hendrix“). Es läuft immer wieder auf deutschen TV-Sendern.

Inzwischen hat Randy, der es wie kein anderer vermag „his whole body and soul“ in seinen Gitarren Sound einfließen zu lassen in ganz Europa diverse Fernsehshows sowie unzählige Live-Gigs absolviert, und sich so eine feste Fangemeinde aufgebaut.

Sowohl in den USA als auch in Europa ist er zu einer Kultfigur geworden. Seine Konzerte werden nicht nur von Hendrix Fans sehnsüchtig erwartet und frenetisch gefeiert und sind vor allem in Europa und speziell in Deutschland immer regelmäßig gut besucht bis ausverkauft.

Auch Randy Hansen´s Band ist hinreichend bekannt in der deutschen Rockszene. Mit von der Partie sind nämlich Manni von Bohr, früher an den Drums bei der Krautrock-Institution Birth Control und Redakteur beim bekannten Magazin Drums & Percussion und UFO Walter am Bass, der langjährige Bassist von Marla Glen.

Einflüsse aus Grunge, Garage und Indierock fließen zu einem völlig übersteuerten, extrem fudgigen Superfuzz-Bigmuff zusammen. Der Sound ist ein Feuerwerk aus Noise, Indie-Blues bis hin zu Stoner-Rock, immer mit den für Daily Thompson üblichen Fuzz-, WahWah- und Distortion-Attacken kreieren sie ihren 90ies Fuzz-Desert-Rock. Besonders die zwei Leadvocals sind nicht oft in dem Genre zu finden.

Die letzten Jahre hat das Trio sozusagen auf der Straße verbracht. Daily Thompson haben sich schon auf unzähligen Shows bewiesen, darunter auch Festivals wie z.B. das WDR Rockpalast Crossroads Festival, Reeperbahn Festival, Orange Blossom Special Festival oder Krach Am Bach! Bühnen wurden mit Bands wie Liam Gallagher, Portugal The Man, Maximo Park, Earthless, Mustasch, Nebula, Truckfighters und vielen mehr geteilt.

Für 2021/22 sind Festivals wie das Freak Valley, Stoned From The Underground und Rock Im Wald bestätigt.

Obwohl die Band durchgängig auf Tour ist, veröffentlichen sie Singles und Alben am laufenden Band. 2014 wurde das selbstbetitelte Debüt Album veröffentlicht, 2015 wurde die Split 7“ „Spit Out The Crap“ mit der US Band Mos Generator released und 2016 veröffentlichte die Band ihr zweites Album „Boring Nation“. Den Release der Split 7“ „River Haze“ feierten sie 2017 auf dem Reeperbahnfestival. 2018 wurde das Album „Thirsty“ veröffentlicht. Im Januar wurde außerdem die Split Ep mit der Künstlerin Elli De Mon released, die italienische Antwort auf Seasick Steve.

2020 unterschrieb die Band bei dem Berliner Label Noisolution und veröffentlichte ihr viertes Album „Oumumua“ am 21. August 2020. Im Dezember 2021 wird die Band ihr neues Studio Album „God Of Spinoza“ veröffentlichen!

„Deep Purple in Rock“- sämtliche Songs des Klassikers endlich wieder live!
Demon’s Eye zelebrieren als Nr. 1 der Deep-Purple-Tribute-Bands das 50. Jubiläum des Jahrhundertalbums „Deep Purple In Rock“!

2020 jährte sie sich zum 50. Mal – die Veröffentlichung von „Deep Purple In Rock“! Das runde Jubiläum des 1970 erschienenen Meisterwerks nehmen Demon’s Eye zum Anlass für eine ganz spezielle Tournee. Im ersten Konzertteil führt „Europas Deep-Purple-Tribute-Band Nr. 1“ das komplette Album inklusive der Outtakes auf. Anschließend bringt das spieltechnisch virtuose Quintett, das bereits mit Ian Paice (Schlagzeug) beziehungsweise Jon Lord (Keyboards) aufgetreten ist und von beiden Deep-Purple-Ikonen in den höchsten Tönen gelobt wurde, weitere Highlights aus der Karriere der 1968 gegründeten britischen Hardrock-Ikone live auf die Bühne.

„Deep Purple in Rock“ gilt als eine der einflussreichsten Platten der Rockgeschichte. Für Purple bedeutete sie den weltweiten Durchbruch, das belegen alleine schon diverse Goldene Schallplatten. In Deutschland stand ihre vierte Studio-Scheibe zwölf Wochen auf Platz eins.

Ritchie Blackmores markante Gitarrenriffs in Verbindung mit Jon Lords klassischen Kadenzen auf der röhrenden Hammond-Orgel verbanden sich zu einer bis dato nicht gekannten Härte und Wucht. Nebenbei setzte sich Ian Gillan als ihr neuer Sänger insbesondere mit seiner ekstatischen Darbietung auf „Child in Time“ selbst ein Denkmal. Wenn es einen Tonträger gibt, der sinnbildlich für das Ende der Flower-Power-Ära steht, dann dieser epochale Geniestreich! Gute Gründe für Demon’s Eye, den Genre-Klassiker in all seinen Facetten live zu performen.

Die Tribute-Formation widmet sich bereits seit 1998 primär der Siebziger Jahre-Phase des Hardrock-Flaggschiffs und orientiert sich dabei am Sound des für viele Rockfans besten Live-Albums „Made in Japan“. Wie das Original so zeichnen sich auch Demon’s Eye durch furios improvisierte Gitarren- und Orgelduelle bei unbändiger Spielfreude aus. „Stets wird eine ganz besondere Magie erzeugt, der sich keiner entziehen kann“ (‚Rastatter Tagesblatt‘).

Angesichts der Tatsache, dass Deep Purple mit ihrer „The Long Goodbye-Tour“ seit Mai 2017 ihren Abschied von ausgedehnten Gastspielreisen eingeläutet haben, sind Demon’s Eye die legitimen Verwalter des live-musikalischen Erbes der weltberühmten Hardrocker. Das sieht auch Ian Paice so. Der Purple-Drummer bescheinigte Demon’s Eye auf einer Pressekonferenz „eine wundervolle Gruppe“ zu sein und sagte darüber hinaus: „Diese Jungs sind wirklich fantastisch. Sie wissen genau, was sie tun!“

Wer also „Child In Time“, „Speed King“ oder „Hard Lovin‘ Man“ von „In Rock“ sowie weitere Klassiker wie „Highway Star“, „Smoke On The Water“ oder „Burn“ authentisch erleben möchte, darf sich dieses Konzert nicht entgehen lassen. Allein schon deswegen, weil zahlreiche „In Rock“-Songs von Purple selbst live nicht mehr aufgeführt werden! Top-Qualität ist immer garantiert, denn Demon’s Eye sind ein Deep-Purple-Tribute-Act, der, laut „Mannheimer Morgen“, „vom Original nicht zu unterscheiden ist“.

Die Climax Blues Band wurde 1968 von Colin Cooper gegründet, der die Band zusammen mit Pete Haycock in den 1970er und 1980er Jahren mit Verkaufsschlagern wie FM Live und Gold Plated, sowie den Hitsingles „Couldn’t Get
It Right“ und „I Love You“ zu großem Erfolg und Anerkennung führte. George Glover stieß 1981 als Keyboarder zur Band, Haycock verließ die Band 1984 und Lester Hunt kam 1985 zu den neu formierten Climax, Roy Adams kam 1987 dazu und Neil Simpson Anfang der 1990er Jahre. Colin Cooper leitete die Band mit einer Rückkehr zu der Art von Blues, mit der die Band begonnen hatte, bevor er 2008 zu früh verstarb. Sein Wunsch war es, dass die Band weitermacht, und die Verpflichtung von Graham Dee und Chris ‚Beebe‘ Aldridge erfolgte mit dem Ziel, den
Climax-Sound wieder zu erweitern, neue musikalische Einflüsse aufzunehmen, sich kreativ weiterzuentwickeln, was das Markenzeichen der Climax Blues Band war, anstatt sich auf den vergangenen Ruhm zu verlassen.

Das Live-Album Security Alert wurde 2015 veröffentlicht und spiegelte diesen Schritt nach vorne und die Tatsache wider, dass Climax alte und neue Fans in ganz Großbritannien und Europa gleichermaßen begeisterten. Roy Wood von ELO und Wizzard mischte das Live-Album.

Im Mittelpunkt steht Graham Dee, ein Frontmann, der das Publikum in seinen Bann zieht und über sich hinauswächst. Sein erstaunlicher Stimmumfang hebt ihn von der Masse ab und er geht gerne im Publikum umher, um die Freude zu verbreiten….

Chris Aldridge ist eher gelassen und überzeugt mit seinem herausragenden, virtuosen Saxophonspiel, mit dem er Soul-, Jazz- und Blueseinflüsse stilvoll unterstreicht.

2019 wurde das Album HANDS OF TIME veröffentlicht, das erste Studioalbum mit eigenen Songs seit Drastic Steps im Jahr 1987.Hands Of Time ging direkt an die Spitze der Amazon-Downloads und auf Platz 3 der iTunes Blues-Charts.

2022 gab der Gitarrist Lester Hunt aus gesundheitlichen Gründen seinen Rücktritt aus der Band bekannt und Climax rekrutierten, ohne zu zögern, Dan Machin als Gitarristen. Dan hatte seit seinem 16. Lebensjahr mit Lester zusammengearbeitet, war Climax als Fan gefolgt und hatte im Laufe der Zeit in verschiedenen anderen Bands mit Roy und Neil gespielt. Er war bereits für Les bei Auftritten eingesprungen, wenn dieser nicht spielen konnte, und es war offensichtlich, dass er sich als versierter und äußerst talentierter Gitarrist nahtlos in die Band einfügen konnte.

Das seit 30 Jahren eingespielte Rhythmusgespann aus Adams und Simpson, der Climax-Veteran George Glover, der als Bandleader vom Keyboard aus alles zusammenhält, die dynamischen Beebe und Graham, sowie der kreative Gitarrist Dan als „neues Blut“ haben nun ein neues Kapitel der Climax Blues Band aufgeschlagen. Sie kreieren neue Musik, bewegen sich vorwärts, vermischen Altes mit Neuem und lieben es, Musik zu machen. Ein brandneues Album mit eigenen Songs ist in Arbeit, um auf dem Erfolg von Hands Of Time anzuknüpfen.

Seit er erstmals kurz nach dem Millenium auf dem Radar erschien, als eine Handvoll dänischer Kneipengänger in den Bluesbars von Kopenhagen einen Rohdiamanten entdeckten, hat Thorbjørn Risagers kometenhafter Aufstieg ihm kaum die Zeit gelassen, einmal einen Blick zurück zu werfen. Für diesen von der Kritik gefeierten Songschreiber, unvergleichlichen Sänger, gefühlvollen Gitarristen und Bandleader des mächtigen Black Tornado war es ein Karrierestart, bei dem er stets den Horizont vor Augen hatte: die nächste Stadt, die nächste Show, den nächsten Song, das nächste Album.

„Ich kann es kaum glauben, dass es schon 20 Jahre her ist, dass wir diese große Reise begonnen haben“, sagt Risager im Rückblick auf eine Karriere, die ihn prestigeträchtige europäische und britische Bluespreise im Sturm hat abräumen sehen, seine Musik in über 20 Länder tragen und es auf der Bühne mit Legenden wie Buddy Guy aufnehmen ließ. „Wir sind so froh darüber, dieses Jubiläum mit dieser Sammlung von Songs feiern zu können, die die letzten beiden Dekaden repräsentieren.“

Mit zwei Tonträgern und 25 Songs, die das Beste aus Risagers bisherigen elf Studio- und Livealben darstellen, lädt diese Compilation euch zu einer Rundreise durch die Karriere eines faszinierenden modernen Bluesmannes ein. Mit der Abdeckung der Jahre 2004 bis 2012 fängt „Volume One“ die Begeisterung der Anfangsjahre ein, als Risager und die ursprünglich unter Blue 7 firmierende Band dem New-Orleans-R&B der 1950er-Jahre einen neuen Dreh verpassten, die Clubs im Zentrum von Kopenhagen aufmischten und sich 2005 beim dortigen Bluesfestival den begehrten Titel des „Artist Of The Year“ holten.

Auf dieser ersten Scheibe werdet ihr die feinsten Songs aus den Alben jener Ära des Durchbruchs finden. Vom Studiodebüt „From The Heart“ von 2006, das das angesehene US-Magazin BluesWax dazu brachte, Risager als „den nächsten großen Namen im Blues“ anzukündigen, stammt der schwermütige authentische Blues „Ain’t Ever Gonna Leave No More“.

Von „Track Record“ von 2010 stammen das erdig stampfende „Rock’n’Roll Ride“ sowie das von Countrymusik beeinflusste „Stand Beside Me“. Und Fans, die die Band seit Erscheinen ihres kultigen Debüts „Live 2004“ als voll aufdrehenden Liveact kennen, finden diese schlagkräftige Performance erneut auf den Tracks von „Live At Victoria“ von 2009: Versucht es mal mit dem bläsergesättigten Groove von „You Better Pay Attention“ oder der feurigen Darbietung von „Burning Up“, die dem Titel voll gerecht wird. Als das Album, mit dem Risagers frühe Karriere ihren Abschluss fand, ist „Dust & Scratches“ hier mit dem virtuosen akustischen Groove von „In The Back Of My Mind“ vertreten: einem Song mit so viel Optimismus, das er Gewitterwolken aufreißen könnte.

Es war eine spannende erste Dekade – aber „Volume Two“ bezeugt die Tatsache, dass Risager gerade erst begonnen hatte. Während der letzten zehn Jahre hat Dänemarks Lieblingssohn seine Fahne in die Welt hinausgetragen und jene Art von globalem Ansehen gewonnen, die normalerweise den britischen Adepten der Söhne des Mississippi-Deltas vorbehalten ist. 2014 hatte Risagers zunehmende Eigendynamik ihn bei Ruf Records anklopfen lassen, und mit dem im selben Jahr veröffentlichten „Too Many Roads“-Album brachte er seinen neuen Plattendeal mit Stil auf den Weg.

Während das Weltklasseformat seiner Stimme längst anerkannt war, wuchs Risagers Fähigkeit als Songschreiber mit jeder Veröffentlichung. Seine bis dato von Kritikern vielleicht am meisten gefeierte Veröffentlichung, „Too Many Roads“, schenkte uns Goldschätze wie den Lokomotiven-Groove von „If You Wanna Leave“, das hypnotisierende „China Gate“, den graziösen Soul von „Through The Tears“ sowie den unwiderstehlichen Funk von „Paradise“. „Wir waren sehr glücklich mit dem Album“, erzählte Risager Bluebird Reviews, „aber wir hätten nie gedacht, dass es die Aufmerksamkeit so vieler Leute auf sich ziehen würde. Es war ein Riesensprung vorwärts für uns.“

Weitere Sprünge sollten folgen. Mit der Livereputation, die ihnen vorauseilte, war die Band 2016 naturgemäß ein Kandidat für Rufs kultige „Songs From The Road“-Reihe, und von diesem spannenden Set findet ihr hier eine ungestüme Version von Big Joe Williams’ Klassiker „Baby Please Don’t Go“. Zurück im Studio wurde „Change My Game“ von 2017 ein kraftvoller – von Classic Rock als „eine Wiederkehr mit Stil“ gelobter –Nachfolger, der uns die Push-Pull-Rhythmen von „Maybe It’s Alright“ und das verzerrergesättigte „Hold My Lover Tight“ bescherte. Und natürlich wäre keine Retrospektive vollständig ohne das letztjährige „Come On In“, das hier mit dem Titelsong sowie mit den ansteckenden Handclaps und dem schneidenden Slide von „Last Train“ vertreten ist.

Thorbjørn Risager & The Black Tornado sind noch lange nicht fertig. Diese Compilation markiert weder einen Endpunkt, noch sind die Songs ihr letztes Wort. Sie ist nur eine Atempause an einer Wegmarke, die wenige Künstler erreichen, und noch weniger mit derart vielen klassischen Songs in ihrem Back-Katalog. „Mein Dank gilt allen, die am Zustandekommen dieses Albums teilhatten“, sagt Risager, „und allen unseren wunderbaren Fans da draußen. Wir hoffen, das Album macht euch Spaß und wir werden euch irgendwann wiedersehen.“

Musicians 

Thorbjørn Risager – Vocal, Guitar
Emil Balsgaard – Piano, Organ, Wurlitzer, Synthesizer
Joachim Svensmark – Guitar, Synthesizer, BG vocal
Kasper Wagner – Alto Sax, Tenor Sax, Baritone Sax,
Hans Nybo – Tenor Sax
Peter W Kehl – Trumpet, Flugelhorn, Trombone, Sousaphone,
Søren Bøjgaard – Bass, Moog Bass, Synthesizer
Martin Seidelin – Drums, Percussion

Martin Turner and his band return to the concert stages during 2022 to perform two vintage Wishbone Ash album in their entirety – 1972’s Argus (celebrating the album’s 50th anniversary) and 1973’s Wishbone Four.

Wishbone Ash was formed by West Country musicians Martin Turner and Steve Upton, who arrived in London in 1969 to embark on their musical journey. Intent on creating a musical sound that was rich in texture and melody, Martin Turner envisaged the band’s innovative harmony-guitar hallmark and guitarists Ted Turner and Andy Powell were recruited via a now legendary Melody Maker advert. The partnership of the original line-up of Wishbone Ash forged a unique musical identity that would produce some of rock music’s best loved works and influencing numerous successful bands, resulting in millions of album sales and concert attendances. Wishbone Ash would become one of the most enduring British rock acts – its name synonymous with high quality guitar-driven melodic rock music.

Five decades later, the music of the classic line-ups of Wishbone Ash continues to delight audiences worldwide through both live performances and a rich legacy of recorded work that continues to be enjoyed by fans old and new. Classic album releases such as Wishbone Ash, Argus, Pilgrimage, Wishbone Four, There’s the Rub,
New England and Live Dates defined the Wishbone Ash sound and have touched the hearts of several generations of music fans. As lead vocalist, bassist and key creative force, founding original member Martin Turner was central to the critical and commercial success of Wishbone Ash’s most revered albums, with his passionate vocal delivery, songwriting ability, keen melodic sense and production values being major ingredients in the definitive Wishbone Ash sound. Martin Turner continues to delight audiences with performances of the band’s best loved works with his current line-up, which features guitarists Danny Willson and Misha Nikolic, and drummer Tim Brown.

The 2022 tour will see Martin and his band performing two vintage albums back to back in addition to other Wishbone Ash classics.

Featuring epic tracks such as “The King Will Come”, “Warrior” and “Throw Down the Sword”, Wishbone Ash’s seminal 1972 Argus album achieved a #2 UK album chart position and won UK music press “Album of The Year” awards. On its 50th anniversary, Argus remains one of the most enduring works of the classic rock era.

1973’s Wishbone Four album explored fresh territory and contained shorter songs, a strong folk influence on several tracks, a harder rock sound on others and included stage favourites “Doctor”, “Rock n Roll Widow” and “No Easy Road” alongside deep cuts such as “Everybody Needs a Friend” and “Sorrel”. Wishbone Four reached #12 in the UK. The 2022 tour marks the first time the album has been played live in its entirety.

This double bill of vintage Wishbone Ash albums is an event that no Wishbone Ash aficionado will want to miss.

Line up:
Martin Turner – Lead Vox, Bass
Danny Willson – Guitar, Vox
Misha Nikolic – Guitar, Vox
Tim Brown – Drums, Percussion, Vox

Bang! Bang! Bang! Boppin’ B is back in town! Und wenn Deutschlands erfolgreichstes Rock’n’Roll–Quintett loslegt, stehen alle Regler auf elf – Schweiß, gute Laune und lachende Gesichter vor und auf der Bühne inklusive. Der musikalische Fünfer mag in den Jahren seit der Bandgründung 1985 auf den Straßen Europas schon einiges an Staub gefressen haben, aber der abendliche Auftritt entlohnt stets für alle Mühen.

Das normalerweise im Bandbus gut durchgesessene Sitzfleisch hat durch den Corona–Lockdown einiges an zusätzlichen Energiereserven gespeichert, die in einer wilden, abgefahrenen Performance abgebaut werden müssen: Da wird der Kontrabass gefühlt aus allen Himmelsrichtungen bespielt und genauso erklommen wie die Verstärker, das Schlagzeug oder auch das eine oder andere Bandmitglied.

Bis einschließlich August konnten ca. 70 Shows aufgrund der Epidemie nicht gespielt werden, umso mehr freut sich die Band nun wieder quasi frisch und unverbraucht auf der Bühne stehen zu dürfen. Kurzum: Spaß zu haben und alles nicht allzu ernst zu nehmen – am wenigsten sich selbst, was auch der Titel des Anfang 2020 erschienenen Albums belegt: „We Don’t Care“, welches sogar die deutschen Albumcharts knackte.

Ach ja, apropos frisch und unverbraucht: Für neue Töne am Mikro und noch mehr Leben auf und vor der Bühne sorgt seit 2018 der neue Frontmann Michi Bock, mit dem man die seit Dekaden erfolgreiche Reise fortsetzt. Stillstand war gestern – Boppin’ B ist nach wie vor auf der Höhe der Zeit und manchmal sogar auch noch etwas voraus.

Boppin’ B sind:
Michi Bock – Gesang
Golo Sturm – Gitarre
Frank Seefeldt – Sax
Didi Beck – Kontrabass
Thomas Weiser – Trommel